空中杀手

《空中杀手》（原载《二次元狂热》）商业与艺术“与动辄百万人捧场的导演不同，我的作品也就能有1万名观众而已，然而100万观众每人看一次，和1万名观众每人看100次，同样都是100万人次。

”——押井守押井守最近过的并不舒心，据说是遭遇了“更年期综合症”，身体状况、精神状况大幅衰退，为此特地去练武恢复状态。

他的前半生背负着“闷片教父”、“原作粉碎机”、“沃卓斯基‘姐弟’的启蒙者”之类的称号，一直与“在年轻人中很有号召力”“广大观众喜闻乐见”等正确路线无缘。

鸭粉的数量虽然稳定增长，但是除了动画宅就是电影宅，眼看就要向苏联大师的观众群体靠拢（应该说比大友克洋的群体还靠谱点）。

看着宫崎老爷子打着退休的幌子拍了一个又一个拿奖的票房巨作，押井就感到郁闷。

被赶出吉普力的后辈细田守靠青春催泪的《穿越时空的少女》开拓出非动画迷的市场，更是让老鸭子感到自己年轻不再，如果现在不再多尝试一点可能性，不把自己想说的话都说出来，恐怕就来不及了。

押井过去拍了太多闷片，商业性只体现在很打很战很容易让人误会的预告片里。

《攻壳剧场版1》之闷登峰造极，最绝的地方是在武戏高潮后连插10分钟文戏，画面都没动，看惯商业片的观众如同被前后脑各打一闷棍。

可能很多观众会提出反对意见，比如“我没睡而且我很兴奋我哥们儿都看high了”之类，这都是因为鸭子的大名早就传遍网络，新观众知道该期待些什么，剧情分析也满天飘。

换到90年代骨灰们刚看动画的时候，看一个睡一个。

中日导演交流会上放映此片，全屋编、导、记都在睡觉，同时放映的闷片《那年夏天宁静的海》就没人睡。

押井希望让年轻人——能够代表日本未来的这群人——理解自己的电影，理解他想传达的信息：“我有一些东西想要传达给现在的年轻人。

”为此，他需要拍一部商业性更强的电影，而且是能吸引年轻人的那种商业。

决定一个动画片号召力的，除了导演就是配音阵容了。

过去押井虽然用职业声优配音，但都是真人剧方面的译制片声优，不像其他动画导演一样使用纯粹的动画声优。

这次为了市场宣传而起用了大量演员，主人公的配音一个是当红小生，一个沾了奥斯卡的光，都很有票房号召力。

（选择他们的另一个理由是主演过海外电影，英语水平高，不过押井可能忘了，菊地在《通天塔》里演的是聋哑人……）很多人对这俩位的表现颇有微辞，其实都是心理作用，别说水平够，就是水平不够，他们也比动画声优更符合影片的需要。

至于菊地给人的印象比加濑更深，与其说是水平问题不如说是台词安排和角色定位的问题。

配音之外，《空中杀手》最大的革命，其实是编剧。

伊藤和典并不是写不了爱情，但是他写的爱情年轻观众看了心情绝对好不了。

这一次，押井根据催泪电影排行榜按图索骥，找到了行定勋的编剧伊藤千寻（《在世界中心呼喊爱》《春之雪》的编剧）。

并不是说经过这个和押井女儿一样大的编剧妙手生花，押井的故事就能让剧场里的大姑娘小媳妇泪雨涟涟，但是剧本肯定是要比传统的押井片温和得多，也正常得多。

（顺便一提，鸭子的女婿是乙一，作品在负面意义来说和押井不相上下）经过一番行定勋式的修改，永恒之子们的爱情有了与押井角色截然不同的表现。

押井以往的作品都包括爱情，但全都闷得要命，如同字面意义般的“无话可说”。

素子与两个男友的谈话如同科教，ASH和光头的爱情只剩下拔枪相向。

唯一一个称得上爱情而且被押井饭怀念到如今的，是南云和拓植的爱情，代价是后藤失恋。

比起这种建立在“强奸观众感情，NTR主要角色”基础上的成功，《空中杀手》太正常，太商业了。

为了突出爱情这条主线，伊藤千寻连故事结构也做了修改。

在《机动警察2》中，揭露敌人的阴谋是主，南云的感情线是辅。

按这个思路，《空中杀手》故事的线索就是永恒之子的身份之谜，应该通过函南的视点一点点解开这个谜团。

然而，实际的故事里完全没有突出这个部分，永恒之子的悬念被笹仓的解释和三矢的牢骚轻描淡写地解开了。

故事的焦点都集中到了函南与草薙身上，草薙为什么对函南缠住不放，而两人独处时又冷眼相待，函南对草薙抱有的感情到底是不是爱情，这些才构成了故事推进的动力。

而且，押井为《空中杀手》的爱情戏准备了大量的身体接触，“两个人的兔离州（轻井泽）”，又在克拉科夫开了野炮，还有最后的相拥而泣。

这在过去的押井电影中是无法想象的，南云与拓植的身体交流就只有十指相握，就这个不咸不淡的镜头，已经让很多鸭粉高潮了。

其他的方面，押井也下足了功夫。

开头的空战和最后的决斗绝对震撼人心。

就凭最后那个神棍得无以复加的空中机动，《空中杀手》在动画史的“战片”领域获得了一席之地，而且肯定会像当年草薙拆坦克一样为无数观众津津乐道的回忆。

既然包括了这么多商业要素，又打又哭又架空的《空中杀手》肯定是非常娱乐了。

那么，我们看的这部闷片是怎么回事？

没错，押井在制作之出就说过，这次一定要商业，一定要吸引年轻人。

然而，商业是库布里克式的商业，吸引来的年轻人也都是文艺青年。

你要是相信一个亲自向现场观众和主持人兜售难懂概念的文艺中年的商业承诺，那么笔者建议去看看关于宫崎老爷子的记录片，那里头不太谈商业性，只有呼之欲出的激情。

排除一直为卖座大片服务的川井的音乐，《空中杀手》是一个很好的“反商业”的教学例片。

影片的招牌是空战，全片一共5场空战，然而持续时间极短，渲染酝酿了20分钟的大空袭在开打后3分钟就鸣金收兵，主人公的座机都没几个镜头，真正进入死斗的只有最终的决战。

虽然《战斗妖精雪风》的单场战斗时间也不多，但是那可是每集20分钟的OVA啊！

什么叫空中战，看看《宇宙牛仔 天国之门》就知道了，人家一个武打枪战为主的动作科幻片，空战时间都比《空中杀手》长！

影片里的爱情戏不少，激情戏却很成问题。

裸戏删得只剩事后烟——而且还不是草薙的裸戏，别墅那场只拍解扣子，哈尔科夫野战的特写都给到手上。

最后一段激情戏最能说明问题，都是少年抱住少女说“你一定要活下去！

”，《幽灵公主》那一对显得活力四射，《空中杀手》的一对却无比沧桑。

其实造成这种结果的原因也很简单，对押井来说，影片的商业要素是形式，形式只能为表现主题服务——这是押井与多数导演之间决定性的不同，大多数导演都是只闻其道不行其道，而在最强调商业的片子里，押井想的也还是主题先行。

