西区故事

或许会有人觉得这只是一部老版剧情的原照搬，但我很喜欢斯皮尔伯格从老版后期调色的艺术到这部新版侧重于同期打光的艺术，以及意味着斯皮尔伯格的调度能力得以展现的歌舞剧大场景跨度。

剧本方面也有大量的使用西语对白，而事实证明演员演技中所透露出的肢体语言足以承担起观众对剧情的理解大任。

R级的评分，让这部音乐剧改编电影在尺度方面有区别于其他的同类型影片，至少正常人应该很少会用“拳拳到肉”来形容一部歌舞片。。

喷子们真的应该去看看新版《西区故事》！

看过就会知道迪士尼找Rachel Zegler演白雪公主是无比正确的决定！！

这个姐开口唱歌，感觉真的会吸引来小鸟小动物。

相比之下男主的唱功却没有得到太多展现，至少没有太多让人记忆犹新的场面，甚至不如配角。

医生性转、jet帮的假小子比原作更加浮夸，无不透露着girl's power more，甚至你可以在片中看到各种形式的girls help girls，结合昨天看过的《国王理查德》，你可以说这是zzzq的导向，但好莱坞越来越热衷于塑造头脑清醒的女性形象已经成为一种趋势。

总得来说是一部还算成功的改编，欢迎博格大佬日后继续涉猎歌舞题材！

今天聊聊美国电影《西区故事》。

片名West Side Story (2021)，别名西城故事(港/台)。

《西区故事》改编自1957年的同名百老汇音乐剧。

讲述白人移民“喷气机帮”（Jet）和波多黎各裔“鲨鱼帮”（Sharks）在纽约街头争斗抢地盘，属于“喷气机帮”的托尼（Tony）和属于“鲨鱼帮”的玛丽亚（Maria ）产生情愫，上演了一出类似罗密欧与朱丽叶的悲剧爱情故事。

1996年时，迪士尼公司曾经尝试改编翻拍电影版的《西区故事》（West Side Story ，1961），并计划由贝纳尔多·贝托鲁奇（Bernardo Bertolucci）执导，但该计划最终未能实现。

后来史蒂文·斯皮尔伯格（Steven Spielberg）成了本片导演。

《西区故事》也是他首次执导音乐剧。

他之前在20世纪80年代初计划开发一部名为《一卷接一卷》（Reel to Reel）的半自传体音乐电影，但该项目最终被放弃。

斯皮尔伯格表示：“我一直在挑战什么才是适合我的音乐。

我永远不会忘记我的童年。

当我第一次听西区故事专辑时，我才10岁，它从未消失。

我已经能够实现那个梦想，履行我对自己的承诺：你必须制作西区故事。

”于是他决定接手拍摄一部改编自1957年百老汇音乐剧。

斯皮尔伯格看中的影片主题是志同道合的人之间的分歧。

这种分歧伴随人类历史由来已久。

在1957年时，这种分歧发生在鲨鱼帮、喷气机帮之间和内部，60多年后，这种分歧依旧存在，甚至更加分裂。

只要和种族、信仰、地域等等各种东西沾上点边，都会闹得不可开交。

《西区故事》原计划2020年12月18日上映，因为疫情缘故，一直推迟到2021年12月10日才上映。

影片上映后叫好不叫座，深受学院派的欢迎，在今年奥斯卡获得七项提名，包括最佳影片和最佳导演奖，成为自《叛舰喋血记》（Mutiny on the Bounty ，1962）以来，第一部获得奥斯卡最佳影片提名的翻拍电影，也是《西区故事》（1961）之后，该音乐剧第二次获得奥斯卡最佳影片提名。

老版《西区故事》仍是历史上最受赞誉的电影音乐剧之一，在1962年第34届奥斯卡颁奖典礼上获得了10项奥斯卡奖-包括丽塔·莫雷诺(Rita Moreno)饰演的安妮塔(Anita)的黄金雕像。

本片在北美地区获得票房3811万美元，全球票房7252万美元，这部备受赞誉的电影成本达到1亿美元，票房上可以说是个灾难。

影片中歌曲顺序遵循了舞台音乐剧最初的歌曲顺序，只有两个例外。

《Gee, Officer Krupke》被移到了更早的位置，《Cool》由托尼唱给里夫听，而不是里夫唱给喷气机帮听。

编剧托尼·库什纳（Tony Kushner）表示，这部电影将更符合阿瑟·劳伦斯（Arthur Laurents）的原著，而不是1961年的电影改编本。

史蒂文·斯皮尔伯格执导时，坚持要求所有拉丁裔角色都由真正的拉丁裔演员扮演。

为了避免原版电影中的棕色面孔问题，史蒂文·斯皮尔伯格特别邀请拉丁裔演员参加鲨鱼帮试镜。

他在多个种族中挑选了拉美裔演员，比如瑞秋·泽格勒（Rachel Zegler）哥伦比亚人，阿丽亚娜·德博斯（Ariana DeBose）非裔拉丁裔。

阿丽安娜甚至担心自己太黑了，不适合演角色，但斯皮尔伯格坚称她是完美的。

这部电影也是史蒂文·斯皮尔伯格献给他老爹阿诺德·斯皮尔伯格的。

阿诺德·斯皮尔伯格是一名电气工程师和二战退伍军人，2020年自然死亡，享年103岁。

本片也是瑞秋·泽格勒的故事片处女秀。

她能得到这个角色是因为她在YouTube上的演唱给斯皮尔伯格留下了深刻印象。

她16岁时，曾经在舞台上扮演玛丽亚，皮尔伯格认为这是他见过的最棒的玛丽亚。

瑞秋·泽格勒原本没有出演任何电影角色的经验，但获得《西区故事》女主角的消息传出后，让她进一步获得了《雷霆沙赞！

众神之怒》（Shazam! Fury of the Gods ，2023）和《白雪公主和七个小矮人》（Snow White and the Seven Dwarfs ，2022）中的重要角色。

