三块广告牌

安吉拉被强奸致死的案件发生了好几个月也没什么进展，于是，安吉拉的妈妈米尔德里德（弗兰西斯·麦克多蒙德 饰）租用了小镇道路上的三块广告牌，张贴了“怎么回事，威洛比警长？

”“依然没有逮捕到凶手？

”“强奸致死”的字样，以求提高人们的关注。

这一做法，无意间把米尔德里德、前夫查理、广告公司员工莱德、威洛比警长（伍迪·哈里森 饰）、迪克逊警官（山姆·洛克威尔 饰）等人紧密联系在一起。

《三块广告牌》具有教科书级别的剧本，用“三块广告牌”把关键人物串联起来，他们又共同推进整个事件，堪称年度最佳群戏之一。

环环相扣，处处合拍，把人物、细节、线索运用到极致，每一个人都脱不开关系，每一秒钟都不是多余的。

一波三折，跌宕起伏，充满各种意料之外、情理之中的转折，让我想起当年《心迷宫》的惊艳。

米尔德里德米尔德里德心直口快，脾气火爆，简单粗暴，充满戾气。

张口就是fuck，闭口就是bitch。

她偏执，倔强，孤身一人对抗整个世界，不达目的誓不罢休。

她是女人中的豪杰，老人中的霸主。

她动手能解决的就绝不瞎比比：学生对她的汽车扔垃圾，她就分分钟教你做人。

她生死看淡，不服就干：租广告牌和警察局刚正面、对警察大呼“混蛋”，甚至火烧警察局。

她做了许多人敢想不敢做的事：和神父讲人生、和警察讲哲理、为了给女儿讨回公道不择手段，绝不心软，绝不妥协。

米尔德里德和前夫查理很像，他们具有相似的性格。

有时候他们并非要争个你死我活，只是习惯了逞口舌之利，在嘴上争个输赢。

比如查理说“我也希望这一切都没有发生，我也希望安吉拉还在这里”之后，两人已经有和解的趋势。

然而查理的下一句话“但是广告牌并不能让安吉拉复活”立马让米尔德里德翻脸不认人：“睡19岁的姑娘也不能让安吉拉复活。

”她很固执，不允许别人说自己不对，但自己感到不爽就必须说出来，再比如他们在餐厅偶遇，一言不合就言语轻薄对方的伴侣。

最后查理还是耐心跟她讲道理“愤怒只会招致更大的愤怒”，她也冷静下来叫查理对女友佩内洛普好一点。

他们都是刀子嘴，豆腐心，毒舌的同时又有可爱温柔的内心。

虽然见面就开喷，但能喷到一起也是缘分，不然也不会有一段爱情过往。

威洛比威洛比的性格和米尔德里德几乎相反，他是个老好人。

他不愿让病痛给家人带来折磨，选择提前结束自己的生命。

米尔德里德明知道他身患癌症还在广告牌上质问他，难免有点过分，但是威洛比没有记仇，而是和米尔德里德沟通。

即便是突发病情被送往医院，还要为他人着想，叮嘱同事放走米尔德里德。

所有人，包括观众在内都只从迪克逊的身上看到暴力的一面，但是威洛比还看到了他的正直。

直到自己都死了，威洛比还（提前写信）向每个人道歉。

因为没抓住凶手而向米尔德里德道歉，

因为自己的死亡而对迪克逊道歉，

无法对妻子道歉是因为他觉得“对不起”三个字无法表达自己的歉意。

所有的黑锅我来背，所有的问题我来扛，所有的错误我来担，你们只需要负责好好活着。

迪克逊米尔德里德和威洛比都已经结婚生子，他们的阅历足够丰富，岁月十年如一日地打磨他们，他们变得越来越像自己。

米尔德里德代表的是戾气、火爆，威洛比代表的是和善、温柔。

可能是因为年龄还不够大，也可能是还没想好成为怎样一个人，迪克逊的性格充满矛盾。

他介于米尔德里德和威洛比之间，戾气夹杂着和善，火爆兼具着温柔。

他对母亲是温柔的，整个小镇的人都知道他的恋母情结，米尔德里德还为此嘲讽了他好几次。

他对外人是火爆的，因为父亲去世，他不得不全身心照顾母亲，从而变得容易发怒。

用爱治病米尔德里德和迪克逊暴戾乖张，威洛比以德报怨。

米尔德里德和迪克逊像是病人，威洛比像是医生。

其实米尔德里德也有和善、温柔的一面，但她隐藏得比较深。

她觉得女儿的死亡是自己的错，是因为她和女儿吵了架，于是租广告牌质问威洛比来转移注意力。

威洛比写信告诉她，自己是真正用心查了案子，还祝她好运，并帮她续了一个月的广告牌租金。

迪克逊同样是会靠伪装来隐藏自己的真实想法。

迪克逊展示出恐同的样子，来掩饰自己是同性恋的身份。

唯有威洛比支持他：没人觉得你是同性恋有什么问题。

迪克逊展示出飞扬跋扈的样子，把自己表现成一个混蛋。

唯有威洛比透过他的伪装，看到他的正直，看到他拥有成为一名真正的好警察的潜质，并且鼓励他放下仇恨，献出爱心。

于是，他卸下面具，对他曾经伤害过的莱德道歉。

莱德口口声声说着“fuck”，结果最后还是给他递来了果汁。

两个互不相让的人逐渐敞开心扉、握手言和的转变，直戳泪点。

是啊，伤害他人谁不会啊，最难的是不伤害他人，最难的是善待他人。

于是，威洛比就靠善良化解了米尔德里德和迪克逊的执念，用大爱治好了他们的心病。

用爱解决问题开头，米尔德里德被愤怒冲昏了头脑，丧失了判断。

她和女儿的争吵间接导致了惨剧的发生。

她对所有警察都新生偏见，误会了威洛比和黑人警长。

她的三块广告牌也没有解决任何问题，只是让事情变得更坏；迪克逊被仇恨蒙蔽了双眼，降低了智慧。

他伤害了莱德，伤害了米尔德里德的同事。

发怒是本性，控制怒火才是本事。

仇恨是本性，放下仇恨才是本事。

偏执是本性，收起偏执、关爱对方才是本事。

狭隘是本性，改变狭隘、善待他人才是本事。

后来，米尔德里德轻轻放下了本想砸在查理头上的酒瓶，善意地叫他对女友好一点。

他们握手言和。

迪克逊低下高昂的透露，收起愤怒，开口向莱德道歉；莱德做了强烈的思想斗争之后，给迪克逊递来了果汁。

他们重归于好。

米尔德里德承认了火烧警察局的行为，迪克逊也冰释前嫌，终于让这个“从来不会笑的广告牌女士”绽放出了笑容。

他们达成和解。

米尔德里德和迪克逊口口声声说要对小混混处以私刑，却又说要再考虑考虑。

这一切源自愤怒和仇恨，又以大爱和善意结束。

正如佩内洛普所说：愤怒只会招致更大的愤怒。

正如威洛比所说：仇恨从来就无法解决问题，但爱可以解决问题。

这部伟大喜剧片的内核其实是悲剧，但处处让人感受到温暖和治愈，在大喜大悲中进入了喜剧片的最高境界：笑中带泪。

用《西游伏妖篇》中唐僧所说的话作总结再合适不过了：有过痛苦，方知众生痛苦；有过执着，放下执着；有过牵挂，了无牵挂。

2018第一部就五星。

相比故事，更爱台词。

1.—貌似我刚刚被解雇了（稍顿）解雇还是停职我不太清楚是哪个。

—解雇吧。

2.—很抱歉让你重燃希望。

—没事，我至少拥有了一整天的希望，总比没有好。

3.—威洛比先生，你的鸡巴可真棒。

—这哪个剧本里的？

我好像在莎士比亚剧本里见过。

—傻瓜，是奥斯卡·王尔德

恕我直言你们根本没看懂。

说这部电影讲的是爱和宽恕。

很好笑。

这是那种最高级的剧本。

它像上帝之眼，呈现人性的复杂和混沌，不给你直接的因果，不做道德的批判，是希望你在其中照见自己的影子。

但很多人照不见自己的影子。

还是保持了一贯的道德批判立场。

电影全片没有一个多余的镜头和台词。

很多信息是交替论证、互相揭露的。

就像在真实生活中我们不断认识一个人一样。

而不是听到一句台词，就赶紧“哦，她不是个好母亲。

”再听到一句，“哦，她也不是个好妻子。

”“她坚持要抓凶手就是因为死前她咒了女儿。

”不是这样看的。

单身妈妈为什么单身？

因为老公跟20岁的骚浪贱在一起了。

但不好意思，其实那姑娘不是骚浪贱，顶多有点无脑，但却也善良。

影片并没有把这个角色符号化，去贬低“小三”。

实际上就连变心的丈夫也值得我们同情，因为他的确是不爱女主角了，如果把我们设身处地的代入丈夫的视角，我们也能找到不爱女主角的一大堆理由。

比如她的暴躁，她的易怒，她的不讲理，她的强势，她的偏执。

以上是我在另一个影评中看到的一段话。

它促使我终于打开电脑写我这篇。

带着很重的情绪。

女主的丈夫，也就是死者的父亲，大概是本片中唯一不值得同情的角色。

女主看似暴躁，强势，易怒，但是为什么？

首先女主的丈夫对她有多年的家暴历史。

在影片中女儿质疑女主曾带着年幼的自己和哥哥酒后驾车，女主说，只有唯一一次。

女儿立即打断：果然有吧！

她没有耐心听完母亲说话。

就像很多观众一样。

母亲接着喃喃的说，那一次是你父亲把我打到动都动不了——父亲曾是警察，这是很有趣的一点。

他在第一次出现、找女主谈判的时候显现出了很敏捷的身手——虽然是用来打老婆。

他在一眨眼不到的时间里，掀翻了桌子冲过去掐住了女主的脖子，把她按在了墙上。

而儿子立即拿起菜刀架在父亲脖子上，要他放开母亲。

所有人都非常“熟练”，对这一切没有表现出任何惊慌。

显然这是经常发生的一幕。

联系一下我们在现实生活中听到的新闻，你该知道从家庭暴力中逃脱是多么困难。

尤其是丈夫还是暴力机关工作人员，警察。

女儿安吉拉，是令人同情的受害人。

除了是受害人，生前她是什么样的女儿？

从女主的口中提到，她经常和朋友一起抽大麻。

哥哥说，“如果你能不要老是像个小贱人。

”小贱人原话“cunt”，大家可以去查一下这个词感受一下它暗示了什么。

安吉拉的母亲确实对她态度不够柔和，但她是个很乖的女儿吗？

不是。

安吉拉像是美国电影里典型的叛逆期少女的形象。

这种形象在很多电影里都有出现。

好些年前看过的一部电影，名字忘了，里面父亲有一段喃喃自语的台词：女孩，小时候像个天使，等到长到十四五岁，突然之间，boom，她们身体膨胀起来，大脑也塞满了你弄不懂的东西，父母变成仇人（大致这样）。