作为一部商业片，《空中杀手》不得不失败，然而作为押井守的电影，《空中杀手》就从这里正式开始。

——————————————————原作与改编押井守最著名的绰号是“原作粉碎机”，不管什么作品，到了他手里都能让原作者一头栽倒，早先高桥老佛爷就被福星剧场2给气懵了。

即使是没有原作的原创作品，那鸭子也要折腾FANS，机动警察剧场2堪称彻底颠覆了《机动警察》走红的要素（南云怨妇变寡妇被NTR，进士的美人老婆中年发福，泉的热血以更理性的形式出现），现在世界上众多的“猎鸭人”（职业押井黑）就是从机动警察饭转职而来。

其实宫崎他们也没少挨原作者呲，但是鸭子式的改编和大部分导演都不同。

很多失败的动画化，都是因为导演没有理解原作，表达不出原作的思想或将其用很肤浅的方式表达出来，甚至就连人物设定和世界设定都没理解对。

唯原作马首是瞻不见得有多光荣，但鸭子的情况恰恰是忠于原作世界设定和人物设定的再创作。

押井遭到原作FANS批判的几个改编（应该说是全部吧，讨厌攻壳剧场喜欢漫画和TV的人不少），都没有背离原作者的设定，比如好色但又离不开拉姆的阿当，比如整天跟在素子屁股后面跑的巴特，比如感情受过挫折只能用冷美人形象保护自己的南云，攻壳漫画的世界就是一个冷色调的犯罪世界，福星就是一堆怪人聚在一起捣乱，机动警察最好看的就是人物关系，这都没错。

鸭子的可怕在于他将原作的设定发挥到极致，对人物的标志特性进行夸张，然后根据设定重新组织故事。

在押井改编的过程中，原作者赖以形成作品风格的主观意志不见了，只剩下“一切为主题服务”的逻辑和押井式的冰冷风格。

押井需要的是原作的创意，而不是原作者的思想，所以押井的改编作品永远有独立的主题，与原作者大异其趣。

这正是押井令原作者害怕的地方，也是押井守作为金牌导演的真正价值。

很巧，这次的《空中杀手》没有作者和导演的矛盾。

因为森博嗣这家伙是鸭粉，连主人公名字都干脆利落地用了“草薙水素”，向“草薙素子”致敬（为啥不向士郎正宗致敬？

）。

原作的风格也是很冷，也是莫明其妙的晦涩，也有扭曲的人物关系，鸭子就是再能折腾，也没法把小说粉碎成相反的样子。

《空中杀手》的小说（官方名称叫《空中骑士》）、动画、游戏这三套作品，在情节设定上确实很少冲突，完全可以视为同一个故事的不同部分。

这与其说是制作三方努力的结果，不如说是原作的暧昧所致。

综合三者整理出一个大致的情节，估计可以解答一些观众的疑惑：在上一次惨烈的大战之后，世界各国联合起来，创造了“表演战争”制度。

由各国出资，资助代理公司进行战争，让战争与政治分离，不是为各国争取利益，而是让国民保持对战争的恐惧，由国民施压阻止国家进行战争。

之后世界得以在这种奇怪的和平中发展，与现实中二战后的世界非常相似，唯有武器相关的技术发展缓慢。

最开始，参加代理人战争的飞行员还都是人类，然而，罗斯托克开发了一种生化技术，可以让人类长生不老，而且个体的意识可以在死后移植到另外的躯体当中，人格和非情节性记忆都不受影响，此种技术所产生的新人类，被称为“永恒之子”。

相比人类驾驶员，永恒之子省下了培训成本，也没有战死抚恤的问题，于是战争代理公司逐渐开始用永恒之子来代替真正的飞行员。

作为罗斯托克的王牌飞行员，TEACHER见证了新老两代人的交替，在高强度的战斗中，过去的战友纷纷阵亡，“不死”的永恒之子们主宰了天空。

爱好飞翔的少女织科（草薙转生前的姓氏）憧憬着作为王牌，同时也是作为“大人”的TEACHER，她靠着天赋成为了罗斯托克的新王牌，但同伴不断的阵亡和复活给她带来很大影响。

一天，对事业和生活感到绝望的草薙找到TEACHER，委身于他，之后草薙生下了两人的女儿瑞季。

TEACHER感到自己的时代已经过去，离开罗斯托克到对手公司劳特恩赴任，但他仍然帮助草薙抚养瑞季。

TEACHER走后，草薙成为罗斯托克的招牌人物，为了避免失去她，上层赋予她司令官的职责和地位。

战争继续进行，永恒之子们也渐渐对生存失去了感觉。

草薙的副手栗田暗恋她，两人的关系慢慢发展，但栗田并没能唤起草薙对生活的热情。

一次意外中，草薙杀死了栗田，将解脱的机会给了他。

然而，栗田很快又转生为函南，回到了草薙身边，他对草薙的爱并没有消退，草薙告诉函南，这次应该由他来杀死她……总体来看，WII的游戏剧本实际上是小说的前传，设定上没有大的前后矛盾，而《空中杀手》剧场版则改编自小说最后一部的故事。

动画版的各段情节改动不算大，只有结局例外。

在小说中，函南开枪杀死了草薙，给了她解脱。

之后，复活的草薙与函南天各一方，再未谋面。

这与动画中函南鼓励草薙，并亲自挑战TEACHER的结局正好相反。

正是这些改编，赋予了影片独立的，属于押井守的主题。

——————————————————战争与和平“在此时此刻，战争正在某个地方进行着，这样的现实感是维系人类社会存在的要素。

要理解战争，光靠书上的历史是不行的。

需要真的有人死于战争，每天在媒体上传播这样的新闻，只有这样，人们才能时刻告诫自己战争是残酷的，才会真心维护和平。

即使是游戏，也需要规则，比如绝对无法战胜的敌人。

”大部分观众对《空中杀手》理解的偏差就是从这里开始的。

很多人据此认为《空中杀手》的主题是战争与和平，毕竟整个故事的构架都是建立在“表演战争”和“杀人机器”这两个核心设定上，从剧本安排上看并没什么问题，但是将此作为主题去理解影片，就会发生很大的误会。