说实话，我无法get到这样一位白雪公主的美……

出演飞机帮头目里夫（Riff）的是迈克·费斯特（Mike Faist）。

迈克·费斯特最初是为托尼试镜，后来他被要求为读里夫的台词，最终获得了里夫角色。

同样的事情也发生在1961年的电影中。

迈克·费斯特一开始身材苗条，但他获得里夫这个角色后，开始研究上世纪50年代帮派成员的样子，于是减掉了20磅，变得更加纤瘦甚至营养不良。

后来斯皮尔伯格不得不介入，让他停止减肥，以免危及健康。

大家对罗密欧与朱丽叶式的悲情故事都不陌生，在总体情节不改变的情况下，如何拍好就看演员的演绎了。

越是没有谈过恋爱的人，才越会觉得爱情比生命还重要。

所以演员要表现出天真烂漫年轻无邪的感觉，只有理性程度低到极低水平，观众才会觉得这种为爱出走的故事有可行性。

一旦主人公有一丁点儿成熟稳重油腻的感觉，那就会毁了整体效果。

所以斯皮尔伯格选择了没有演艺经历的瑞秋·泽格勒做女主角，陌生感反而成了她的优势，而安塞尔·艾尔高特做男主角则不像个痴情种，有时会有一点儿油腻感。

影片对原有故事进行了拓展，解释了两个帮派约架起因，白人移民的动机是工作机会被抢走以及排外心理，波多黎各裔则充满局外人的紧张感和不安感。

他们的眼界也只能看到自己眼前的一亩三分地，于是为了现有利益产生冲突。

加上当年警察腐败，工作机会减少，移民地位不稳定，多重矛盾聚到一次，促成冲突。

60多年后，这些问题依旧没有解决，底层边缘人士依旧为了生存费尽心思。

影片中安妮塔（Anita）差点被强暴、LGBT群体遭受排挤，这些依旧是穷苦人士需要面对的灾难。

丰富文戏重现歌舞，把经典翻拍成经典。

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花一个亿重拍一部奥斯卡最佳影片、（准）影史最佳音乐电影需要怎样的勇气，艺高人胆（钱）大（多）的迪士尼可以告诉你。

可能是它在音乐剧版的《哈姆雷特》（《狮子王》）上尝到了甜头，所以想看看唱唱跳跳版的《罗密欧与朱丽叶》能否复制辉煌。

也可能是被“儿《西》梦”的斯皮尔伯格感（忽）动（悠）了（片尾他把本片献给他刚去世的父亲），号称“分裂仇恨何时了”的主题在今天尤其有意义。

于是找大咖重新编舞、调整若干首歌的顺序和场景、加入跨性别者和黑人角色、西语不打字幕（这个操作我也看不懂），一出老纽约古惑仔爱情悲剧再次上演。

我对新版没有成见，事实上包括最佳影片在内的七项奥斯卡提名足以表明本片成色。

但我对这个故事本身一直有所保留，其问题出在：Tony杀了Maria亲哥，为什么前者不自首而后者还想跟他私奔？

你可能会说《罗朱》，但那是十六世纪啊，而且杀的是没什么感情的表哥啊，而且朱丽叶被逼婚了啊，而且我也觉得年轻人太冲动啊！

00后的演艺圈素人Rachel Zegler从推特的三万申请人中脱颖而出，然后大银幕首秀就拿下史上最年轻金球奖影后（音乐喜剧类），麻雀秒变公主。

另一位拉美裔演员Ariana DeBose则是百老汇常客。

在摄像机前吼两嗓子扭两下拉丁简直小菜一碟，降维打击般包揽一众最佳女配角头衔。

在Riff和Bernardo对决的时候，Tony冲出来抱住了他，这种行为在现实生活中时有发生，我们称之为拉偏手。

所以此行为一出，基本上已经预判了Riff的结局。

在挣脱Tony的时候，由于惯性Riff自己撞向了Bernardo的刀子，这使得两个人都惊呆了。

然后就是一时激动的Tony上前杀死了还在懵逼的Bernardo。

所以如果我说这两个人的死都是因为Tony，似乎也并不过分。

而即便要把Riff的死归罪于Bernardo，那他更多的是被动，是过失杀人。

而Tony确实确确实实的拿着刀冲向了Bernardo的胸膛。

这是典型的罗密欧与朱丽叶式的悲剧故事，但我更希望要不你就开篇就让两人相爱，不说明缘故，要不你就设计一个更令人信服的坠入情网的方式。

两人在舞会上只是在人群中多看了你一眼，然后就双双不可自拔。

所有的一见钟情都是见色起意，那或许我不信服的原因就在于，两人的色都不到足以让人起意到如此地步吧。

the Jets去买枪后如孩童般在街道上打闹的一幕应该是本片唯一让我心头一动的情节了，你会发现这些混迹街头，好勇斗狠的其实都还只是孩子。

但这种感觉却被结尾处Anita去传信却险被强暴一幕彻底毁掉。

你知道有时候孩子更接近魔鬼。

斗殴之后，当Tony再次爬上Maria的阳台，我一直默默祈祷，不要上床，不要上床，不要上床。

他刚刚杀了你哥哥，你离乡背井后在异国他乡唯一依靠的哥哥。

即便Bernardo的死和Tony毫无关系，单单你哥哥刚刚被杀，你就不应该有心情和男人上床，更何况这个是杀人凶手。

这个情节是本片第二令人愤怒的情节，仅次于the Jets那一群精虫上脑的混蛋。

然后就是在上床前还信誓旦旦的说我去自首的Tony，在上床后要求Maria和他一起离开。

当然Maria是要拒绝的，毕竟你哥哥尸骨未寒。

但当结尾以为Maria已死的Tony在街上大叫，遇到提着箱子迎面跑来的Maria，她笑颜灿烂，一副即将奔去幸福彼岸的样子。

我当然知道你是为了和眼看Tony被杀后的悲痛行程对比，但她这副样子，Bernardo的尸骨可以寒了。

她拿着枪对着杀死Tony的Chino狠狠的说，这有多少子弹，够不够我打死你的。

可她对着杀死哥哥的Tony的选择是和他上床。

我看的所有Ansel Elgort主演的电影，他都和女主毫无火花，并且所有表情都让人觉得是那种自以为是的纨绔子弟。

而Raxhel Zegler的确没有女主的气质。

片中所有的性感都来自于Ariana DeBose。

一句话，如果还没看过这部电影的，就别看了——不如再去把1961年原版电影找出来看一遍。

是我大意了，真的。

我原以为在LMM已经成为美国主流文化代表人物的今天，是时候可以重新讲述一下波多黎各裔上世纪50年代来纽约定居的“美国故事”了。

但是我忘记了，音乐剧翻拍成主流商业电影并不容易。

当初拍什么像什么的伊斯特伍德，因为拍了电影版的《泽西男孩》差点儿让我觉得晚节不保。

何况是近几年几乎拍一部我失望一部的斯皮尔伯格。

当然了，这个电影表现力不佳，也不完全就都由斯大师背锅。

那么我们今天就借由对本片各主要部门的功过评定，来简单聊两句，在21世纪，该如何翻拍一部musical？

1、歌舞范式与现实主义表现手法的分野歌舞片作为好莱坞成熟的类型片之一，在上个世纪中期曾经非常受欢迎。

那个时候电视还没有在普通家庭得到普及，看电影要专门去电影院，某种程度上，这项活动的隆重程度和看一场舞台演出类似。

那个时候的观众不会纠结于银幕上的角色走着走着路突然在街上来了一大段踢踏舞或者情到浓时脱口就是一段咏叹调，音乐片，虽然在表现手法上会比人们的日常生活夸张许多，艺术嘛，总是要高于生活，而演员们的悦耳歌喉和曼妙舞姿给观众带来了极强的视听享受，大家会欣然买账。