这类形象如此之多，我认为可能一定程度上代表美国对自由文化的一点反思。

女儿抱怨母亲，生前曾打过一次电话表示希望搬去父亲那里，但这不代表父亲其实比母亲好。

远香近臭这个道理很浅显了。

而且，什么样的母亲会比一个会家暴妻子、与十几岁女友同居的父亲更糟糕？

安吉拉惨死，最坚持找出真凶、为她感到悲痛的是母亲。

其他人都如常继续生活，甚至为了不那么难过希望尽快忘掉这个惨案。

安吉拉和母亲的矛盾，并不只是母亲单方面的问题。

剧中有对母女关系的反思，母亲的态度过于强硬，女儿的桀骜不驯、对母亲缺乏理解，都是很明显的。

女主角，是一个从多年家庭暴力中逃脱、独自抚养两个儿女、然后女儿被奸杀找不到凶手的母亲。

你看到的是经历这一切之后的她，然后你说，她强势、偏执、不讲理、不可爱，丈夫不喜欢她理所应当？

也许她有点张牙舞爪，可她生活中的哪一部分，不是需要这样才能坚持？

如果她不是这样的人，她的人生早已沉沦。

何况，她其实是那么弱小，哪里有真正的爪牙？

电影要表达的不只是宽恕。

剧中那句“愤怒只会招致更大的愤怒”是在最讽刺的情况下说出来的。

说话者，也就是前夫的小女友，根本不知道这句话真正的含义。

前夫烧掉了女主视为心血的广告牌，这一做法是卑劣的，他作为死者的父亲，甚至不如刷广告牌的工人，一个陌生人所表现出的同情心。

如果一定要说，不如说这部电影呼吁理解。

这个理解，包括你对他人的愤怒的理解。

很容易联想到江歌案。

在江歌案中，江歌的母亲最开始在网上得到很多声援。

但后来，当她不依不饶、坚持要凶手得到惩罚、每天在微博上表达对爱女惨死的心痛和愤怒时，开始有人讨厌她。

留言攻击她。

这个社会同情受害者——直到受害者表现出强硬。

这同样是本部电影要表达的点，但很多人却忽略了。

忽略，是因为他们很少真正代入到受害人的身份当中。

他们始终是看客，可以散发同情，但有限度。

很轻易就翻脸，认为受害人现在有点过分了噢。

但从没真正想到，受害人到底真正经受了什么。

女主和她的丈夫，对死去的女儿的情感是不同的。

一个是早已有了年轻的女友，且很少和女儿生活在一起的父亲。

一个是独身把女儿养大的母亲。

说一声move on当然容易。

但如果你是女主，尤其你是死去的安吉拉，你还会这么想吗？

你还会认为大家应该尽快的忘记你，应该宽恕，应该move on吗？

很多人，都看不惯强硬的女性角色。

不管她的做法对不对，强硬本身就是一种原罪。

这些人包括剧中警长的朋友牙医，他利用自己的职务之便想要教训一下女主。

包括那个疑似强奸犯的军人，他曾到女主的店里卑劣的恐吓她。

包括女主的丈夫。

也包括现实中的很多人。

但这个女主，其实是从苦难中爬起来的人。

她抵抗了家暴，独自抚养了儿女，承受了丧女之痛。

她必然是有极其坚毅的性格才能做到这些。

她并非性格粗暴。

剧中最开始，在与广告公司谈广告牌的事情的时候，她站在窗前，轻轻的把一只翻不了身的虫子翻了过来。

她的脸是如此温柔而充满怜悯。

这一幕，可以说是心有猛虎，细嗅蔷薇。

在刷广告牌的时候，她对着突然出现的小鹿说的话，温柔而悲切入骨。

一个绝望但不得不保持坚强的伟大母亲。

让我在电影院泣不成声。

警长忽然吐血，血喷到她脸上，她的关切是真实的，发自内心。

她呼叫医生，跑出警察局，我相信在那一刻，她也打算不再逼迫警长。

但是后来警长自杀了。

你我都知道这其实和她无关。

而她承受了许多后果。

她曾被下流的军人当面恐吓。

我相信如果你是女性，那一刻你和我一样，和她一样，感到极度恐惧。

事实上一个女性在那种时候是多么渺小，我们都亲眼看到她怎样轻易地被丈夫按在墙上掐住脖子，如一只蝼蚁。

她一直选择坚强。

选择不放弃。

有时候她用力过猛。

有一定的以暴制暴倾向。

但同时，她身上有非常美好的光芒。

她非常得体。

具有很好的幽默感。

冷静。

聪明。

坚强。

善良。

在对她进行评价之前，请真正想一下，她经历了什么，正在经历什么。

如果你是她，你能不能做的更好。

再来谈爱和宽恕。

这里是一些后续补充：为什么我说这部电影不是讲爱和宽恕。

如果你说它讲的是爱和宽恕，那么就等于说认为女主角前面立下广告牌的做法是错的，放下仇恨才是对的。

然而事实并非如此。

她最先的做法不一定错，最后她也没有放下仇恨——她拿起了枪，但找不到真正的凶手，又犹豫罢了。

我一再强调这部电影的因果是混沌的，因为这就像生活。

每件事的行为后果是不确定的，有随机性，同时被很多因素左右。

你想做好事，结果可能导致坏事。

你伤害了别人，不一定受到惩罚。

但你最终受到惩罚，却可能是因为你想做一件好事。

因此它不是简单的批判什么而赞美什么。

而是一种对生活和人性的展示。

女主角后来意识到她做错了一些事，但这代表她前面做的事情都错了吗？

代表安吉拉的死是她的错？

代表她一开始就不该竖起广告牌？

不代表。

全片中较为智慧的角色是警长。

但就连他，也在死前开了一个玩笑，一个有点残忍的玩笑。

他为女主支付了下个月广告牌租金，多少是为了让女主在他死后承受一些责备。

换句话来说，他不是不气愤的。

这气愤当然也是合理的。

但是从另一个角度上，他是在帮助和支持女主。

警长死了，会有新的警长。

广告牌还在，警察局就有压力。

就不能忘了安吉拉海耶斯的案子。