草薙谈论战争与和平时，并不是在讲道理，只是在讲述公司，讲述这个世界的理念而已。

对于这些和平理念，草薙的态度显然是嗤之以鼻。

这个理念比《机动警察2》中关于战争的讨论要更进了一步。

《机动警察2》中的和平，意味着不要增加别人的痛苦，也不要以此为理由，故意破坏自己的和平去追求所谓公正的战争。

后藤没有说要“消灭战争”，所能做的只是把战争的比例尽量地减小。

无论是否现实，《空中杀手》的世界就是遵循这样的原则。

这样的世界观虽然理想化，但未必没有道理。

在现代国家的体系中阻止战争，教育大众是最有效也最快捷的方式。

二战后的日本从最疯狂的军事国家转而变成对战争最消极的国家，也说明了反战教育的威力。

（不过站在日本人的角度看，美国推行的和平教育算是一种“奴化教育”）不过，《空中杀手》的世界与其说是关于和平的设想，不如说是现代人类社会的寓言。

押井并不希望改变世界，因为他所生活的这个世界已经变成了《空中杀手》的世界。

巴尔干和中东就是早已规定好的战区，电视里无论恐怖活动还是武装冲突都与影片中的战况新闻毫无二致。

网上有无数纸上谈兵的美军粉丝，现实中也有为巴勒斯坦难民充当人盾的日本大学生。

世界上的主要国家都保持着和平，大家并没有打仗的打算，偶尔为战区送去资金和武器援助，就如同影片中欧盟为两家战争公司支付的“服务经费”。

在这个媒体时代，战场发生的事情完全被抽象成了战争表演，我们一边对战火中的人抱以同情，一边庆幸自己生活在和平之中，如果有人想要把自己所在的国家推向战争，大部分的人第一个反应就是尽力反对。

所以，押井对“战争与和平”这几段戏的定位，与其说是讨论，不如说是讽刺，讽刺不必有解释，不必有争论，讽刺只要指出问题就可以了。

押井守没有给这些事情下一个对与错的结论，但是作为观众的我们却对身边的现实感到了一丝荒谬。

类似的段落在影片里还有很多，比如，公司组织赞助人参观军营，放到现代日本的语境中，这和公民参观自卫队军营是一样的性质。

自卫队的军舰和军营在开放日都可以参观，而且免费（公民出钱造的军舰显然可以随便视察，并不是某些人或某个组织的私产）。

公民参观时，同样也有自卫队广报部的人负责解说、合影（广报部的大多是女自卫官，不过草薙把活儿推给函南了），可惜现在日本已经没有了战斗英雄一说，否则一定会像草薙一样被推到前台去拉赞助发行战争债券。

战争承包公司体现的是出资人（国家和社会团体）的意志，国家发动的战争体现的是国民的意志，送死的却是公司空勤人员和自卫官。

“自卫官有保卫国家的义务”，其实军人也只是个职业罢了，公民做的事情——简单来说——就是用税金买人命。

那么，在这样的和平已经存在，并且将永远存在下去的情况下，是否人间已经变成了天堂？

——————————————————————天堂与地狱在《空中杀手》的正式宣传片中有这样一段话——“在一个类似日本的国度中，有一群长不大的孩子，他们和我们非常相似。

”永恒之子是一群活的很滋润的人。

战斗阵亡后只要将人格移植入事先制造的克隆体，1个月后又是一条好汉，工作是铁饭碗，生活福利一应即全。

其实组织也能给解决老婆/老公问题，不过经常死而复活的人是不可能维持家庭的，于是无论男女天天跑到妓院去抽事后烟。

到了草薙这一层次的军官想要享受天伦之乐，没问题，只要你有办法生育，公司也可以睁一只眼闭一只眼。

日本人，就是现实中的“永恒之子”。

经济水平排在发达国家前列，教育政策总被拿来教育中国，社会福利水平很高，企业还残余着之前终身雇佣的尾巴，日本人靠打零工甚至吃父母养老金也能维持一定生活水平，这样的国家亚洲找不到第二家了。

然而，日本人对自己的生活发出的并不是赞美。

现实中的日本，不是充满快乐的人间天堂——是天堂没错，但快乐却无从谈起。

长达十几年的经济衰退腐蚀了人心。

经济持续低迷，企业不断把正式工换成临时工，中产阶级数量骤降，人口持续减少。

看不到社会变革的迹象，自己也没有变革的动力，日子一天天的混下去，仅此而已。

物质生活水平确实没有衰退，但人只有物质是无法生活的，看不到希望的生活，即使再富足，也只会让人感到空虚罢了。

日本人最喜欢说的一句话是——“感觉不到生活的实感”。

作为“暧昧的日本人”，很多哲理的命题都是别国无法理解的。

不要说西方人，就是一水相隔的我们看到“感觉不到生存的实感”这种说法也会迷惑。

是快乐？

是痛苦？

这比北欧王子念叨的生或死可要难懂多了。

押井在影片中把这个问题简单地解释清楚了。

永恒之子的生活是天堂，同时也是无间地狱。

不变的生命，不变的工作，不变的人际圈子，不变的敌我关系，不变的规则——“孩子是打不败大人的”。

押井违背“有大量空战镜头”的承诺，刻意压缩了空战场面的长度，相对应的，地面的生活则显得悠闲自在。

两者对比强烈，却都是无意义的重复。

影片后半，函南醒悟真相时，串入了大量日后基地生活的片段——时间、人物、场景都有细微变化，然而又无可救药地与之前的经历相雷同。

当生活无法改变时，人生就失去了方向；当幸福没有不幸作为对比时，幸福就难以珍惜；当付出没有回报时，努力就毫无价值；当生死毫无疑义时，生死悬于一线也就不再意味着突破，而是意味着困境。

如果无间地狱存在，痛苦也就不过如此。

这种矛盾，就是《空中杀手》的世界，也是现在的日本社会的荒谬性所在。

在绝望的地狱里，生存本身已经不是问题，只有价值才需要我们寻找。

——————————————————————————————————希望与绝望日本人在作品里最喜欢讨论的问题是“生存的价值”，最后的结论往往变成“只要活着，一切都会好起来的”。