于是，很多歌舞片的叙事“语法”就逐渐被固定了下来，与当时如日中天的音乐舞台剧一道，从有声电影产生初期一路火到了60年代。

观众印象中最经典的歌舞片大多产生于那个时代（R&H什么的，横跨百老汇与好莱坞）。

后来音乐剧和歌舞电影开始分化发展，音乐剧挣扎过一段时间后，随着流行文化的变化，开始有更多曲风，民谣、摇滚、说唱，也开始出现小清新的舞台，更加自然平实的艺术风格，但是不论如何，因为音乐剧始终是高度“舞台化”的，观众在观剧的同时已经默认了舞台上发生的一切“不是真实生活本身”。

但电影就不一样了，大部分电影是不能突破“第四面墙”的艺术，有着无限趋近于真实的场景，天然就有让观众信服的义务。

所以，一部真人歌舞电影，怎样做才能让观众“不出戏”，就变成了重要的命题。

基于我上述论点，相信大家不难理解，为什么动画片做歌舞片就要容易许多。

事实上自90年代以降很多经典的歌舞片都是动画片。

而原创的真人歌舞片越来越少，近年受到主流艺术/商业双认可的就更是凤毛麟角（当然了，歌舞的创作成本较高且涉及跨界，大部分电影导演也不会凭空就选择歌舞作为自己的叙事手段），而且这类影片大多看起来“非常复古”。

近几年最具代表性的也就是2016年的《爱乐之城》了，下一年的《马戏之王》勉强也可以算一部，但是《马戏之王》受到的关注和吹捧基本都没有出圈。

再往前数，恐怕就是2001年的原创电影《红磨坊》了，凭借巴兹卢瑟曼精美的艺术风格和男女主角的完美演绎，获得了口碑与票房双丰收，在多年后反向输出到舞台，有了自己的改编音乐剧。

但是《红磨坊》的成功仍然比不了第二年的《芝加哥》，而后者则是对经典舞台剧的翻拍。

在华语影坛，凭我个人印象21世纪能达到这样成功的主流歌舞片就只有陈可辛的《如果爱》。

可见这个品类，放在今天，并不好驾驭。

除了上面列举的几部优秀的原创歌舞片，大部分歌舞片都是传奇音乐人物的传记，或者音乐舞台剧的翻拍。

好处在于，当电影创作时，你已经有了一个成熟的、且具有一定票房号召力的IP，有了剧本的蓝本（注意，改编电影时剧本仍要进行再创作，但是毕竟是改编，而且原始素材招人喜欢和惹人讨厌的地方都是经过市场印证了的），还可以在相关跨界领域寻找演员（音乐圈演音乐人、舞台剧演员演舞台剧的电影版，有些还自带名气）。

而挑战则是，原始素材可能已经过分深入人心，而它一开始并不是为了【电影艺术】所创作的。

个人见解，一部音乐舞台剧要翻拍成电影时，挑战最大的主要是三方面：音乐、镜头和舞蹈。

这么说似乎有点多余哈，音乐和舞蹈本来就是musical的灵魂要素，而镜头设计则是电影艺术的精髓所在，但是，当艺术形式转化时，最先产生矛盾的恰恰就是这些核心部门。

关于音乐，有些musical可能没有那么看重舞蹈，但是所有的musical都一定非常重视音乐。

电影导演允许原曲谱在影片里占怎样的比重？

选择什么样的编曲风格？

更重要的是，和电影的整个声音部门怎么配合？

一部影片往往有比较统一的风格设计，当重要的歌曲唱段响起的时候，我们会进入情绪性段落，听角色唱歌抒情，但是在叙事的主体段落呢？

在歌曲的间隙呢？

在黄金年代，一部歌舞片可能会选择用全配置的交响乐团（full-orchestra）将曲谱满铺整部影片，但是那种审美意趣已经和当今观众的观影习惯脱节了，当我们看到主人公在城市的街道上走路的场景，我们可能会期待更真实自然的环境音，会希望配乐能够低调一点，而不是时刻彰显自己的存在感。

而“幕间戏”的编曲风格又需要和核心唱段保持一致。

很多时候，作为一部21世纪的新作品，导演们会尝试时髦、轻巧的编曲风格，以期让“讲故事的手法年代和电影产生的年代保持统一”。

我举个例子，上面提到的《红磨坊》剧情背景设定是十九世纪末的巴黎，所以该片在art design（服化道美术）上要营造出那个年代的氛围感，但是该片的歌曲却大量使用了流行音乐的元素，不论歌词、曲风、配器、演唱技巧，以让观众get到这是一个讲述于2001年的故事。

我再举个不那么成功的例子，著名音乐剧《歌剧魅影》讲述的也是十九世纪巴黎的故事，但是因为舞台剧是二十世纪八十年代创作的，韦伯把曲谱写得非常古典，编曲却又混杂着大量80年代midi风，该剧至今仍在上演，风格也相对固定了下来。

结果当《歌剧魅影》2004年被改编成电影版的时候，电影导演不太敢动原作的音乐风格，韦伯自己写了首相对“风格与时俱进一点”的新歌，却融不进原剧，只能放片尾字幕的时候放。

显然，原曲谱越古典，和当下流行风格的gap越大，改编难度也就越大。

2012年汤姆霍珀翻拍《悲惨世界》的时候，因为坚持所有演员现场演唱收音，差点儿扑街，勋伯格粉丝也会痛心于浪费了那么宏大气象的曲谱，但是好在，没了勋伯格光是靠雨果也撑得起这个IP。

那么回到2021版《西区故事》，西区故事的原作之所以成为经典首先得益于伯恩斯坦的大师曲谱，这点显然斯皮尔伯格也没有太创新的解法，只是在一个相对减量版的配乐中加入了大量的空隙，用弱化音乐甚至没有音乐的段落塞了不少“文戏”进去，而这些，让我觉得影片节奏无比冗长，戏剧张力大大减弱。