换句话来说，在他死前，他已经和女主达成了和解，他们互相理解了彼此的处境。

只是蒙着眼的观众看不穿罢了。

① 不是我平常会去影院看的电影，没有热闹的场面和天马行空的想象力，但角色之生动，冲突之密集，编织冲突的手段之精妙，剧情张力之强，完全不亚于最刺激的动作片。

很多大片一到文戏就尿点连连，本片却从头到尾扣人心弦。

② 台词非常棒，千锤百炼，看似粗俗的争执和叫嚣折射出内心暗面，各种拐弯骂人不但有趣，潜台词也非常丰富，几个主角都有大段独白或猛爆金句的时刻，浸透了真性情和人生坎坷，加上一群演技派活灵活现的演绎，真是十足享受。

③ 故事围绕一起悬而未决的奸杀案展开，却几乎没有把笔墨放在案件的侦破上，吊诡的是，案件背后的一滩滩狗血吸引程度之大，让凶手是谁完全不重要了。

④ 好玩的地方在于，没有两个人之间是全然友好或敌对的，构成了一张人人都介于敌友之间的大网，从头到尾都用一种看热闹的调调制造火爆气氛。

人与人的微妙分歧是世界复杂性的来源，剧本敏锐地捕捉和呈现了这一点。

⑤ 所有人跟爆米花电影里的美国人完全不同，真实粗野，复杂不安，多愁善感又冷酷暴躁，脾气幻变捉摸不透，他们有缘有故地展开撕斗，也会出乎意料地达成和解。

⑥ 但别看动不动玩命，全片其实没有一个坏人，甚至大部分多少都带点可爱，属于那种粗看敬而远之，熟了能走个心的。

与其说他们互相恶斗，倒不如说他们都在跟这个逊透了又改变不了的世界对着干。

⑦ 难以想象会引进这片，不是因为它文艺（事实上这部“文艺片”里没有一个文艺青年），而是因为一来，种族背景、小镇群像、美国法律、市井交际等等都有文化差异，二来，戏弄执法人员，狂黑医生和神职人员，法外施暴，大量粗口和政治不正确台词，尺度实在够毒。

⑧ 故事里充满了被生活毁掉、里里外外颓得透透的、却在强装一切都好并努力改变点什么的普通人。

但并没有负能量铺天盖地，倒是用一种哀而不伤的调调，以及四处散落的小幽默，生生熬出了一碗残酷却也很酷的鸡汤。

注:关于这篇长评，因为我本人记忆的问题造成了一些误解，“阿提卡监狱暴动”发生在纽约州的怀俄明县，而非怀俄明州。

原英文为“Are you sure you aren't thinking of Wyoming”， 因对《热天午后》记忆深刻所以记住了阿提卡监狱暴动事件，这件事影响也的确较大。

但推测为避免产生歧义如若提及此Welby 的措辞应当直接是阿提卡，所以这里提的应该不是那次事件。

有一豆友指正:

他所提到的Matthew Shepard事件具体如下:

我不十分肯定这个就是正解，但怀俄明州那个梗应当是与种族无关了。

大家自己去推测和判断吧。

这个长评我不会删，但也大概没啥用了，留给自己做个记录。

让它自行下沉或可以点“没用”让它加速下沉，十分感谢。

自看了《I, Tonya》以后便对这部片子产生了极大兴趣，虽说拉沃娜那母亲当的极其操蛋，她还是坦雅悲剧造成的首要原因之一。

但也是她撑起了如此一部大杂烩，艾莉森·珍妮的出色表现是毋庸置疑的。

而《三块广告牌》中弗兰西斯甚至一举拿下如金球奖剧情片最佳女主角等多项奖项，据说其刻薄程度达到了生个气都有星球大战的架势。

于是嘴皮不甚流利渴望学习的我赶忙搬了个小板凳认真吃瓜，理解如下：一、两个隐藏于剧情的谜底

1、Dixon 喝醉酒后在台球桌旁同Welby 的交流时Welby 说到“你确定没让你想起怀俄明州”所涉及的是“阿提卡监狱暴动事件”：1971年白人狱警与黑人囚犯产生大规模武力冲突，因为黑人囚犯强烈要求人权。

最终以白人狱警扫射囚犯（不顾人质死活的前提下）告终。

Welby 提及此可能因为对Dixon 在小镇的虐待黑人行为表示不满。

这大概也是当Willoughby 出事时Dixon 第一时间是找Welby 撒气，将他扔出窗外后仍旧将他打得半死说出那句“我也会因为白人惹上麻烦”。

众所周知，Dixon 是个同性恋者，而从两幕我们透过Mildred 的眼睛看到的场景（1、Mildred 去租广告牌时Welby正盯着女同事的ass. 2、Mildred 因为牙医事件进警察局往窗外看时Welby 正调戏着公司女同事）可判断酒吧那晚Dixon 和Welby 没有上床，Welby 是Dixon 永远得不到的男人。

而从Dixon 母亲在他处理不了广告牌事件时教他去从Mildred 的朋友开刀可得知Dixon 在母亲的影响下形成了了一种暴躁、冲动的性格。

因而后来他在烧伤给Welby 道歉并对母亲的那一句斥骂是他成长的转折点标志。

他只是碰上了一个操蛋的母亲。

2、关于凶手，这部电影采用了《杀人回忆》般调动你所有期待但最后让你大失所望的戏码。

它让那男人去恐吓Mildred 后再在酒吧里让那男人承认他强暴过谁因而吊足了我们的胃口，并且其还有一样的时间和遭遇：时间对得上、同样是被烧死。

在我们开始庆幸凶手被抓到时，其实它早已经话锋一转：“我才不会为那件事伤心呢，那是我在那的最后一天”、以及他不害怕袭警，告诉了我们他并非杀害Angela 的凶手。

但这部影片说得哪只是那个杀害Angela 的凶手呢？

本片中唯一提到的时间点是1986年（Welby : 那三块广告牌从1986年起就没人张贴过广告），因而大致可以推测到1990年以后，而90年以后，美国对哪个“沙地”国家有所侵略早已不言自明。