这其实只是极端情况下的自我安慰而已，人的追求应该是美好的生活而不是生活本身。

把人的意义压缩到生死之间，固然成就了绚烂的“樱花美学”，但是在这种“自我欣赏”之前，日本人“自我认同”的问题却总是得不到解决。

永恒之子的世界就是这样，他们的生活很优越，他们的工作意义重大，他们受到全世界的尊敬，但只有他们自己清楚，这种生死毫无区别的生活是没有价值的。

他人构架起的意义不能成为你生活的理由，更不能支配你的思想，这是人生而为人的意义所在。

所以，永恒之子的愿望只有一个，就是从这种命运中超脱出来。

永恒之子不能拒绝作战，寻死也毫无意义，于是他们想要挑战这个世界的规则——“孩子是打不赢大人的”。

然而，一次又一次挑战TEACHER都以失败告终，就是这小小的胜利，命运也不打算赐予他们。

毫无希望的生活是否有必要继续？

注定不会成功的努力是否值得付出？

在这种情况下，飞行队的配角们表现出了人生百态。

土歧野是花花公子（日本漫画里主人公总有一个这样的哥们，不过后宫题材除外），尽量利用现状享乐，而且还不断开导函南（他对栗田和函南的脾气了解得清楚，所以才会说“我不会求你的”）；汤田川（复活后的合原）沉默寡言而有洁癖（这是电影里特意加上的特质），但对人生思绪很深，知道TEACHER的存在后就伺机挑战，想要战胜命运；筱田愤世嫉俗，但他在战友被攻击时没有坐视，而是勇敢挑战TEACHER。

只有很短镜头的友临基地战友也给人留下了深刻的印象，好吃的竹熊，爱猫的岸沼，还有神秘兮兮的双胞胎。

这些人就代表着现实中的芸芸众生。

永恒之子之外的人物，比如地勤队的笹川，司令部的本田，我们在现实中也能很容易地为他们找到对应的类型。

TEACHER这个在电影里只作为背景设定出现的男人，是一个“不可战胜”的符号，他是毫无感情的杀人机器。

反过来看，他也可以是一个感情丰富的战争牺牲品，战争夺走了TEACHER的一切，也夺走了敌人的一切，所以TEACHER可以毫不犹豫地射杀敌人，没有规则，没有怜悯。

但是人终归是人，他无法在空战中杀死草薙，也不想让女儿变成孤儿。

三矢在电影中是一个很关键的角色，她是一个对比，在大家都浑浑噩噩过日子的时候，只有她坚持追求正常人的生活。

三矢追求的那种生活，正常的男人也不可能给她，更何况永恒之子还不是正常的人，所以土歧野对她敬而远之。

她妒忌草薙能生儿育女，也妒忌草薙垄断函南的心，更看不惯草薙坐在司令官的位子上指挥别人卖命。

最后寝室的对话戏很有意思，三矢一口气说出了永恒之子的一切秘密，但是早已知道真相的函南并不领情，她哭诉，希望这个老实男人能够安慰自己，可惜满脑子草薙的函南没有回应她。

感到被愚弄，怒火无处排遣的三矢冲到司令室，举枪面对草薙，她想要草薙将自己击毙，也想要函南阻止自己，却没想过真的打死草薙。

草薙是矛盾的集中体现，也是押井选中的发问者。

她经历了太多的死亡和失去，也看到了TEACHER是如何崩溃的。

草薙告诉自己有责任作为军人和指挥官完成作战任务，也有责任作为母亲保护女儿长大成人，但迷茫却无从排解。

她向明知故问的函南威胁：“你也想死吗？

”甚至还会把火撒在无关的人身上：“看到那样的婊子就很想把球扔过去啊。

”因此，当有人触及草薙的生存价值时，她无法保持冷静。

老妇人向战死者表示哀悼，草薙则吼道：“别用同情来侮辱他！

”王牌算什么，无非就是战争机器上的一个零件罢了。

一个无聊的交易就可以让公司把基地卖给敌方，而面对草薙的质询，大人们显得满不在乎，“你们总是长不大啊。

”草薙失去了生命的重心，生活没有变化，工作极为荒唐，女儿的成长也只是带来困惑和伤感，她想要珍惜爱人的感情，但是最后却变成两人持枪向对……于是，函南作为草薙的拯救者登场了。

函南是押井电影惯有的哲学家型主人公，他是个喜欢刨根问底的人，但是所有答案都只闷在心里。

刚复活时，他就感到前世的影响，周围同事话中的暗示也提醒了他，在汤田川复活后，他很快就认清了真相，了解到现实是永恒之子们无力改变的。

所以，他不理睬土歧野的劝告，对三矢的哭诉也无动于衷。

函南并不是向世界投降，他已经找到了自己生命的重心，这是他与他的前世所一直坚持的东西——他爱草薙。

在看似平淡的交往中，他和草薙早已超出了上下级的关系。

对于这点，草薙也心知肚明，但草薙的心被死亡缠得太紧，已经无法超脱出来，她表达爱情的方式只剩下了杀与被杀，再也看不到其他的可能。

函南没有豪言壮语，他有的只是信念，如果能为两人找到一条出路，那么一切都是值得的。

“你要活下去，在获得改变之前。

”是的，“活下去”本身是没有意义的，活下去的意义在于寻求改变，只要不放弃希望，改变总有一天将会到来。

函南最后没有杀死草薙，草薙也没有自杀，这就是改变——希望应该由你带给自己，而不是由别人赐予。

栗田没有做到的事情，函南做到了。

函南没有超越轮回，但他超越了自我，唤醒了草薙。

最后的结局中，草薙终于能够用笑容面对复活的柊勇——“我等你很久了”。

很多人对结尾部分的处理有意见，认为既然主题是呼唤希望，最后理所当然应该给主角，也是给观众一点希望。

既然函南鼓起勇气挑战不可能，那么世界也应对他的努力有所回应。

函南的死打击了不少观众，他们认为押井是个不尽人情的冷酷导演。

其实，把结尾改得充满希望并不难，至少也可以改得模棱两可，不必把函南抗争命运的失败这么直白地呈现出来。

就娱乐来说这没什么问题，很合理，但从影片的主题来说，这是错误的。

如果能看到希望，年轻人就无所谓悲观与失落了，向着目标去努力是日本人最拿手的，难道还需要谁教么？

日本不缺绝望中创造希望的动画，热血动画就是满足这种需求的，日本也不缺逆转乾坤彻底解决问题的动画导演，比如河森正治，所以有这方面感情需求的朋友，千万别看押井守的片子自虐。

世界上有运气的存在，但是没有奇迹的存在，世界上有无数努力的人，但没有能永远成功的人。

认为自己改变了，世界也该对自己有所回应，这是孩子的想法，也是孩子之所以无法超越大人的原因。

就是因为总是告诉年轻人“努力就会创造奇迹”，年轻人接触到社会的真相后才会彻底失望。

大人不会管孩子的死活，和平中的人也不会去管战场上人的死活，世界不会因你而改变，但那不意味着你的改变毫无价值。

“即使是走过无数次的路，也能走到从未踏足的地方，正因为是走过无数次的路，景色才会变化万千。

这样还不满足吗？

或许正是因为这样，所以才不满足吗？

教父，我来挑战你。

”正因为毫无希望，才需要勇气面对人生，正因为看似绝路，才需要我们亲手开创未来——这就是押井要告诉年轻人的话。

在影片最初的剧本上，函南的独白中还有这样一段话：“如果今天和昨天相比变得不一样了，那么明天也会与今天不同吧，如此，我就可以怀着希望生活下去。

”如此，我们就可以怀着希望生活下去。

去年，在『空中杀手 The Sky Crawlers』的日本首映会上，导演押井守对在场的大学生们发出如下的感慨：『我制作这部电影的动机只有一个——我已经过了55岁了，刚开始制作这部电影的时候正好55岁。