关于镜头设计和编舞我放在一起说。

简单讲，一个不懂编舞的导演拍不了音乐剧，就如同一个不懂镜头该怎么运动的导演拍不了电影一样。

这个门槛并不低。

漂亮的舞蹈动作并不仅仅是为了“炫技”，而是组成叙事不可或缺的一部分。

而在舞台上，因为观众的“观看”（observation）是相对客观/外在的，可以说，大量的舞蹈动作原本就是为了“固定机位”而设计的。

但是到了电影中，在一个更加灵活、流动的空间内，我们从哪看、怎么看这些舞蹈场景，就构成了全新的叙事角度，again，因为运动镜头在影片中经常被用于表现内心戏，而我们在看歌舞的时候，特别是看宏大的舞蹈场景的时候，一般不想拆穿这个“第四面墙”让观众意识到导演的存在，但是导演又不能真地放弃“选择”和“引导”，舞蹈场景的机位怎么运动，就成了特别的难题。

有不少musical在翻拍的时候弱化了舞蹈的部分，比如伊斯特伍德拍Jersey Boys, 除了主人公上台演出的段落，感觉就像一般的故事片，which might be fine… 但是当原作舞蹈特别精彩特别重要的时候就不合适了。

当然，同样的舞蹈动作，在舞台上是否合理和在电影场景中出现是否合理是截然不同的，一个代表性反面案例就是2008年的电影版《妈妈咪呀》，舞台剧导演把新郎和伴郎们穿着潜水服的那一段“lay all your love on me”的舞蹈动作原样搬到了海岛实景中，让他们一个个地跳入海里去了……即使是喜剧这样的桥段看起来也毫不幽默，而是让人觉得他们都是神经病。

我觉得造成这种失误的原因就是不同艺术形式对“写实”的接纳程度不同。

正面教材当然就是2002年的电影《芝加哥》，虽然是音乐剧的改编版本，所有编排调度却大不相同，既要“再创作”又要保持Bob Fosse原choreography的神韵，是很难的，而因为他们完成度高那年甚至得了奥斯卡最佳影片……所以说，如果2021版《西区故事》有哪里可取，就是卡明斯基的摄影输出还是很稳定的。

看完第一大场戏我其实还蛮惊喜的，因为the Jets song的表现一定程度上会体现出电影“写实”的程度：高度还原的50年代纽约街景、在建的林肯中心、写实的环境音和伯恩斯坦曲谱的融合、人物在较大范围内走动的同时开启标志性舞蹈动作、以及行云流水般的运镜和不断在大小景别间切换来平衡“真实感”与“舞台感”……如果导演和DP完全不懂舞蹈，是很难做出这样的调度与镜头设计的。

可惜，一切美好的幻想在男主出场后就破功了(￣◇￣;) 这样就让我们开启第二部分的讨论—— 2、一部翻拍作品最重要的是什么？

是卡司，是卡司，还是卡司即使从来没看过《西区故事》原作音乐剧和61版电影、也完全不了解剧情梗概的观众，仍然会在影片相对靠前的位置（最迟到舞会那一场戏）就了解到，这是一个背景设定在上世纪中叶纽约街头的莎士比亚的罗密欧与朱丽叶的故事。

到了故事的结尾处，主角们可能像莎剧原作中一样，全死去，也可能作了新的编排，但是相信我，观众不是来看剧情的。

结局不是悬念，或者至少不重要。

这跟观众在看作为原创故事的“啦啦蓝”时的心态完全不同。

名著的一部分，就是观众是走进剧场/影院来观看一个他们已经熟知的故事的。

这些角色是观众熟悉的，而且他们带着非常强的前设。

所以每一版翻拍作品，在宣布卡司的一刹那，就已经锁定了影片的最大悬念：这几个演员演绎这些角色怎么样？

是否有说服力？

是否赏心悦目？

很多时候观众心甘情愿掏钱花时间，是为了看明星：like, “OMG Meryl Streep could actually sing!” or, “什么？

狼叔那么瘦弱居然去演冉阿让？

我不同意！

”不管赞美还是吐槽，看了再说，因为卡司引发了我足够的好奇心。

不是明星也可以，我会愿意看性转版的天鹅湖、全少数族裔版的汉密尔顿、或者就是some random young pretty faces. 而作为一部音乐剧翻拍电影的卡司，大家主要会从三个角度去评价演员的演绎：唱功（包括舞蹈技巧）、演技和扮相，就跟歌剧或者戏曲差不多哈哈。

这三点，缺一不可，特别是主角，如果任何一方面缺失都会让观众想要退票。

2021版的《西区故事》给我观感如此之差，选角导演可能得背一半的锅——搁着那么多唱功舞技演技甚至江湖地位均过硬的配角和群演，上哪儿挑了这么离谱俩男女主？

Tony像个木头人一样让人出戏，Maria长得没毛病但是塑造得像个痴女，俩人的爱情戏何止不convincing，完全让人尴尬。

要知道，这种爱情故事，最重要的就是男女主角之间的化学反应，如果没有，整部影片就会变得滑稽。

特别是莎士比亚给罗密欧与朱丽叶安上了那种“一见钟情”的桥段，就更难演绎。

当然本剧男主不仅爱情戏演得不好，跟哥们儿的情感也完全看不出来，已经到了他出现我就想快进的地步。

至于子弹姐的Anita，确实塑造得非常有魅力，但是也不值得单为了她看一遍这部电影，这么说吧，Anita这个角色写得就比较讨巧，历届都是谁演谁得奖，虽然2021版的Anita进行了一些更加现代化的twist，但是我觉得综合表现力并不比61原版电影里的Rita Moreno更好，而Moreno演员本人更是作为制片人之一参演了本片（饰演Valentina），还贡献了一首新歌，但是有点强行加戏了我也不太买账。

剩下的演员基本都是舞台剧演员了，想看他们的精彩演出大可以找点舞台版的视频，包括我非常欣赏的音乐剧演员Brian d'Arcy James，是不是自《傲骨贤妻》《嫌犯追踪》以来就专心在好莱坞跑龙套了啊？

3、精英话语权的削弱与美国式说教作为斯皮尔伯格操刀的主流商业电影，2021版《西区故事》不出意外地带有强烈的政治色彩，而且是过于露骨、过于絮叨的那种“爹味说教”。