于Mildred 与 Dixon 他们要去伸张的是杀人偿命的正义，于我们要去理解的是人权与侵略。

二、她只是害怕自己不是一个好妈妈这是一部有着美国式暴力幽默，融合了多种社会问题的犯罪剧情片。

与一般的商业电影有所不同，其将这商业化套路泯藏于人物性格之中，而由人物性格引发的故事，走向完全不如所想。

但其实再怎么分析，都发现Mildred 这一系列行为无非是出于对女儿Angela 的爱。

她将Angela 的死当成自己的责任，所以她急切地想找出那个凶手，让自己被分担出一部分罪责。

她太害怕自己不是一个好妈妈。

一如她租赁广告牌时轻轻为它拨正位置的甲壳虫，她也急切地希望自己能接纳下这个让自己痛恨的自己。

我们来从几场戏中分析：1、Angela 出门之前未借到车选择了步行是她当时固执地不肯借车。

2、从Angela 措辞中可以了解到Angela 心中对她有所不满，觉得她不爱她和她弟弟（醉酒后载着他们飙车）。

即使她当时是被家暴对待，她也认为这有她的一部分责任。

3、她教训Angela 与儿子robbie 在家里不能说脏话证明她是有意要当一个合格母亲的。

4、那父亲突然掀桌子掐Mildred 时儿子迅速反应过来用刀抵住父亲的脖子也可知家暴在未离婚之前已是常态，从那父亲暴躁的脾气难听的措辞中也可知Mildred 与两个孩子深受其害。

因而离婚后是两个孩子跟着她而非跟着开跑车的父亲。

这本是让她在这悲哀婚姻最安慰的一点，即使她什么都没有，她还有孩子。

可当那父亲说出Angela 宁可跟着他时她崩溃了。

这也为后来的事情严重化埋下伏笔。

于是将女儿出事责任放在自己身上的她，迫切需要将这愤怒发泄出来，迫切需要找到凶手来为Angela 报仇。

但正如她前夫找的那十九岁女孩儿的话“愤怒招致了更大的愤怒”，她后来的所作所为已不单单是为Angela 了。

这部由马丁·麦克唐纳自编自导的片子无论在剪辑或是配乐上都是极其出众的，叙事上也极其以小见大，环环相扣。

关键它竟然将这样的题材拍得如此温柔、落寞而又伤感，着实不可多得的佳片。

注：欢迎反驳和指教。

当威尼斯电影节放映前贴片播完，矗立在荒凉的公路边上的三块广告牌映入眼帘，一曲《夏日最后的玫瑰》响起时，我们知道，那个从小接受凯尔特文化熏陶的马丁-麦克唐纳回来了。

故事发生在美国的一座小镇上。

弗兰西斯-麦克多蒙德饰演的女主角是一位失去女儿的母亲，然而女儿遇害的案件却迟迟未曾了结，凶手依然逍遥法外。

眼看着破案希望慢慢消逝，这位做事果决的母亲，与小镇上碌碌无为的警察之间的矛盾日渐尖锐，她借用三块广告牌向负责该案的警长发起质问，在小镇上掀起轩然大波，众多人物相继被卷入血腥、暴力的纷争之中。

这是一个典型的马丁-麦克唐纳式故事。

但它并没有前作《七个神经病》那般诙谐的语境，那部电影里，主角们仅仅因为一条狗而经历了一场可怕的争端。

这部电影反而回归到了处女作《杀手没有假期》所表现出的荒唐的悲伤衬布之下。

在处女作里，他不刻画杀手们如何执行任务，而是描述两个主角在布鲁日的“假期”，纵然杀手远离了任务，然而杀戮和血浆却依旧如影相随，在科林-法瑞尔饰演的天生就带喜感的人物背后，我们能感受到彻骨的悲剧内核。

《三块广告牌》的人设都有着强烈的双面性。

虽然这位母亲站在法理的高地，可是负责该案件的警长却身患癌症，又把她置身于道义的低谷。

在这位母亲坚强、倔强的性格背后，也有着做事不计后果的一面，正是这种冲动，将事件带入不可预期的境地。

而与此同时，电影最感人的片段，却是她唯一一段深情流露的情节，当她在广告牌下看到一头鹿时，流露出了丰盈的属于女人的母性光辉，可谓动人。

弗兰西斯-麦克多蒙德与这个角色是完美契合的。

作为《冰血暴》的女主角，作为奥斯卡影后获得者，她用生动的演技把这个人物身上的复杂层次演绎出来。

当然，人物让观众印象深刻，得益于马丁-麦克唐纳善于塑造人物，他寥寥数笔就可以把女主前夫的现女友的立体形象刻画出来：一个常常喋喋不休一些道理，然而却没有什么真才实学的花瓶，可以说跟有暴力倾向的前夫很般配了。

马丁在对待善恶上一向很公平。

在警探迪克森身上，我们可以看到他对现实社会问题的洞察和态度，这个仪表堂堂的警探一边表现出深深的恋母情结，一边带出鲜明的恐同和暴力倾向。

而丰富的细节可供我们推断，他不仅恐同，且本身也是同志，他的母亲深知她的儿子。

而彼得-丁拉基的加盟，也延续了马丁对侏儒人群的持续关注，丁拉基自称dwarf，没有“自杀倾向”。

也因此，在观看过程中，殊异的文化语境会给观众造成障碍，观众必须集中精神，因为每一句台词都有着潜台词，每一段幽默背后都有着双重含义。

马丁喜欢夹带各种私货，包括隐喻、文化符号、俚语、双关、尴尬情境、滑稽情景等等，为角色们打造合适的五花八门的设定，以丰富人物身上的戏剧性。

因为马丁的戏剧出身，镜头转换上有几处会有些强硬感，像是戏剧换场。

它的影像表达不是它突出的地方。

因为爱尔兰戏剧包括乔伊斯、王尔德、叶芝等对其的影响，需要重点考虑故事的文学性。

三块广告牌这个意象本身是一个相当古典的戏剧设计，带着鲜明的时代隐喻——一个萧条的社会给个体人性带来的变数。

观众对每个人物的评判都不应脱离开这个隐喻。

之前被留言区朋友“追杀”，删掉了那句大背景的话，“通过三块广告牌的荒废日期1986年断定，故事发生在1986股灾之后”，现在加上。

尽管这是个可以手机、可以谷歌的故事，但仍然逃不脱80年代的阴翳，那是美国阶层固化激化的开端，保守的政府“80年代出台了大量法律”，可是连人吐口痰就有环境法治罪，这个小镇，人人道义上都心向这位母亲，可是她表达愤怒时，却连神父都来阻止。

就是这样一个好人遍布的小镇，却迟迟无法推进一件案件。

当社会固执得像一块水泥块时，愤怒的意义就是要把它的顽固打破。

作为西方戏剧圈中“直面戏剧”的代表，马丁-麦克唐纳不规避暴力和血浆本身，而选择用荒诞的手法直接刻画愤怒、暴力、偏见等人性黑暗的部分，台词中带着大量粗口，借恶的边缘来刻画恶，借暴力本身反暴力，借犯罪类型反犯罪类型。

所谓“直面”，就是把那些我们生活中做过的，回想起来会让自己羞愧、脸红的东西，那些精英排斥把它们用在艺术里的东西，摆上台前，赤裸裸地引发观众的羞恼、反思。

他把幽默、荒诞、痛苦，同情感、人性、美德糅合在一起，打造出这个全程不断反转，让人哭中大笑，充满戏剧张力又引发观众深思的黑色幽默电影。

电影在适当的时刻停止，恰到好处。

等待男女主角的是一个遥远的问号，还是一场你死我活的血拼？

我不知道，那里不再是广告牌的阴影之下，也因此而意犹未尽。

它带上了艺术的普适性，这个小镇不只存在于美国，也可以存在于任何一个时代、世界的任何一个角落。

对中国来说，马丁-麦克唐纳并不陌生，2011年他的戏剧作品《枕头人》就在京沪上演过，也征服了包括我在内的一大批中国戏迷。

最后想说，最让我眼前一亮的是创作者对音乐的运用，他有着不俗的音乐品味，骨子里透露出深深的怀旧感。

《夏日最后的玫瑰》更是与电影主题相互呼应，歌词一句“当所爱的人已经逝去，谁还愿意在这黑暗的世上独自凄凉”，也正是女主角本身深刻的悲剧意味。

歌单：Last rose of summer，一首爱尔兰民谣，音乐大师贝多芬、门德尔松都非常青睐它；Buckskin Stallion blues，一首来自于Townes Van Zandt的民谣歌曲；Chiquitita，瑞典乐队Abba的经典代表作；His mater`s voice，一首好听的民谣，来自于才华横溢的monster of folk乐队；Walk away Renee，来自美国黑人组合Four Tops的流行歌曲；The Night They Drove Old Dixie Down，根源摇滚代表歌曲之一。