我现在才真正开始了解自己的人生。

所谓的人生，无论是对小学生来说还是对这些大叔来说，都是很痛苦的。

这是很正常的。

对于你们这样年龄的人来说，现在只是漫长的马拉松的起点。

而我则是跑完一圈的人。

我作为一个要开始跑第二圈的人，有些话想要告诉你们这些正在跑的人：很痛苦吧……其实我也很痛苦。

但其实这感觉还不坏——当你跑到终点的时候能看到不错的风景。

这就是我过了55岁之后的感想。

』这部内涵深邃的动画电影『空中杀手 The Sky Crawlers』其实并非传统意义上的娱乐片，甚至在某些人的眼里会被视为晦涩、枯燥的存在，但押井守制作本片的目的恰恰不在娱乐大众，而是以文艺电影的标准来映射现实的世界，传递心灵的讯息。

所以，倘若没有25岁以上的人生经验，恐怕很难体悟到影片内含的深意。

和平世界上演的战争秀、永远长不大的小孩（Children）、漫无边际的命运、坚定而又脆弱的情感、无限重生的轮回……这些元素所构建的，不仅仅是押井守所营造画面中的那个虚构世界，而更是我们今天这个世界人们生存状态的真实写照。

这，也正是日本动画与好莱坞动画的最本质区别——后者推崇的是以夸张的肢体动作为核心的『形而下化』，前者则是强调准静止画面中蕴含精神实质的『形而上化』。

尽管好莱坞动画能够创造高达数亿美元的电影票房，但其在心理描写、情绪渲染、表达抽象概念等方面则完全无法与日本动画匹敌。

从技术层面来看，『空中杀手 The Sky Crawlers』将2D动画对人物表情细节的刻画发挥到了极致。

很多看似静止的微妙动作，其所营造的表现力，已经与真人电影的效果不相上下——甚至更为优秀。

尽管经历了票房的失败和电影节竞赛单元的空手而归，但『空中杀手 The Sky Crawlers』仍不失为一部好片，一部能给人巨大心灵震撼的动画电影。

看来，押井守自有他自己的坚持。

正如片末的台词：『即便是同样的道路，也可以在不同的地方落脚。

正因为是同样的道路，才有不同的景色——这样还不够吗？

——还是说，正因为这样，才不够吗？

』---http://www.leeforce.com

“在这个世界的角落，有一群永远不会变老的小孩。

这些小孩是科技的结晶，是人类因私欲而创造出来的产品，是人类的战争工具，是武器，是资产，是物品。

” ——百度百科不知从哪抄来的，我稍加精简……--起--因为对原始的世界观设定感兴趣，我去读了森博嗣写的原著第一辑。

小说里森博嗣展现了自己作为攻壳和塞林格老爷爷的fans一面，叙事风格向《麦田守望者》致敬，引用了好几处《九故事》，更是把女主角的名字叫成"草雉水素"……… 整部小说是以战斗之子函南优一为第一人称视角来讲述，通篇保持着“守望者”霍尔顿那种玩世不恭的口气。

同为攻壳和塞老头fans，这部小说本应很对我的胃口，可惜事实并非如此。

因为押井守在故事表现上进行观感很强地改造和刻画：在战争之子、死后轮回基本设定不变的前提下，影片中以冷色调的画面、简单线条的人设、单调的动作、简短的对话、频繁正反打镜头、缓慢的节奏等等，让整个世界呈现出鲜明的反乌托邦化气质。

有这样的先入为主的视觉印象后，回到小说的读者很难再接受麦田那种垮掉派口气的叙述——设想一下霍尔顿样的温斯顿在讲1984。

--反乌托邦--押井守对世界观设定的改造，集中表现在Teacher这个角色的引入。

Teacher的原型，在原著小说第一辑中，是个没有提到名字的飞行技巧高超的驾驶员，出现在一场空战群戏中，后续水素的讲述只提到他因为对机型的偏好叛逃到优一和水素敌对的公司（考虑森博嗣要继续写这个系列，这该是个伏笔）。

然而到了押井守的故事里，Teacher的黑猫标志在开篇戏中就鬼魅一样击落两架敌机，而片尾的高潮戏中又以螺旋翼不可能完成的飞行动作击毁优一的飞机将故事收尾。

在中间的文戏叙述里，Teacher（让人联想big brother）成为最开始驾驶飞机的那个人，并暗示和水素有着剪不断的联系。

这以至于在评论产生了大量对Teacher身份的探讨和猜测，比如Teacher是所有永生之子的克隆原型、Teacher是人工智能专家系统。

虽然这些讨论颇有点过度诠释的意味，但押井守在故事里刻意保持Teacher这个角色的神秘感，这才导致了Teacher背景的多种可能。

我更感兴趣的是既然押井守修改后的世界散发着强烈的反乌托邦气息，那么聚光灯下的Teacher在反乌托邦里具有何种功能性？

--平衡的力量--很直觉地就可以发现，Teacher是为了平衡战斗双方实力而存在。

在空中杀手的世界中，战争是在两家承办战争秀的公司间进行的，同时两家公司在战争秀的过程中形成某种默契。

比如在原著中提到，技术进步不被公司支持，这是因为一方技术的突破会打破双方实力的平衡。

另一个例子是所有的战斗都是在协商一致的地点和时间发生的——虽然发生了对水素所在基地的偷袭行动，但不难判断这种偷袭也是预先安排好的。

然而两方对立的结构始终是不稳定的。

在1984中，奥威尔构建的是一个三角形的结构，其结果是任意一方的强大都会导致另两方的联合反击。

空中杀手小说的世界中缺乏这种保证机制，比如小说中笹仓私下对飞机的实验和改造时就无形中蚕食着整体平衡，当然不能排除这是森博嗣希望在系列作品的最后瓦解小说世界而故意留下的破绽。