种族矛盾和冲突，从上个世纪伴随着有色人种往美国的移民潮和美利坚民族想象共同体在重塑过程中“精英”与“大多数”对话语权的争夺，从未停止过。

时至今日（2020年代），这一问题不仅没有解决，反而随着【母语为西语的人群】（美国式政治正确求生欲哈哈）在人口比例中的不断增加和社会贫富矛盾的加剧，变得越来越尖锐，“人民”不是越来越团结，而是越来越撕裂。

影片中已经用非常直白的台词说明了帮派斗争的背后真实推动力，不是种族仇恨，而是经济利益（“It's not about race; it’s about terrirories.” ），并且，把这两群可怜的青少年留在这个人间炼狱互相争斗的是阶级的壁垒（提示：50年代的纽约西区还是底层人混迹的、治安最差的街区，但是林肯中心马上要建起来了，以后就是你们都高攀不起的地段了……）当然，可能故事里的秩序代表者（警官）会把这些孩子们的不幸归结为他们的父母没有努力，酗酒、吸毒、游手好闲，没送他们去受良好的教育，而我们都知道，在那之上还有更沉重的力量扼住这群孩子命运的咽喉。

但是不管怎么说，这样的问题，点到为止就好了，观众明白了就明白，不明白就算了，到底有没有必要喋喋不休以至于破坏叙事的流畅性？

本片的剧本改编是美国著名编剧Tony Kushner，这可是写出过《天使在美国》这样masterpiece的人，而且他的剧本改编能力并不差，至少他是非常witty的。

我不理解为什么本片的说教那么傻愣愣的，不知道Tony Kushner是不是被斯大师的“爹味说教”给洗脑了，愣是在每次戏剧冲突大小高潮来临前后都要插入大量冗长的文戏，就讲道理，不讲感情。

斗殴之夜、Riff和Bernardo死了以后离电影结束居然还有40分钟，虽然基本情节和舞台剧、原版电影是一致的，但总给人“Tony死太慢”的观感……当然了，现在是2020年代了，做一部主流商业电影，你不可能让所有观众都满意。

大导演斯皮尔伯格善于拍摄宏篇大作，这次把一个爱情故事的场景放到美国六十年代这样一个杂乱、动荡而发展的社会背景下，通过歌舞的形式展现。

60年代时，美国纽约的西区是一个贫民窟，白人中的中低阶层以及外来少数族裔在这里共同生存，在城市高速发展的过程当中，产生了冲突、矛盾和融合，少数族裔争取权利和融合，年轻人发展、就业、教育环境面临困境，都是此片的一个社会背景，影片以一个罗密欧式的爱情故事来体现当时社会环境的发展。

这是一个翻拍剧，延续了百老汇歌舞剧的风格，以歌舞的形式来体现了人物之间的情感交流，大导演对歌舞场景的调度，采取了大场景，长镜头来体现，突破了百老汇舞台的限制，但同时也在一些场景的调度上过于戏剧化，比如影片的结尾的处理，完全是一个戏剧化舞台的形式，缺少剧情电影的逻辑性。

其实故事没什么好说的，要说歌舞片，即便是斯皮尔伯格，和印度来比较，还是有点距离。

大概是本身对歌舞片没什么感觉吧，这种一言不合就飙歌的桥段，实在有点膈应。

来看看故事，说穿了就是两帮街头混混相互不对眼，以至于要一决高下。

其实倒是感觉故事里头的警探说的蛮对的，在这个拆迁进行时的地方，还有心思“争地盘”，实在太过于短视，有这闲工夫，干点什么不好呢。

当然，故事主要还是说的罗密欧与朱丽叶的故事。

虽然两大“帮派”吵得不亦乐乎，但不妨碍两大“帮派”里头出现了一见钟情。

说起来男主也是个口是心非的主儿，一方面想着洗心革面好好做人，但一方面又禁不住诱惑。

说好不去的舞会，也没人拿刀架着他的脖子，他还是去了，这不，惹出麻烦了吧。

那边厢，两大“帮派”逮到机会就掐。

这边厢，罗密欧与朱丽叶上演爱情大戏。

看着看着，就有点格格不入。

大概是翻拍片的尴尬吧，当年的老桥段放到当下，本身就有点格格不入，如果改编吧，好像又不能忠实原著。

斯皮尔伯格有这个资格情怀一下，这或许就是当时那个时代。

两大“帮派”的争斗，最终是两个老大命丧当场，说起来也是奇怪，老外之间掐架，老大抢在前头，一点领导艺术也没有。

不出意外的，男主角杀了女朋友的哥哥，把这段“孽缘”搞得更加稀里糊涂。

眼看着闹出了人命，当时放狠话的混混，一个个傻了。

倒是当年的备胎，虽然看起来技术宅一个，但关键时刻还能挺身而出。

这也算是相当的讽刺了，一帮乌合之众，打嘴炮无敌，关键时刻只会掉链子。

故事的结局，还是蛮不错的。

这样摇摆的男主，死了也就死了。

奇葩的是女主角，当真是心大。

那边男主刚杀了自己的老哥，这边欢欢喜喜的和“杀哥仇人”欢快的赶时间滚了个床单。

最后，还是看看当年的老美吧。

万国旗也随风飘扬。

其实两个“帮派”之间的争斗，大概源于“我是先来的”。

那些老白们，在“摒弃”外国人的时候，大概忘记了自己是“怎么来的”。

西区故事 (2021)6.02021 / 美国 / 剧情 爱情 歌舞 犯罪 / 史蒂文·斯皮尔伯格 / 安塞尔·艾尔高特 瑞秋·齐格勒身为一名五音不全在KTV只会唱《悟空》的大叔，对于歌舞片本身就不太感冒，所以，看过的歌舞片屈指可数！

有点记忆的大概是《妈妈咪呀》、八十年代的《霹雳舞》，好像还有一部描写高中生的爱情故事的啥歌舞片，名字忘了。

总而言之，言而总之，对歌舞片不太感兴趣，但是记忆中的歌舞片基本都是热热闹闹、欢欢喜喜以爱情为主线的大团圆套路，当然，不包括阿三的电影啊，人家每部电影都是歌舞片！

但是本片却是另辟蹊径，虽然也是以爱情为主线，但是是个悲剧，虽然也是热热闹闹，却是不欢而散！

看完查了一下资料，原来是大导演斯皮尔伯格翻拍自五十年代的舞台剧，也不知道舞台剧的故事是不是这样，反正大导演的眼光总是比我们常人更独到吧！

简单说一下剧情！

---我是分割线---故事说的是50年代的美国哪个城市的“西区”，应该就是贫民窟，一帮波多黎各人（我也不知道他们是什么人种，电影里感觉不黑不黄的，反正不白）和白人（也是社会最底层的白人）争夺底盘的故事。