就是你看着他俩觉得他俩的确就是他俩演的那个角色，就像个活人，只是经历让他们和一般人又不太一样，首先说明演技就是非常自然传神的了。

其次，他俩的角色是极端化的正常人，就是正常走路上你不会多看他俩一眼，但他俩一开口一做事你就忍不住盯着他俩看。

这种复杂的微妙性他俩诠释得都很棒，和影片风格也很一致。

演一个全然疯子的难度远没有这种带点疯劲儿的正常人难演，因为这种角色既需要现实生活体验又需要艺术人物的塑造，在适当的时机有逻辑，在适当的时候又有些神逻辑，这个时机很难把控。

举个例子，假如妈妈这个角色就是个单纯被女儿之死弄疯了的妈妈，她会经常处于一种歇斯底里，一提她女儿就开始崩溃的状态。

看完后我们会深刻同情这位母亲，说她真是太惨了，然后呢？

我们会忽略她的行为逻辑，全都被一个“她被她女儿之死击垮了”这个状态给遮蔽，她是不正常的，不正常状态下人说话不值得思考只值得同情，啊你看她都被打击得放火了。

而片中的母亲是冷静的，克制的，会给人感觉，她明知道自己在做什么，她知道自己做这些的后果，她的智商在线，她不需要我们同情她需要公正，真相，凶手，为了这个目的她做出种种。

这位演员她演出来了，有些时候她甚至让我们和片中的小镇居民一样忘了同情，开始思考她这样做对不对。

如果这位母亲是全然失心疯，她最后在车上思考到底要不要制裁凶手也不会引起观众同样的思考，只会觉得，这是失心疯母亲的化身正义使者的一种报复。

但报复显然不是导演的本意。

迪克森这个角色同样复杂，很多人说他的转变太突兀，其实是因为这个人物复杂的简单个性。

迪克森很容易受人影响，他像个孩子，他母亲说，你为什么不去威胁她朋友？

他就去了。

而如同他父亲的警长说，你去做个好人，他也去了。

好与坏，对他只是一种引导。

他不在乎其他人的生死，很暴力，他同样也不在乎自己的生死，所以他与凶手以命相搏，所以没有因为毁容记恨那位妈妈，不是因为他人变好了，他只是本来也不那么在乎。

山姆洛克威尔这个喜剧见长的演员把迪克森的暴虐与天真完美融合，从各种细节和表情我们可以脑补出这个角色的背景。

他与凶手搏斗时的凶狠，和自己暴虐的老妈相爱相杀，对警长的迷弟式敬畏，一听歌就忘我的二缺状态。

这个角色很复杂，但演员演的你会觉得的确就有这样的人活着，这就是他的演技。

因为他能演出来的，只是他背后对这个角色的认知的那端露出的冰山。

关于《三块广告牌》的争议背后有一个问题，就是我们究竟该如何看电影？

我将对市面上一些指责进行反驳，但这不意味着我不接受反面论点，只觉得这些批评大多不健全，没有一篇是让我觉得合理的。

但是， 当我们看一部电影，究竟该怎么看？

甚至说，我们又该如何做一个好观众？

如果你是个制片人、导演，你看电影时必不再是一个纯粹的观众了，该如何面对身为观众和你的身份两者所造成的标准不统一？

我不在这里借此讲那些空道理，只是看了太多文稿之后，权且努力拨一把乱而已。

◆这部作品太偏向戏剧了？

我的答案：《三块广告牌》在结构、人物、对白设计上的确非常戏剧化，但戏剧化不等于就是戏剧。

故事刚开始就是一首歌和一组广告牌镜头，远看成岭侧成峰，这仍然是电影语言，若是戏剧，它的起调就需要去强调空间的整体感，可能是固定的一个镜头直到歌唱完。

《三块广告牌》仍然是用电影语言讲述的作品，电影史没有人规定过镜头必须怎么拍，时长是多少。

蒙太奇的意义对它来说很重要。

并且它的表演仍然是电影的，不是戏剧的。

《三块广告牌》的镜头并不着重刻画人与人的关系，而重在表现琐碎的言语之间的来往，故看起来零碎。

但这种故意规避人物关系的做法也在发挥着作用，它表达出剧中人物共有的孤独感特质。

我们仍然会觉得狄克森打伤小男孩的长镜头很亮，在看第一遍时，甚至不会注意它是一个长镜头，也不会感到导演炫技的成分在。

这大致说明，马丁-麦克唐纳是有意识选择减少镜头痕迹，让观众的目光聚焦在故事和人物身上，这对强戏剧化的故事来说，是一种恰当的做法。

镜头和视听不鲜明，不等于它不合适。

而且音乐剧电影也并不就是一个歌单，手绘动画片，也不是一座美术馆。

我们该如何正视电影语言作为一种语言的生命力和可能性？

◆有人还把女主角与鹿互动的情节与《逃出绝命镇》的鹿做了对比，认为后者高级，前者拙劣。

这是一种只做了视听分析而未做戏剧分析，并割裂二者联系的片面之言。

在《逃出绝命镇》里，鹿的出现是一个警示，一个符号，一个隐喻，一个镜像，一个需要聚集观众智识的标识，创作者必须要用非常艺术化的镜头进行展现，在这里提示观众去注意鹿，方能吸引观众的意念。

而《三块广告牌》里的鹿只是现实生活里遇到的一个可爱的狗狗猫猫一般，并不承担其它含义，犹如故事刚开始那个无法翻身的甲虫，是为了彰显女主角柔情一面的道具和工具，镜头在这里仍不可以喧宾夺主。

两种不同的功能，前重后轻，自然无对比的意义。

其实拉郎配是具备意义的，但是拉郎配也意味着你在用既有的经验套另一种经验。

◆有人借许多细节认为马丁-麦克唐纳并不是一个高明的导演。

事实上，这样否定一个人的感觉，跟官方封杀一个劣迹艺人异曲同工，因为其并没有意识去分析导演的作者性，作者性往往能看出这位创作者本身的价值体系。

价值体系和认知才是决定一个创作者走多远的根本。

什么是作者性？

是他的作品里一贯的一些风格和观念。

比如，在《三块广告牌》里，马丁麦克唐纳依然借神父这个片段，反馈了他对上帝的质疑（但这不是反基督），犹如他早年戏剧《枕头人》里的“小基督”，也像《杀手没有假期》中血腥、罪恶的事情发生在教堂里。

马丁-麦克唐纳建立的是这样一个秩序：上帝你看，这些赤裸裸的恶都发生在你的眼皮底下，然而你却不作为，甚至还助纣为虐。

这是一种可探讨的鲜明的作者倾向。

如果我们在未来整体观照马丁-麦克唐纳所有作品时，这将是概括他作者性的标识之一。

正因此，我们看好一位新导演，往往是看好ta作品折射出来的，可以被称为“作者性”的潜质。

我往往因此而原谅他们在视听上做的不那么好的地方或者错误，因为视听是可以持续改进的，但作者性可遇而不可求。

而那些历史上的大导演也并非部部电影都好，但依旧被我们选取观看，也是因为ta建立起了强大的“作者性”并创造出一系列的作品秩序。

否定作者性，基本就是在否定哲学的意义。

当一个人作者性里出现了歌颂沙文主义、纳粹主义的时候，我们才会说，这个创作者坏到骨子里了，但仍然不会去否定他有创作艺术的权力。

◆有人觉得《广告牌》后半段戏剧性太强，转折过于刻意。

其实如果回想整个奥斯卡最佳影片提名电影会发现，每一部都有类似的戏剧性转折，比如：cmbyn里要结婚的oliver和父亲请来的gaycouple；《金钱世界》买了报纸就有风来吹乱它们；甚至《至暗时刻》里都强化了历史事实的悬念感。