但在押井守的2小时的电影世界中，这一反乌托邦必须稳定，不可战胜的Teacher藉此出现。

无论Teacher是两家公司的共谋还是凭空神创的造物，他出现后即作为中立的砝码保证了游戏的平衡性。

一旦一家公司出于某种原因强大到威胁整个结构的稳定后，Teacher就会“转会”到另一方。

因为Teacher的不可战胜在世界观中是公理级别的设定，所以只要Teacher始终中立，这个游戏就不可能结束。

--平民和英雄--反乌托邦在结构上稳定后，还必须保证个人的行动不会在有意或无意中撼动整个体制。

这也是反乌托邦小说集中表现的主题，三部曲《我们》、《美丽新世界》和《1984》无不是在这一题材上做文章。

不过在传统反乌托邦的洗脑、监控、暴力之外，空中杀手还有特别的地方。

首先，空中杀手的反乌托邦边界限定在战争秀的公司，反乌托邦里的个人是被生产出来负责战斗的永生之子，而界线外的平民生活依然“其乐融融”。

因此设定中要防止永生之子逃离到平民之中。

这是通过基本设定来限制的，永生之子因为基因的原因永远保持在孩子的状态不能长大。

这一具有高度辨识性的特征保证，虽然不能排除少数人的脱逃，但是大范围的“平民化”是不可能发生的。

另一个必须要考虑的因素是，战争是培育英雄的土壤，因此公司也必须防止个人“英雄化”的倾向。

一旦个人通过不断地胜利获得号召力，这将是巨大的不稳定因素。

更切合前面论述的说法是个人“英雄化”是一个公司不可控的影响战斗平衡性的因素。

此处Teacher就表现出其平衡砝码的价值。

Teacher本身就是体系中最大的英雄，是恐怖的实在。

这一不可战胜的英雄存在，使他人绝无英雄化的可能。

Teacher是不败的，Teacher是可控的，因此体制就不会受到个人“英雄化”的威胁。

--选择--这样一种设定完成后，本片和其他反乌托邦作品一样旨在表现该背景下个人的觉醒和反抗。

而水素和优一的行为则是针对上面的“平民化”和“英雄化”而成。

“那个人生了小孩……小孩生了小孩……”，三矢这样说。

从中可以看到水素已经超出了常人认为永生之子的行为范围——她不再飞行，成了司令，生了小孩，甚至杀了同伴。

这简直和“大人”一模一样。

最后她甚至希望优一杀掉自己，于是至少在这一个轮回里，她几乎拥有决定自身生死的权利。

水素的反抗是希望通过把自己变成一个“大人”来使自己脱离整个体系。

但“光是这样还不足够吗？

”，这是函南优一最后的话：“即使是走过无数次的路，也能走到未曾踏足过的地方。

正因为是走过无数次的路，景色才能变幻万千。

光是这样还不足够吗？

因为只是这样，所以才不足够嘛？

”“平民化”始终是一种个人的脱逃，这终究是便宜的。

水素固然做得炽烈，但和土岐野的颓废懈怠又有多大区别呢？

对于系统的运行又能有何种影响？

在轮回之后，一切又只能重新来过吗？

这些构成了优一的疑问：既然在同一条路上也能欣赏千变万化的风景，那么还需要改变吗？

或者说既然永生之子们拥有内在的自由，那么还有争取外在自由的必要吗？

“光是这样还不足够吗？

”，优一给出了他的答案。

“正因为是走过无数次的路，景色才会变幻万千。

光是这样还不足够吗？

”“由我来击落你，Teacher。

”--结--长夜依然漫漫，黎明仍旧遥远。

在这暗色里，恐惧的成了狗，卑鄙的成了狐，得意的成了狼，愚蔑的成了猪。

然而无论化作什么，留下心里的召唤，在那一天唤出一道闪电点燃自己。

即使无法照亮了整个黑夜，却不妨为身旁的一尺三分提供些许温暖。

在一切结束之前，所能做的也许就只有这一点点。

原文：http://sakinijino.com/archives/1433

到底是怎样的人才能写出这样的故事？

其实本来对战争片没什么兴趣的，但是押井守总能把看起来乏善可陈的话题提升到富有人文思辨的高度，无论是在赛博空间探寻ai及人类意识的主体性，还是在和平年代通过战争秀来满足人类对杀戮的模拟和渴望，蓝灰色的冷淡色调，都非常的有魅力，非常的吸引人。

虽然我很讨厌许多电影电视剧会加入无意义的景色长镜头，但这部的每一处沉默、吸烟、重复的天空镜头，都让我觉得又丰富又寂寥。

戴着降噪耳机，沉默的时候周遭特别安静，我只能听到自己的呼吸声。

看到草薙把满杯红酒灌进嘴里，我的胃也会感到酸痛。

我很喜欢关于轮回的故事，但是空中杀手中的轮回比我看过的任何一个都好。

把死去之人的灵魂注入永远不会长大的“永恒之子”里，填入新的记忆，制造一个个似像非像的克隆人，有人在轮回中迷失，有人不断地寻找自我，最终绝望，选择结束生命。

草薙看清了事件的真相选择结束轮回，我估计三矢的那一枪是想阻止她自杀让她继续生存下去吧。

三矢对草薙的情感也很耐人寻味，她一定是被草薙的魅力深深吸引，但草薙却并没有注意到她反而只是注视着函南，她又嫉妒又无奈。

她发觉了大家都是永恒之子的真相，却还抱有一丝“或许自己是可以长大的”侥幸的希望。

我认为她的形象比基地里其它人更鲜活。

彩蛋似乎昭示着草薙走出了心结，两人结束轮回的比较光明的结局，但我不知道后面会发生什么，因为就如草薙所说，他们已经变成依靠杀戮和战争来存在的傀儡了这算是我看过女性角色塑造最好的日漫之一了吧，甚至还是异性恋，草薙的人格复杂程度，她的隐忍、悲伤、冷静，还有偶尔的情绪爆发，就像这部故事本身一样吸引着我想要去了解和触摸。