说巧不巧，白人里的老大的兄弟和波多黎各老大的妹妹，在一次舞会上一见钟情，两人就开始暗度陈仓。

结果在两帮人一次约架的过程里，波多黎各人的老大捅死了白人的老大，然后白人老大的兄弟，也就是和波多黎各老大妹妹有一腿的这家伙又捅死了波多黎各的老大！

然后这家伙逃亡后先去和波多黎各老大的妹妹睡了一觉，然后又躲了起来。

这个时候，波多黎各里有一个喜欢他老大妹妹的人捡了案发现场的一把手枪，在到处找白人老大的兄弟。

这个时候，老大的妹妹竟然说服了老大的媳妇，让她去通知她的杀夫仇人也就是她小姑子的情人那个白人。

说到这里应该插一句，片中所有波多黎各的对话都没有翻译也没有字幕，我开始是以为我下载的版本或者说字幕版本的问题，后来查了一下，竟然是斯导故意不翻译的，就是让大家听不明白的！

但是后来这一段，虽然没有翻译，我应该是搞明白了！

她小姑子让她去通知小白脸等她，她要和他私奔！

结果，嫂子去了他们白人的地盘，差点被这帮白人小子轮J，于是她改口说，她小姑子已经被那个波多黎各人枪杀了！

导致小白脸万念俱灰，孤身寻找那个有枪的波多黎各人，当然，最终如他所愿，那个波多黎各人找到了小白脸，并且干掉了他！

最终抢手伏法，故事终！

--所以说，故事情节里有诸多的不合理，据说本片翻拍的舞台剧，比较忠于原著，也许是老外的三观和我们国人差异太大吧！

但是有一点，片中的波多黎各的女人和白人，虽然都是社会最底层，一帮情节女工，一个小混混，人家还有觉得美国好美国秒美国呱呱叫！

这大概是老美的文化自信吧！

我相信，我们大国崛起，自信心也是越来越强，待我们完成了中国梦，相信我们的中国特色社会主义道路自信、理论自信、制度自信、文化自信 也会深植与我们内心的吧！

说说表演的话，反正都不认识！

单说演技，乃至于颜值都不尽人意！

但是，作为歌舞片，那个载歌载舞确实很潇洒帅气，比阿三的一言不合就跳舞有过之而无不及！

推荐指数⭐️⭐️⭐️

一句话，如果还没看过这部电影的，就别看了——不如再去把1961年原版电影找出来看一遍。

是我大意了，真的。

我原以为在LMM已经成为美国主流文化代表人物的今天，是时候可以重新讲述一下波多黎各裔上世纪50年代来纽约定居的“美国故事”了。

但是我忘记了，音乐剧翻拍成主流商业电影并不容易。

当初拍什么像什么的伊斯特伍德，因为拍了电影版的《泽西男孩》差点儿让我觉得晚节不保。

何况是近几年几乎拍一部我失望一部的斯皮尔伯格。

当然了，这个电影表现力不佳，也不完全就都由斯大师背锅。

那么我们今天就借由对本片各主要部门的功过评定，来简单聊两句，在21世纪，该如何翻拍一部musical？

1、歌舞范式与现实主义表现手法的分野歌舞片作为好莱坞成熟的类型片之一，在上个世纪中期曾经非常受欢迎。

那个时候电视还没有在普通家庭得到普及，看电影要专门去电影院，某种程度上，这项活动的隆重程度和看一场舞台演出类似。

那个时候的观众不会纠结于银幕上的角色走着走着路突然在街上来了一大段踢踏舞或者情到浓时脱口就是一段咏叹调，音乐片，虽然在表现手法上会比人们的日常生活夸张许多，艺术嘛，总是要高于生活，而演员们的悦耳歌喉和曼妙舞姿给观众带来了极强的视听享受，大家会欣然买账。

于是，很多歌舞片的叙事“语法”就逐渐被固定了下来，与当时如日中天的音乐舞台剧一道，从有声电影产生初期一路火到了60年代。

观众印象中最经典的歌舞片大多产生于那个时代（R&H什么的，横跨百老汇与好莱坞）。

后来音乐剧和歌舞电影开始分化发展，音乐剧挣扎过一段时间后，随着流行文化的变化，开始有更多曲风，民谣、摇滚、说唱，也开始出现小清新的舞台，更加自然平时的艺术风格，但是不论如何，因为音乐剧始终是高度“舞台化”的，观众在观剧的同时已经默认了舞台上发生的一切“不是真实生活本身”。

但电影就不一样了，大部分电影是不能突破“第四面墙”的艺术，有着无限趋近于真实的场景，天然就有让观众信服的义务。

所以，一部真人歌舞电影，怎样做才能让观众“不出戏”，就变成了重要的命题。

基于我上述论点，相信大家不难理解，为什么动画片做歌舞片就要容易许多。

事实上自90年代以降很多经典的歌舞片都是动画片。

而原创的真人歌舞片越来越少，近年受到主流艺术/商业双认可的就更是凤毛麟角（当然了，歌舞的创作成本较高且涉及跨界，大部分电影导演也不会凭空就选择歌舞作为自己的叙事手段），而且这类影片大多看起来“非常复古”。

近几年最具代表性的也就是2016年的《爱乐之城》了，下一年的《马戏之王》勉强也可以算一部，但是《马戏之王》受到的关注和吹捧基本都没有出圈。

再往前数，恐怕就是2001年的原创电影《红磨坊》了，凭借巴兹卢瑟曼精美的艺术风格和男女主角的完美演绎，获得了口碑与票房双丰收，在多年后反向输出到舞台，有了自己的改编音乐剧。

但是《红磨坊》的成功仍然比不了第二年的《芝加哥》，而后者则是对经典舞台剧的翻拍。

而在华语影坛，凭我个人印象21世纪能达到这样成功的主流歌舞片就只有陈可辛的《如果爱》。

可见这个品类，放在今天，并不好驾驭。

除了上面列举的几部优秀的原创歌舞片，大部分歌舞片都是传奇音乐人物的传记，或者音乐舞台剧的翻拍。

好处在于，当电影创作时，你已经有了一个成熟的、且具有一定票房号召力的IP，有了剧本的蓝本（注意，改编电影时剧本仍要进行再创作，但是毕竟是改编，而且原始素材招人喜欢和惹人讨厌的地方都是经过市场印证了的），还可以在相关跨界领域寻找演员（音乐圈演音乐人、舞台剧演员演舞台剧的电影版，有些还自带名气）。