当我们看到一些强戏剧性情节时，务必不要着急去指责刻意，应该去关注这背后的戏剧力量是否守恒和它的作用是什么。

当故事到了后半段，主角的怒火并没有得到应有的结果，他们将陷入一种不上不下的境地，该继续还是该停止？

这个时候优秀的创作者都会安排一个强戏剧感的情节，来给这种累积下来的内力一个发泄口，于是才有了这些强转折，强转折之后，男女主角力量回归平衡，进而出现一个开放的结局，这个结局仍然反馈的是创作者的真实态度。

看到这里我是笑不起来的。

为了写这篇文章我还特意去翻了侯麦《春天的故事》。

在电影里，当两位主角陷入一个僵局，这时候那条项链突然就出现了。

这跟《广告牌》很像，也不是刻意的，因为项链缓和了那种如鲠在喉的感觉，这是创作者的善良之处，也是故事累积力量后的必然。

如何看待一个冲突是精心设计，还是刻意算计？

可能需要你对一整个文艺史有所涉猎。

◆有人觉得《三块广告牌》太聪明，是生搬硬套、故意要表达观点而强扭出来的，他同时举了个例子《以你的名字呼唤我》是从生活中生长出来的。

关于这件事，非常好反驳了。

所有的黑色幽默作品，所有的荒诞作品都是为表达而设计出来的，有哪个傻逼愿意现实中去等待戈多吗，有谁能把自己变成一只甲虫。

现实题材是从生活里长出来的，但是超一下现实、后一下现实、魔幻一下现实，就必须要在现实之上去创造。

黑色幽默和荒诞本身都是建立在智识基础上的。

观众可以悲，可以喜，但要让观众又哭又笑，则需要创作者有智慧。

日复一日在这个世界上重复，很少人觉得这是荒诞，且没有人会无意识地觉得这很荒诞。

当意识到荒诞，意味着你开始动脑筋了。

这种批评的言论，真的算为批评而批评了。

你看，我来为tb背书，也并没因此而去说cmbyn有多不好。

读书有用。

◆有人甚至觉得《三块》太不正确了？

这简直是一种误读。

那么，我讲个马丁-麦克唐纳自己的故事来回答创作者是怎么想的。

如果老人是创作者，纸飞机是作品的话，那么他显然并不真的想救人，而纸飞机却救下了小男孩——有一个聋哑的中国男孩，他走在一片荒芜的原野上的一条铁道上。

在大概十英里外有一辆火车正急速地向他驶来。

然而这个男孩浑然不知。

在前方不到一英里的地方，有一座奇怪的高塔。

高塔里住着一个留着长长的胡须，戴着一顶奇怪帽子的孤僻老人。

这个老人从来不与他人交往，而是天天潜心于自己的各种设计，各种研究，各种计算。

这天，他刚完成了一次计算，然后随意地抬头从拱形的小窗往外看去，看到了那个男孩。

当然，还有那辆火车。

当然，也预见到了小男孩也许会被火车撞倒。

但他没有采取任何救援的行动，只是坐下来又开始了新的计算。

他在算大概在多少时间后，男孩会被火车撞倒。

很快，他计算完毕了。

这时候，男孩离高塔还有30码。

他的计算结果则显示，男孩将在离高塔10码的时候被火车撞倒。

算完以后，他又对这一切感到无聊了。

他把计算结果折成了一张纸飞机，随手一丢，丢出了那个小小的拱形窗子。

就在男孩走到离那座高塔11码的时候，他看到了那张飞出来的纸飞机。

他立刻兴奋地跳出铁轨，冲向那纸飞机去了。

就在他离开铁道的那一刻，火车从他刚站的位置上呼啸而过……政治正确不是创作者第一考虑的东西，而是作品出炉后，作品自己的生命轨迹，并且这个轨迹是不受创作者左右的。

欢迎关注我的WeChat订阅号

朋友对我说，看完《三块广告牌》能感到这是部好电影，但是具体好在哪里始终说不上来。

我解释说，这部电影惊艳到我的有两个部分：一是爆发力十足的剧本，二是演员们层次丰富的表演（奥斯卡最佳女主最佳男配实至名归）。

马丁•麦克唐纳很懂怎么样把荒诞的小细节加到台词里面去，让故事的正面冲突充满戏谑意味。

然而不喜欢这部电影的朋友大多可能正是感到剧情过于戏剧化，接踵而来的情节急转弯让人累到窒息（虽说是无巧不成书，但哪有这么巧的啦）。

首先想聊一聊的是让我感到熟悉的场景设定。

《三块广告牌》对于场景的设定很有代表性，这个虚构的密苏里Ebbing小镇轻而易举就把我拉回到当时读书所在的美国南方小镇，其中的建筑风格和街道布局都让人回忆联翩。

移步室内，我们可以看到警局办公室、小广告公司办公室、医院、礼品店、酒吧以及角色们的家，这些场景和现实非常贴合，让人产生很强的代入感。

影片有出色的演员阵容，有出人意料的剧情，有对人性中愤怒、冲动、正义和爱的挖掘，看完之后在脑海里面检索三秒钟，的确没有找到这一年还有哪一部我看过的电影可以把它比下去，所以《三块广告牌》在大陆上映的时候我挤出时间去电影院又感受了一遍。

既然要找一个角度来讲一讲《三块广告牌》带给我的惊喜，那不如借着马丁•麦克唐纳优秀的台词设计扒一下令人印象深刻的细节。

第一步我先把电影剧本扒出来通读了一遍。

影片中的人物都操着一口浓浓的美国南方腔调（这在美国常见的刻板印象中是poor-educated和智商不高的象征，也算是充满地域歧视意味的偏见之一），说话习惯省掉某些连接词，话语里偶尔夹杂着语法错误，并且使用大量俚语，想必马丁在运用对话和独白塑造人物形象这个过程中下了很深的功夫。

尤其值得关注的是Dixon这个角色，他的语无伦次（不愧是最佳男配，演得很自然）让人觉得这个警探在中国恐怕会很难通过大学生英语四六级考试。

下面是我非常喜欢的原台词（依故事线排序） ▽1

警局（此时广告牌刚被挂上）

Dixon的人设是粗俗、愚笨、歧视黑人和同性恋的南方红脖子，对妈妈的话唯命是从。

作为一个因为警校期间英语考试不及格而留级延毕的屌丝警察，一方面说自己的母语连舌头都捋不直，一方面却在这里和同事玩文字游戏。

A simple question shouldn’t be counted as defamation.Dixon在这里抖的一个小机灵也是这部电影第一处punchline.

学到一个新习语 fly off the handle:

短语来源handle在这里是斧柄，斧头则暗指暴走的这个人。

（除了be pissed off, lose one’s temper, flare up以外的新表达）2

Mildred接受采访

广告牌就位之后的一段采访。

Mildred第一次完整陈述自己租下这三块广告牌的目的：我女儿Angela在七个月前就在这条路上被先奸后杀，然而我认为警方把精力全部耗费在虐待黑人上了，没人关心我女儿这桩实实在在的案子。

所以我觉得这几块广告牌可以帮他们集中一下注意力。

当被记者问到为什么矛头就指向Willoughby警长时，Mildred表示这件事总得有一个人出来背锅对吧，既然Willoughby是警长，那就他了。

此处习语 the buck stops at sb. 的来源buck在此正是指责任，Mildred毫不避讳地当着电视机前的观众把锅扣在了Willoughby警长头上。

3

弄伤胖牙医后，Mildred被传讯到警局

这一段对话发生在警局的审讯室里，虽是Mildred被传讯，但对话看起来却像是Dixon正在回答Mildred的审问。

结合前一段剧情，在台球室里Dixon向Mildred老老实实回答和妈妈约定好12点之前回家的桥段，看上去Dixon的确是一个不敢在Mildred面前喘一声粗气的Mama boy.