其实我也不知道我在说什么，看完了就和喝醉了一样

今天刚看完汪晖所写《阿Q生命中的六个瞬间》，想写点东西。

又觉得汪晖这本讨论鲁迅的书，似乎也很适用于押井守，尤其是《空中杀手》这部所谓写给年轻人的作品。

那就放在这边当作影评好了，因为我喜欢押井守嘛。

押井守本人在纪录片中提到，自己高中的时候以为战争会爆发（应当是指当年的革命气氛），所以没有什么心思上学，每天就等着战争爆发，时间真正开始运转的时候到来。

可没想到，战争没有来，革命的气氛慢慢淡了，自己竟然也上了大学。

在学校里不知道做什么，只有日复一日沉浸在电影中，觉得那是唯一真实而有趣的东西。

换句话说，和平的现实是虚假的。

虚假的和平不断重复在押井守的作品中，越到最近这一主题越来越明显，不加遮拦了。

《东京无国籍少女》的最后是大梦醒来，身临战场。

《机动警察：和平保卫战》里刻意引发战争的柘植才更像是押井守的化身。

戳破和平的虚假现实，是为了单纯追寻战争吗？

难道押井守是一个军国主义战争狂人？

不能排除这种可能性，但只是《空中杀手》这部作品的回答不是如此。

戳破和平，不是为了战争，而是因为和平是虚假的。

若是虚假的战争就可以接受了吗？

优一作了否定的回答。

生活的真实感是本片唯一的主题。

被驯服的身体，不能长大的飞行员，记忆被一遍遍复刻。

即使自己死去，也有另一个自己可以立刻取代。

整个秩序如此完美，早已消灭了“自我”的所有存在意义。

押井守认为，这样的世界也就是现实的社会秩序，年轻人们已经不再具有长大的可能性了。

只是一遍遍地生长、学习、劳动，然后在什么时候出了错，就被取代。

可以去酒吧放纵，可以去野外看蓝天白云，但是这些都是被设定好的消遣。

可以爱上别人，但就算有了小孩，也依旧无法长大。

象征权威的“教师”永远稳固存在，挑战它是无望的。

正常，但是缺乏生活的真实感。

生活的真实感这个词真是很让人困扰，常常觉得自己似乎把握住了什么，但却转瞬又溜走。

押井守在关于《Innocence》的创作笔记中写道，人类是丑陋的，正因为有了自我意识。

动物与人偶没有自我意识，所以才具有美。

优一也有自我意识，他自觉是为飞行员，拥有高超的技巧，每日重复着例行的任务。

然而，自我意识却不是为自我而生的，恰恰是为秩序而生。

我想，这就是它让人类显得丑陋的真正原因。

阿Q是自我意识的完美呈现，基于自我意识的精神胜利法让他即使被打了也不还手，被欺负了也忍气吞声。

这意识不服务于他自身，而是服务于他身处的陷于其中的未庄社会秩序。

阿Q自我在全书大部分时间是空的，但自我意识却不断地回旋缠绕，让他自觉地小心维护着这个秩序，让他的身体容忍一切的不公。

汪晖如此写道：“阿Q是一个永远不能用自己的思想来思想的人，他永远生活在幻觉里，不断地编织着关于他自己、别人和整个社会的故事。

他有许多故事，有许多关于他自己的‘意识’，却没有自我。

因此，这些瞬间不能从他的意识、自我意识中去寻找，而必须从他的潜意识或本能之中去发掘。

”生活的真实感，我想其关键就在于此。

当我们真正察觉到生活真实存在于眼前，自己是活着，存在着的那些瞬间，从来都不是意识到的。

而是基于本能的、基于直觉与潜意识的，换句话说，来自于被压抑、驯服的身体。

雪莱的《云雀》，抛弃了尘土的自我意识，被无法描述的欢愉充斥。

烈火青云，掠过蓝天。

那是语言所能表达的，最接近生活真实感的状态： 教给我一半你的心　　必定是熟知的欢欣，　　和谐、炽热的激情　　就会流出我的双唇，　　全世界就会像此刻的我——侧耳倾听。

激情来自本能，不是来自意识。

就像阿Q无法被精神胜利法所战胜的几个瞬间，屈辱、饥饿、性欲、反叛，这些在鲁迅的语境中是非常正面的感情。

也是生活的真实感的体现。

再回来看看《空中杀手》，前半部影片，生活在一片正常秩序中的优一是如此缺乏这些真实感啊。

没有失败的屈辱感，没有对爱人的渴望，连口腹之欲都是匮乏的，几次外出寻乐都是被朋友拉着前往。

这样的人，这样的生活，就是虚假的。

怎么办呢？

吾心自洁、无欲无求，竟然还未生就预先把自己给埋了吗。

片中，押井守给的解方是这样的：“即便是同样的道路，也可以在不同的地方落脚。

正因为是同样的道路，才有不同的景色——这样还不够吗？

——还是说，正因为这样，才不够吗”这句话最有趣的地方在于，到底是因为什么才有了不同的景色？

道路是一样的，所以不是来自外在环境的改变，那么产生不同景色的原因也就只剩一个可能性了。

是内在变化，是视觉看向了不同的方向，回忆中对道路有了不同的记忆，又或是爱上了这条安静的小路、恨了这条一成不变的无趣的路。

无论是哪一种，目的都达到了，不同的景色产生了，生活的真实感才能够被把握住。

鲁迅对于生命做到如此真挚的思考，也就是做了革命的寓言。

押井守的真实，他所欲求的其实不是战争啊。

战争是人类的愚蠢本能迸发的时刻，却也是秩序与自我意识（国族主义的形态）被强化到极致的时刻。

他所想追寻的是往昔革命的记忆吧。

那个大学生忙于寻求自我改变的时代，那个写诗、武装，有人时刻准备抛下家庭与国家决战的时代。

所以，片尾的优一不是作为战争游戏的一员去与“教师”决战的。

他在做愚蠢的事，在挑战整个游戏的秩序。

在用愤怒与激情来指挥着身体的行动。

这是革命的故事啊。

去年第一次《空中杀手》看的时候就觉得特别棒，完全是自己喜欢的节奏和风格，用无与伦比的华丽手法讲了一个并没有多少野心的轮回故事。

唯一的缺陷就是片尾字幕结束之后，电影又添上了一段西西弗斯式的最终结局：函南优一的下一任克隆飞行员到达，像函南一样掐断了火柴，随后在水素的办公室里报了到。

下一轮轮回即将开始。

第一次看（包括第二遍刚看完）的时候觉得最后这两分钟完全是画蛇添足，因为电影中神之子不断轮回的设定已经讲得清楚不能再清楚了。

电影的末尾，两个人和一只狗望着空荡荡的天空，最终姗然离去的时候，这一次轮回就已经被完美的完成了：令人扼腕，而且回味悠长。

这个时候偏要往下延续至下一个轮回的起点，颇有些藐视观众智商的嫌疑，明明是大家都心知肚明的事情还偏要用大白话说出来。

难道世上所有的轮回故事都要以下一次轮回的起点作结，才算按照要求完成任务？

简直是和中学生写考试作文时无论如何都要首尾呼应一样教条死板。

破坏余韵啊完全是。

今年是小津去世50周年，这种搞法要让他老人家在天之灵看见，是要挨批评的哟。

但是第二遍结束之后又想了好一会儿，觉得这最后一笔其实并不多余。

因为虽然电影的气氛和情节都一直在构建一个略显伤感的轮回与宿命的世界，但《空中杀手》的最终立意并不停留在单纯感慨轮回和宿命上，而是指向了在让片中大多数人绝望的无尽轮回里隐藏的意义。

也就是说，说到底这不是一个西西弗斯的故事。

"即使路径相同也不代表景色一样，已经走过的路也可以有千变万化的风景。

“这是函南优一战死前的领悟，也是这位指挥官的”二代情人“给她留下的精神遗产。

这个时候我才搞清楚，最后的两分钟的重点并不是函南的再次轮回，而是末了草薙截然不同的态度：片头她见到函南时是很冷淡的，但影片结尾她却面带微笑，对三代目说：“我等了你很久了”。