而挑战则是，原始素材可能已经过分深入人心，而它一开始并不是为了【电影艺术】所创作的。

个人见解，一部音乐舞台剧要翻拍成电影时，挑战最大的主要是三方面：音乐、镜头和舞蹈。

这么说似乎有点多余哈，音乐和舞蹈本来就是musical的灵魂要素，而镜头设计则是电影艺术的灵魂所在，但是，当艺术形式转化时，最先产生矛盾的恰恰就是这些核心部门。

关于音乐，有些musical可能没有那么看重舞蹈，但是所有的musical都一定非常重视音乐。

电影导演允许原曲谱在影片里占怎样的比重？

选择什么样的编曲风格？

更重要的是，和电影的整个声音部门怎么配合？

一部影片往往有比较统一的风格设计，当重要的歌曲唱段响起的时候，我们会进入情绪性段落，听角色唱歌抒情，但是在叙事的主体段落呢？

在歌曲的间隙呢？

在黄金年代，一部歌舞片可能会选择用全配置的交响乐团（full-orchestra）将曲谱满铺整部影片，但是那种审美意趣已经和当今观众的观影习惯脱节了，当我们看到主人公在城市的街道上走路的场景，我们可能会期待更真实自然的环境音，会希望配乐能够低调一点，而不是时刻彰显自己的存在感。

而“幕间戏”的编曲风格又需要和核心唱段保持一致。

很多时候，作为一部21世纪的新作品，导演们会尝试时髦、轻巧的编曲风格，以期让“讲故事的手法年代和电影产生的年代保持统一”。

我举个例子，上面提到的《红磨坊》剧情背景设定是十九世纪末的巴黎，所以该片在art design（服化道美术）上要营造出那个年代的氛围感，但是该片的歌曲却大量使用了流行音乐的元素，不论歌词、曲风、配器、演唱技巧，以让观众get到这是一个讲述于2001年的故事。

我再举个不那么成功的例子，著名音乐剧《歌剧魅影》讲述的也是十九世纪巴黎的故事，但是因为舞台剧是二十世纪八十年代创作的，韦伯把曲谱写得非常古典，编曲却又混杂着大量80年代midi风，该剧至今仍在上演，风格也相对固定了下来。

结果当《歌剧魅影》2004年被改编成电影版的时候，电影导演不太敢动原作的音乐风格，韦伯自己写了首相对风格与时俱进一点的新歌，却融不进原剧，只能放片尾字幕的时候放。

显然，原曲谱越古典，和当下流行风格的gap越大，改编难度也就越大。

2012年汤姆霍珀翻拍《悲惨世界》的时候，因为坚持所有演员现场演唱收音，差点儿扑街，勋伯格粉丝也会痛心于浪费了那么宏大气象的曲谱，但是好在，没了勋伯格光是靠雨果也撑得起这个IP。

那么回到2021版《西区故事》，西区故事的原作之所以成为经典首先得益于伯恩斯坦的大师曲谱，这点显然斯皮尔伯格也没有太创新的解法，只是在一个相对减量版的配乐中加入了大量的空隙，用弱化音乐甚至没有音乐的段落塞了不少“文戏”进去，而这些，让我觉得影片节奏无比冗长，戏剧张力大大减弱。

关于镜头设计和编舞我放在一起说。

简单讲，一个不懂编舞的导演拍不了音乐剧，就如同一个不懂镜头该怎么运动的导演拍不了电影一样。

这个门槛并不低。

漂亮的舞蹈动作并不仅仅是为了“炫技”，而是组成叙事不可或缺的一部分。

而在舞台上，因为观众的“观看”（observation）是相对客观/外在的，可以说，大量的舞蹈动作原本就是为了“固定机位”而设计的。

但是到了电影中，在一个更加灵活、流动的空间内，我们从哪看、怎么看这些舞蹈场景，就构成了全新的叙事，again，因为运动镜头在影片中经常被用于表现内心戏，而我们在看歌舞的时候，特别是宏大的舞蹈场景，一般不想拆穿这个“第四面墙”让观众意识到导演的存在，但是又不能真地放弃“选择”和“引导”，舞蹈场景的机位怎么运动，就成了特别的难题。

有不少musical在翻拍的时候弱化了舞蹈的部分，比如伊斯特伍德拍Jersey Boys, 除了主人公上台演出的段落，感觉就像一般的故事片，which might be fine… 但是当原作舞蹈特别精彩特别重要的时候就不合适了。

当然，同样的舞蹈动作，在舞台上是否合理和在电影场景中出现是否合理是截然不同的，一个代表性反面案例就是2008年的电影版《妈妈咪呀》，舞台剧导演把新郎和伴郎们穿着潜水服的那一段“lay all your love on me”舞蹈动作直接搬到了海岛实景中，让他们一个个地跳入海里去了……即使是喜剧这样的桥段看起来也毫不幽默，而是让人觉得他们都是神经病。

我觉得造成这种失误的原因就是不同艺术形式对“写实”的接纳程度不同。

正面教材当然就是2002年的电影《芝加哥》，虽然是音乐剧的改编版本，所有编排调度却大不相同，既要“再创作”又要保持Bob Fosse原choreography的神韵，是很难的，而因为他们完成度高那年甚至得了奥斯卡最佳影片……所以说，如果2021版《西区故事》有哪里可取，就是卡明斯基的摄影输出还是很稳定的。

看完第一大场戏我其实还蛮惊喜的，因为the Jets song的表现一定程度上会体现出电影“写实”的程度：高度还原的50年代纽约街景、在建的林肯中心、写实的环境音和伯恩斯坦曲谱的融合、人物在较大范围内走动的同时开启标志性舞蹈动作、以及行云流水般的运镜和不断在大小景别间切换来平衡“真实感”与“舞台感”……如果导演和DP完全不懂舞蹈，是很难做出这样的调度与镜头设计的。

可惜，一切美好的幻想在男主出场后就破功了(￣◇￣;) 这样就让我们开启第二部分的讨论—— 2、一部翻拍作品最重要的是什么？

是卡司，是卡司，还是卡司即使从来没看过《西区故事》原作音乐剧和61版电影，也完全不了解剧情梗概的观众，仍然会在影片相对靠前的位置（最迟到舞会那一场戏）就了解到，这是一个背景设定在上世纪中叶纽约街头的莎士比亚的“罗密欧与朱丽叶”的故事。