“别用那种眼光看我，如果你把我局里有种族歧视的警探全部开除掉，最后只留得下三个——留下的还全都会歧视同性恋，我也没办法”4

Mildred, Wife-beater型前夫，儿子

“噢，嗯，我有一点想上个厕所，但是如果不方便的话，好像是不方便，是吧？

我感觉不是很方便，我可以憋着，没关系......”这是Mildred前夫的19岁现任女友在电影中的第一处台词，出现在Mildred与前夫发生争执被掐住脖子同时儿子Robbie把刀架在父亲Charle脖子上时......这也是整部电影中我最认为戏剧效果最强烈的笑点担当，这个“浑身散发着动物园屎臭”的19岁傻女孩儿嘴里蹦出的每一个词都散发着尴尬的味道，但却让三个人烧到999℃的紧张局势瞬间降到冰点。

5

Chief Willoughby的两个女儿

剧情推进到Willoughby警长自杀的当天，他带家人去郊外并打算给妻子女儿留下一段美好的回忆，在带着妻子去草丛里面亲热之前，为了让女儿们乖乖待在原地不乱跑，说了这一番鬼话：不许离开这条铺好的摊子，不许把鱼竿戳到对方眼睛里去。

这些话语在影片中看起来非常平凡，就是一个平凡的爸爸平时为了让子女们乖乖听话编出来的那一套东西。

但是设想一下说出这番话的人当晚就将自杀呢？

他写好了给所有人的离别信，把一切都打点得妥当之后，在一个阳光和煦的下午对女儿们说了这番过家家一样的话。

向女儿们交代完毕以后，Willoughby拿着酒和毛毯，牵着妻子去了草丛深处。

这个细节对塑造Willoughby的人设起了举足轻重的作用，表现出的一方面是他在面对死亡时的勇敢、镇定，也体现了他在生活中是一个耐心的父亲和一个有担当的丈夫。

6

夫妻俩最后一次调情

妻子对Willoughby撒娇，回味在野外亲密的行为，夸奖Willoughby. 警长问道这个夸法是莎翁哪出戏里的吗？

妻子：“笨蛋，是奥斯卡·王尔德写的。

”从最后一次安抚女儿们睡觉，到与妻子最后一次调情，这一段温情的镜头充满伏笔，Willoughby警长的确为妻子女儿留下了一天最美好的回忆。

就连最后在马厩旁自杀之前，Willoughby也不忘为家人着想，给自己套上黑麻袋。

7

Willoughby在马厩旁自杀

Willoughby写给妻子Anne的信。

文字之间充满理性且坦然，一边乞求妻子的谅解，一边尝试让气氛变得轻松一些。

我知道你可能会生我的气，甚至恨我，但请不要这样。

事实上我选择今天结束我的生命，不是在逃避，从某种程度上来说反而是一种勇敢。

当然我不是说敢于面对一颗子弹的勇敢，接下来几个月的病痛肯定是比这一瞬间痛苦一万倍的。

我所说的勇敢是指，在权衡了接下来几个月的生活之后，我不想从你眼里看到对我日渐消瘦的身体的叹息，我不想用你对我最后的回忆是充满怜悯的来交换和你每天早上一起醒来，来交换和孩子们相处的最后的时间，我不想这样。

其实我们并不是孑然一身地来到这个世界上，又孑然一身地离开，相反，我们都一直被陪伴着，我很感激你的陪伴。

你不可以忘记我们度过的最后这美好的一天，这是我生命中最美好的一天。

我希望你记得今天我们在野外亲热时的样子，什么烦恼都抛之脑后，多好，你要记得你喝醉酒以后倒在沙发上开的王尔德的cock玩笑。

哈哈，对了，我觉得女儿们肯定在我们走开以后有作弊。

记住，我永远爱你。

8

Dixon在警局里读信

一个猜测，不一定对。

之所以有朋友因为过于戏剧化的情节而不喜欢《三块广告牌》，很大程度上是因为这一段突如其来的高潮转折。

Willoughby自杀时矛盾第一次升级，Dixon将广告牌负责人Red扔出窗外时矛盾第二次升级，Mildred在警局纵火的剧情本应按照上升趋势，将矛盾推至巅峰，没想到冲突却被一封信给化解。

Willoughby写给Dixon的这几句话的确透露出一股“主打反叛主义的黑色喜剧被勒令加入主流元素”的味道，好端端的一个粗俗、酗酒的种族主义者就这么轻松地被反转成了爱和正义的化身。

这么一个突如其来的剧情急转弯确实容易不受人待见，但对于演员本身表演层次的要求又提升了一个档次——Dixon接下来的表演需要做到非常细腻，非常具有说服力才可以不毁掉整个剧本。

9

Mildred在餐厅与侏儒约会时偶遇前夫

“Anger begets greater anger” 也算是《三块广告牌》的半个中心句了，是整部电影下来给我留下印象非常深刻的一句台词。

Mildred不相信这个19岁动物园屎臭女孩儿措辞这么考究，所以半开玩笑地反问了前夫一句“她真的说出begets这个词了？

”接下来在与侏儒约会泡汤之后，Mildred提着一瓶酒来到前夫桌前当面问了一遍这个19岁女孩儿，没想到对方非常饶有兴致解释了起来：“噢，是我说的，不对，不是我说的，我从书签上看来的，是我正在读的一本书的书签，讲小儿麻痹症的，不对，好像是马球，还是麻痹症来着，就是有马的那个词，哦，马球。

”这个傻白甜人物的存在给整部电影带来了意想不到的效果。

电影结尾的部分是Mildred和Dixon双线剧情并行，人物之间的关系非常明朗，但主要矛盾仍然没有解决，留下了开放式的结尾。

《三块广告牌》是不是一部将会成为经典的电影？

“I guess we can decide along the way.”

目前2018奥斯卡BP最佳影片赢面最大。

值得观看。

一片面面俱到、剧透得彻彻底底的影评。

标题是我起着唬人的喂。

3月2日全国艺联院线上映，大家可以自行选择。

本片的精妙之处在于恰到好处地平衡了各种社会现象的表现篇幅，看似各个方面都是轻描淡写，却以致实现在一个完全虚拟的故事环境下，还原真实的社会生态：社会潮流和个人自身生活的联系，是若有似无、却又无所不在；对于社群间的人际关系，则是理不清又无处回避。

1. 叙事构架和基础——「真」故事发生在「假」环境故事背景的时空选择上，「三块广告牌」发生在密苏里一个叫Ebbing的虚构小镇上。

回想一下，这是否是一个常见的故事假定前提？

这种人为假设往往有几个共性：地点虚构：密苏里是真实存在的，民国的西南大后方（国产片很爱用的时空选择）是真实存在的，但创作者又把虚拟的具体地点安营扎寨在真实环境中。

相对封闭的空间性：整个故事都基本都在这个场景下发生，有点独幕剧的意思；场景外界的影响少而间接，只作旁白式的交代，例如他去重庆了，他从重庆回来了，并不直接把在重庆发生了什么搬上台，不发生除了虚拟场景以外的地点的直接沟通。

在如此纯粹的环境下，一方面既杜绝了天马行空的脱离现实性，但又保留了对故事起承转合的掌控权；总之，在一块完全的空白画布上，作者得以施展完整的世界观创作。

虽然前面这些写的比较繁琐，但这是创作的第一步；有了这个基础，才能实现交互性这个目的。

现实类的、揭露社会问题倾向的剧本必须在戏剧性和给人可以感知的真实性之间做个平衡，也就是shocking and real并存。

因为场景架空，就必须以充沛的、复杂交错的、尽可能仿真的交互性来实现，I don't know where it happens but I know it's real for sure的目的。

但并不能以单项、中心思想的目的为出发设置各种情节冲突，如同生活本身最多算是螺旋上升的，生活本无从谈起其目的性。

故事有目的，故事创作者以此来表达个人观点；别忘了故事本身可没有是非观、也绝无倾向性。

身患绝症时日不长的警长Willoughby在和女主角Mildred Hayes对质时，因情绪激动无法控制地喷出一口病血；而当他躺在担架被送往医院途中，他却不忘叮嘱下属不要因此为难Mildred.最让人感到有悖常规逻辑的是，Willoughby在身中主动提出帮Mildred支付内容为一个月公开责问自己的广告牌的租金。