于是乎，这个乍看彻头彻尾西西弗斯的故事在最后一刻完成了向传统叙事原则的回归：就像几乎所有电影里一样，主角（草薙）经过了一系列事件之后学到了一些东西并改变了自己的想法。

无论是她这个角色还是这部电影，最终依然是往前走的，即使一切都在重复。

“已经走过的路也可以有千变万化的风景”。

真是太让人振奋了。

《天空杀手》一如既往的晦涩与美丽。

空旷的停机坪，那几片大块的云朵，以及掠过耳边呼呼的风声，当让人有种莫名的孤独。

画面的美丽不必在押井守的作品中腔调，这是定理。

有人说极美的画面与简单人物的对照是押井守世界观的外露，透漏着个人对世界的微茫。

一个关于生命有限或者无限的故事，从开篇到结尾，故事本省也是一个不可打破的轮回。

而用三言两句恐怕是无法穷尽的，如果你还没有看过，那最好不要在这里揭开影片的谜底。

也许你不喜欢押井守有些拖沓的叙事，也不喜欢那种看起来就是觉得冷寂的画风，但《空中杀手》的音乐无疑是杰出的，相对于久石让有些童趣与市井的亲切，仿佛是高在苍穹的天籁。

创作者是谙熟殿堂音乐的配乐大师川井宪次。

而早已成为了永久经典的《攻壳机动队》也是川井宪次与押井守合作的作品。

大概，他们的组合也将成为堪比久石让与宫崎骏一样完美的搭配了吧。

从开篇到结束，《空中杀手》的音乐分为：1. main theme_opening2. first sortie3. sail away(vocal)/ CHAKA4. Foo-ko5. main theme_memory6. Mizuki7. surprise attack8. drive-by-wire9. main theme_affair(harp)10. main thema_Blue fish(orgel)11. private sortie12. second sortie13. night sortie14. March hare15. Adler Tag16. Krakow17. main theme_affair18. main thema_blue fish19. final sortie20. Teacher21. main theme_ending从first sortie 到final sortie也正是故事的开篇与结尾。

他们听起来有些相似又略有不同，就像永恒之子的身世之谜一样，我想大概川井宪次在作曲之时，也对《空中杀手》的故事有了非常极其的理解。

而main theme_opening的恢弘和其中仿佛风声一样的冷寂都让人能够达到心灵的共鸣。

不过最后的片尾曲“今夜も星に抱かれて-”由甜美的絢香演唱，寂寥而回归人间的感觉正是影片结束时，观众心情最贴切的写照。

单单是音乐已经足以看出了本次制作押井守所投入的用心了，相信他的故事定不会让人失望。

如果每次的感情都注定是短暂的，你还会投入吗？

该投入多少？

怎么投入？

尼采常常与哲学家们纠缠—个神秘的“众劫回归”观：想想我们经历过的事情吧，想想它们重演如昨，甚至重演本身无休无止地重演下去！

这癫狂的幻念意味着什么？

这就是生命不能承受之轻米兰·昆德拉如是说。

每年都要把The Sky Crawlers翻出来看至少一次。

若不是押井守的死忠就不知道这个60岁的老人、“开始跑人生第二圈”的老左派为着把希望传递给年轻人付出多大勇气。

情节简单到不需要复述。

要说的一切全都融化在东欧风的城市，时而冷峻时而温暖的光线，慵懒的后战争社会，无处安放的青空之中。

永恒之子作为未成年人，却吃喝嫖赌抽五毒俱全，“明天就要死的人，还需要长大吗？

” 孩子不等于没有能力，而是被剥夺了未来的希望，囚禁在 无尽的琐屑日常中。

他们没有自由，也就没有责任。

翱翔在天空中的鸟其实只是在笼中。

我的朋友、我自己，都有一种到了某个年纪之后就不再成长的丧失感。

技能在积累，社会人的常识也可以培养，可整个人就像永恒之子一样，永远衰老，也永远幼稚。

重复走过的道路下，万千变幻的风景。

如此令人陶醉。

今天和昨天没有区别，去年和今年也没有区别。

没有自由和责任，也就没有什么历史。

没有变化、没有需要记住的过往、没有选择、没有痛苦。

然而这样还不够吗？

或者说，正是因为这样，所以才不够吗？

空中杀手中只有两段可以算上”说教“的桥段，其一是草薙水素在酒店里重复世界上的”大人“们官方的说辞，背后的古板人偶都注视着函南优一，水素和人偶们重叠在一起。

这是来自大人的“谕旨”；其二是三矢对函南优一倾泻自己的孤独和无奈，函南优一沉默以对，毫不声张。

这两个桥段与其是押井守故态复萌，不如说是对以往风格的反动。

机动警察和攻壳机动队中的革命者燃烧自己，在痛苦中默认了对“现状”的容忍与妥协。

空中杀手函南优一却改变了原作结局，没有手刃爱人，而是说“你必须活下去，一直到事情得到改变为止”。

草薙水素闻听后抱着自己的爱人失声痛哭。

击败Teacher（Father）就会有改变吗？

谁也不知道。

但总会有仁朗或优一们一次次挑战，水素也会痛苦地活下去，一次次迎接爱人的死亡。

空中杀手是拍给在人生旅途上徘徊不前浑浑噩噩的年轻人们的：不管是专制的国家还是专横的社会，指望靠个人的觉悟去打败之都不现实，可是活着这件事本身就意味着觉悟到自己是谁，不止在熟悉的道路上看到新的风景，还要展望迄今为止连幻想中都不存在的新的世界。

导演在55岁的时候制作了这部电影。

55岁对于我们来说，人生已经过半百，生活是一个沉淀的过程。

曾经的一切要么都已随风而去，要么沉于心底。

片中近乎冷漠的语言，近乎绝望的希望，近乎灰色的色彩。

片中唯一的一段可以说是彩色的片段就是水素回忆的片段，不仅有颜色还有欢笑。

什么叫“永恒”？

“永恒”有多少人在追求？

真正“永恒”时，真的永恒了吗？

仁郎为什么要水素杀他？

水素为什么要优一杀她？

仁郎死后，为什么托身于优一来和水素会面？

也许理清这几个为什么就明白了什么才是永恒...........生活是灰色绝望的，偶尔有点彩色也会转瞬即逝，不可回头的消失在天际。

那我们还能做些什么呢？

那就好好珍惜每天还在关心自己的人，也好好关心在关心自己的人。

虽然知道前方还是绝望和无奈。

我们都是这个美丽世界的孤儿，被人抛弃的同时也还在抛弃别人。

那就不要埋怨任何......因为有些事情如同荆棘鸟，你得付出代价。

很喜欢开头的那段音乐，虽然也是近乎绝望。