到了故事的结尾处，主角们可能像莎剧原作中一样，全死去，也可能作了新的编排，但是相信我，观众不是来看剧情的。

结局不是悬念，或者至少不重要。

这跟观众在看作为原创故事的“啦啦蓝”时的心态完全不同。

名著的一部分，就是观众是走进剧场/影院来观看一个他们已经熟知的故事的。

这些角色是观众熟悉的，而且他们带着非常强的前设。

所以每一版翻拍作品，在宣布卡司的一刹那，就已经锁定了影片的最大悬念：这几个演员演绎这些角色怎么样？

是否有说服力？

是否赏心悦目？

很多时候观众心甘情愿掏钱花时间，是为了看明星：like, “OMG Meryl Streep could actually sing!” or, “什么？

狼叔那么瘦弱居然去演冉阿让？

我不同意！

”不管赞美还是吐槽，看了再说，因为卡司引发了我足够的好奇心。

不是明星也可以，我会愿意看性转版的天鹅湖、全少数族裔版的汉密尔顿、或者就是some random young pretty faces. 而作为一部音乐剧翻拍电影的卡司，大家主要会从三个角度去评价演员的演绎：唱功（包括舞蹈技巧）、演技和扮相，就跟歌剧或者戏曲差不多哈哈。

这三点，缺一不可，特别是主角，如果任何一方面缺失都会让观众想要退票。

2021版的《西区故事》给我观感如此之差，选角导演可能得背一半的锅——搁着那么多唱功舞技演技甚至江湖地位均过硬的配角和群演，上哪儿挑了这么离谱俩男女主？

Tony像个木头人一样让人出戏，Maria长得没毛病但是塑造得像个痴女，俩人的爱情戏何止不convincing，完全让人尴尬。

要知道，这种爱情故事，最重要的就是男女主角之间的化学反应，如果没有，整部影片就会变得滑稽。

特别是莎士比亚给罗密欧与朱丽叶安上了那种“一见钟情”的桥段，就更难演绎。

当然本剧男主不仅爱情戏演得不好，跟哥们儿的情感也完全看不出来，已经到了他出现我就想快进的地步。

至于子弹姐的Anita，确实塑造得非常有魅力，但是也不值得单为了她看一遍这部电影，这么说吧，Anita这个角色写得就比较讨巧，历届都是谁演谁得奖，虽然2021版的Anita进行了一些更加现代化的twist，但是我觉得综合表现力并不比61原版电影里的Rita Moreno更好，而Moreno演员本人更是作为制片人之一参演了本片（饰演Valentina），还贡献了一首新歌，但是有点强行加戏了我也不太买账。

剩下的演员基本都是舞台剧演员了，想看他们的精彩演出大可以找点舞台版的视频，包括我非常欣赏的音乐剧演员Brian d'Arcy James，是不是自《傲骨贤妻》《嫌犯追踪》以来就专心在好莱坞跑龙套了啊？

3、精英话语权的削弱与“美国式说教”作为斯皮尔伯格操刀的主流商业电影，2021版《西区故事》不出意外地带有强烈的政|治色彩，而且是过于露骨、过于絮叨的那种“爹味说教”。

种族矛盾和冲突，从上个世纪伴随着有色人种往美国的移民潮和美利坚民族想象共同体在重塑过程中“精英”与“大多数”对话语权的争夺，从未停止过。

时至今日（2020年代），这一问题不仅没有得到解决，反而随着【母语为西语的人群】（美国式political right lol）在人口比例中的不断增加和社会贫富矛盾的加剧，变得越来越尖锐，美国“人民”不是越来越团结，而是越来越撕裂。

影片中已经用非常直白的台词说明了帮派斗争背后的真实推动力，不是种族仇恨，而是经济利益（“It's not about races; it’s about terrirories.” ），并且，把这两群可怜的青少年留在这个人间炼狱互相争斗的是阶级的壁垒（提示：50年代的纽约西区还是底层人混迹的、治安最差的街区，但是林肯中心马上要建起来了，以后就是你们都高攀不起的地段了……）当然，可能故事里的秩序代表者（警官）会把这些孩子们的不幸归结为他们的父母没有努力，酗酒、吸毒、游手好闲，没送他们去受良好的教育，而我们都知道，在那之上还有更沉重的力量扼住这群孩子命运的咽喉。

但是不管怎么说，这样的问题，点到为止就好了，观众明白了就明白，不明白就算了，到底有没有必要喋喋不休以至于破坏叙事的流畅性？

本片的剧本改编是美国著名编剧Tony Kushner，这可是写出过《天使在美国》这样masterpiece的人，而且他的剧本改编能力并不差，至少他是非常witty的。

我不理解为什么本片的说教那么傻愣愣的，不知道Tony Kushner是不是被斯大师的“爹味说教”给洗脑了，愣是在每次戏剧冲突大小高潮来临前后都要插入大量冗长的文戏，就讲道理，不讲感情。

斗殴之夜、Riff和Bernardo死了以后离电影结束居然还有40分钟，虽然基本情节和舞台剧、原版电影是一致的，但总给人“Tony死太慢”的观感……当然了，现在是2020年代了，做一部主流商业电影，你不可能让所有观众都满意。

《西区故事》是一部经典的歌舞片，通过讲述两个不同族群的年轻人之间的爱情故事，展现了现代社会中的种族矛盾和年轻人的成长与追求。

影片以现代歌舞的形式展现了年轻人的生活和情感状态，通过优美的舞蹈和动人的音乐，让观众感受到了年轻人的热情和活力。

同时，影片也通过年轻人的成长经历，展现了现代社会中的种族矛盾和年轻人对自由和爱情的追求。

影片中的角色形象鲜明，他们都是充满个性和追求的人。

他们通过自己的努力和奋斗，展现了现代年轻人对生活的态度和对未来的追求。

他们的经历让我们深刻地感受到了年轻人的成长与追求。

影片的叙事手法也非常出色，通过细腻的镜头语言和音乐，将观众带入了一个充满现代气息的世界。

影片中的每一个细节都充满了现代感，让观众在观看过程中不断产生共鸣。

《西区故事》是一部非常出色的电影，它通过深入探讨现代社会中的种族矛盾和年轻人的成长与追求之间的关系，让我们对现代社会有了更深入的认识。

这部电影不仅是一部视觉与听觉的盛宴，更是一部能够触动人心的作品。