Mildred是警局纵火事件的制造者；而Dixon作为火灾受害者，尽管猜测到了纵火的真相，却丝毫不放弃帮助Mildred捉出嫌犯的蛛丝马迹。

Dixon把广告牌出租方Welby扔出窗户造成住院，却意外受到后者慷慨的安慰和关心。

的确，社区容量越小，成员之间关系越显亲密，又爱又恨，既毁了他，又有求于他，种种情感得以重叠在同一个对象身上，就越盘根错节。

我们可以用这样一种解释，情感难言对错；但每个人都在社会中do their own part,这是最付出了多少努力，就能得到多少回报的掌控度较高的事了。

那么回过头来，以评鉴角度来看，为什么我觉得国产片的「驴得水」、「不成问题的问题」太戏剧化了？

在这些影片的情节设计中，都具有浓厚的作者观点性和人为导向性，人的动机和出发点只有一个——那就是实现本片主旨。

人是复杂的，生活是难辨对错的，失去了这一种是非模糊，也就脱离了生活的真实性。

哦还有镜头一动也不动（偷懒）这一点加成。

2. 略略影射：宗教势力对于社会事件的明暗态度本片中出现了社区教父这一角色，出面为Mildred的广告曝光做息事宁人的平息周旋。

这绝对是导演的有意安排，增设的两组对比（另一组在下文），用虚构讽刺现实。

影片中神父来到Mildred家中拜访，希望她撤下广告牌，消除对社区形象的不良影响。

家丑不外扬的出发点，不由让人想到震惊全美的神父亵童案件（「聚焦」取材的真实故事）。

教父想要put it down，仅仅是出于维护社群关系表面和平的关系，却让人联想到可能的更大阴谋。

教会势力不仅对恶行冷眼旁观，甚至可能是恶性的制造者。

反政治正确（一个亮点）有意思一笔在于，有一处Mildred反问警探Dixon黑奴事件处理得怎样了，这里可以理解为Mildred为了在对话中获得先发制人的气势上的优势，抛出了一个对方难以回答的棘手问题，责难Dixon之意大于实际问责的目的。

借机借Dixon（一个传统南方州PD）之口，导演蜻蜓点水般地，有意无意提及了对于有色人种的态度。

如今西方社会对于种族平权的矫枉过正似乎是人人心知肚明，但又是种心照不宣、不敢不随波逐流的过度政治正确。

更讽刺的是，说辞上政治正确了就万事大吉，没人关心虐待事件本身究竟发生与否。

新闻传播中的泛道德化树广告牌本身就是一种寻求曝光和唤起公众认知的做法。

值得注意的是，Mildred第一次接受电视台的直播采访，同样是想借助媒体传播之力。

但到了后程，媒体兴趣和利益发生转向。

Willoughby的自杀是一个绝妙的转折点。

在这个节点上，观众会非常紧张接下来的篇幅是否会描写媒体追逐新闻爆点和民众易被煽动的情绪结合，造就又一出泛道德化的舆论迫害？

本片以画外音（新闻报道之声）点到了这种倾向，Willoughby的自杀原因还未查明，但是否与前几个月Ebbing小镇上对他的公开谴责广告牌事件有关呢？

在此刻，Mildred的心里估计也是十分担心这种舆论发酵的可能性。

但影片的做法依旧是略带一笔，没打算在这个问题上做过多停留。

的确，并不是每一次真相都会被利益性解读，大多数的节外生枝并没有那么猖獗的生命力。

第二次同样在三块广告牌前，同样是摄像机和直播的记者，Mildred这回是开车路过，她毫不掩饰自己对于媒体态度不信任态度。

立起广告牌更多的只是情感的宣泄口，随着故事的发展，Mildred越来越明白，想要实现自己的目的，不得不自己来，借力只能是锦上添花。

3. 人物行为动机：探讨「执着」究竟有无意义同样是女性维权，寻求曝光，不由让人想到发生在90年代中国的「秋菊打官司」，而主角同样是来自小镇的家庭女性。

尽管发生在不同时代，不同国度，这里是竭力找出凶手，后者是要个说法，缺没把现实实行的可行性和达到目的的可能性完全考虑在内。

这种“我不管，这事儿非得XX”的执着较劲的劲儿，我想在女性身上比男性是要强得多（纯客观描述）。

不管执着本身有无意义，还是给自己心理上一个交代（无论结局如何，我都尽力了）。

而故事发展必然是情绪的渐渐平息，片尾Milred说，我们可以在路上再做决定；抗争过程似乎慢慢消耗较劲的能量的过程，如同大吵一架过后的精疲力竭。

两位女主的另一个相似点是，对事不对人；Willoughby和村长都属于小地域上的有所威望的权力阶层，他们绝不是恶人，或许在这件事上处理欠妥，但把全部居民的矛盾都（通过此事件）指向他绝无可能。

棘手之处在于，总体上说他是个好人，还是挑明他此次的失职；尤其在一个人与人之间关系黏合度非常高的社会里，情与法，就事论事是不是就与撕破脸皮划上了等号？

Willoughby命不久矣的身体状况，村长最后又成了秋菊的救命恩人，又把人物间的关系包含进了性命的这个高度的元素，便使得问责人的权力受到自身良心的拷问和外界对于其不仁的质疑，进而更只能把追究就事论事的权责对错含糊过去。

4. 细节处理上：细节击中痛点与矛盾的整体趋向和解（我常常谈的一点）以上观点在「海边的曼彻斯特」中得到了淋漓尽致的呈现（非常有意思的是这段对白出自同样出演海曼的Lucas Hedges之口），同样是以不幸事件的承担者做主角，海曼以细节的关注出发，触发观众感同身受的敏锐痛觉（比如Patrick由冰箱门联想到freezer里的尸体，种种物是人非、物物相似性的瞬间联想，实现了影片中主角情感的即刻触发，而经历的共通性顺延到了观众的同步情感共鸣，有兴趣可以看我之前详细写的「海边的曼彻斯特」，100%源于生活。

）；与之侧重点不同，三块广告牌总体风格是事件因果、环节盖过内在情感勾连构建。

如果说海曼是亲近一个不幸的人，那么三块广告牌并没有太多关注不幸本身，而通过不幸做爆发线索，牵扯出事件参与者之间的错综联系才是其目的。

以下是抖机灵的插科打诨时间 先吐槽一下开场前半小时我觉得太太太出戏了，为什么呢？

以下截图可以近期不同片子里同一个演员、极其相似场景的无缝对接。

在影片中Mildred还有个儿子，他刚出现的时候我是十分震惊和错乱的。

没错这就是海曼中的未成年男生，一样是常常坐副驾驶，一样是在副驾驶上和遭遇不幸的家长争论。

这两个角色都是影片中的辅助性角色，相似度太高了。

一路开车从麻省到南方，镜头几乎是可以无缝替换，根本无从分清出处。

Lucas Hedges in Manchester by the Sea (2016)

Lucas Hedges in Three Billboards (2017)你以为这就结束吗？

接着如果看「伯德小姐」（今年热门，很红），这个男孩子又出现了。

连同是Timothee Chalamet（今年一样很红很热门的「Call Me by Your Name」的主演）一起出现在了加州首府Sacramento，哇这真的是时空错乱。

同样，「真探」中的Woody Harrelson，时隔两年再次出现的Missouri警探，发型和执勤的州名都不换一下的。

镜头依旧可以无缝替换。

Woody Harrelson in True Detective S01E01 (2015)

Woody Harrelson in Three Billboard (2017)*本文转载请联系作者，谢谢合作。

欢迎关注我的影评微信公众号SolidPerfume，扫下方二维码直接可直接关注：