局部第一季

作为工业化生产出来的学生，真的没能力也不配欣赏梵高的作品。

从前一直认为线条流畅，画面完整才是一幅好的作品，但是陈丹青老师说，如果梵高在现代永远都画不到这样的水平，我们现在所追求的艺术之美也许只是复制粘贴型的审美。

这样的作品缺乏独特性风格，但我们在初期艺术教育机构里就明确的被告之如何画才是美，才能被录取，这样的教育方式是否本身就与艺术的初衷相悖？

最初是听广播的时候知道文学回忆录，知道木心，知道陈丹青，找来局部看，艺术气氛很浓，想来也是只有上学的时候了解美术史，然而也被考学压力稀释掉。

每天看一集，缓慢的节奏，超脱现实的自由，心灵的放松，虽然不了解很多艺术大师，蒋兆和的流民图之类的，但是听听画背后的小故事，看看画还是挺不错的，而且剪辑的非常好，忽然就很想学习后期剪辑啦。

总之，比 下饭综艺要好看，从第一季开始追。

最早知道陈丹青是他请辞清华美院和某次酒后愤愤的说：“两千年文脉已断”，他一直是个很有争议的人。

前年看《文学回忆录》，喜欢的不得了，这才又一次看到他的名字，《文学回忆录》是木心上世纪八十年代客居纽约时期讲述的他自己的世界文学史，在这长达五年的“文学远征”中，作为当时听课学生之一的陈丹青认真整理那五年的听课笔记结集出版，逾四十万字。

我看时只觉得妙语连珠，于是满篇画着标注，读到此书由衷喜悦的同时也感谢陈丹青的细心编著。

扯远了，说说陈丹青的这个“脱口秀”，名叫《局部》，估计是取“绘画的局部中蕴藏着无数的细节”之意，每集开场的巴赫大提琴（Cello Suite No.1, Prelude ）真是太应景了。

陈丹青表面看着孤傲，他是有这个资本的，但一看到他提前做好的一板一眼的笔记，毕恭毕敬的评说，你就知道这个老先生真的是细致入微且毫无傲气，全是孩子般对艺术的真诚。

看完这十六画意犹未尽，但知道了一些皮毛就会越发显得无知，所以关于艺术理论性的东西我更加不敢多说了。

可是最近记性差了，又怕看完就忘，索性以Tag的形式列举一些关键字，当做简单的观后笔记，方便日后自己查阅（Tag以顿号间隔）。

第一画、千里江山图：王希孟十八岁、早逝的天才、宋徽宗、青绿法、委拉士开兹《宫娥》、“十四岁以后心就不纯了”、“观察之眼即是天分”、十八岁的感知是全息的（就像浑身是摄像头）、“《清明上河图》是世俗繁华的史诗，《千里江山图》是锦绣河山的颂唱”、明清文人画确立了老人符号。

第二画、死亡的胜利：戈佐里《博士来拜》、托斯卡纳圣墓园、撞见的大快乐、《死亡的胜利》《地狱》（布法马可）、黑死病后的狂欢、 “最好看的欧洲画不是油画而是湿壁画，就好比中国最好的画是魏晋唐宋的工笔重彩”、 “早期简单而生猛，元气淋漓当属北魏时期的敦煌壁画，毕加索《格尔尼卡》未必好过北魏壁画”、吓得肝儿颤、云冈石窟、“艺术顶顶要紧的是本能”、“美感需要导引和学习——贡布里希”、米开朗基罗在奥利耶多的取经、西方不避死亡素材《哀悼基督》《马拉之死》、“尸体作为尸体是活生生的”、罗聘《鬼神图》、“东西方对待死亡的看法截然不同，我们绘画的伟大传统是《千里江山图》，不是《死亡的胜利》”。

第三画、人民的胜利：《爸爸永不回来了》、蒋兆和《流民图》、文革遭批斗、中国20世纪最好的人道主义画家、“同情心和恻隐心相比国家和民族永远不是主旋律”、“人在苦难中才更像一个人——孟德斯鸠”、从“反共卖国的大毒草”到“现实主义的爱国主义作品”、“不是蒋兆和先生有历史问题，而是我们的历史大有问题”。

第四画、初习的作品：梵高《海边的渔夫》、梵高霍（van gogh）、南漂少年梵高、库勒慕勒美术馆（一次买300幅的阔太太）、“傻在绘画上行得通，一笔下去憨，再一笔还是憨”、“后印象派三大师——塞尚，高更，梵高”、大巧若拙、左翼画家珂勒惠支《囚人》、王式廓《血衣》。

第五画、巴黎的青年：塞纳河北岸卢浮宫，南岸奥赛美术馆、“气息不搭，画的意思便打了折扣”、“每一种艺术都有它的时代的氛围，灵光一去不复返”、巴齐耶《巴齐耶的画室•拉孔达明街9号》、“意气洋洋的年轻人，一切开始的时候，是最好的时光”、1870普法战争、早逝、场面性的群像、兼有科学和诗意的温和、“光线运用极佳《夏日》，明亮均衡”、年轻人充满希望的清瘦、印象派这群乌合之众的集体记忆。

第六画、谁养艺术家：印象派、莫奈《日出印象》、雷诺阿《舞者》、未完成的画、订件、委托作画、王公贵族的装饰物、文化部长达维特《拿破仑加冕礼》、戈佐里《博士来拜》（炫耀四百佣金）、委拉士开兹《侏儒》系列是有钱有闲的消遣、艺术赞助史、self-employ、印象派伯乐-卢埃尔、文革后“翘尾巴”的时代、巫师-奴隶-公会会员-自由职业、“自由造就了梵高也弄死了梵高”、“艺术取决于人们对它的谈论次数”。

第七画、绘画的放纵：未完成的画、舒伯特《未完成交响乐》、“户外与画室内，时间与速度的差别”、“巴比松画派—米勒、柯罗、杜比尼”、柯罗《南尼大桥》前后两幅、“马蒂斯《蓝裸体》，绘画跟媒材玩”、马奈《贝尔特•莫里索肖像》、“户外作画和吸管颜料的诞生有关”、“达维特《拿破仑跨越阿尔卑斯》，安格尔等与印象派相比及其精细，导致印象派及野兽派无法进入沙龙”、“背景音德彪西是Golliwogg's cake-walk (from Children's Corner)（小明和王猫用的也是这个配乐，好有趣）”、普桑的均衡与古典性、“塞尚和毕沙罗在蓬杜瓦斯共同作画，塞尚的openwork（打开，未关闭的画）影响至深”。

第八画、非正式魅力：未完成的画第三期、毕加索的《格特鲁德•斯坦》、弗洛伊德《沉睡的救济金管理员》、“梵高没有一幅画是不好的，每个人是自己的太阳”、马蒂斯《舞者》、“中国的文人画中一切都是假的，重要的是味道”、“音乐中的印象派—德彪西”、“马拉美—诗不是意象，是字和词”、“中国的文人画是高级官员，一群闲人在玩艺术，不是订件，而是高雅的寄托，与物传神，尽其妙也”、“如何是士夫画？

戾（隶）家画也（所谓书画同源）”、“中国的非正式（unofficial）书法更受推崇”颜真卿《祭侄文稿》、陆机《平复帖》、“碑不如告，告不如书-《书论》”、“如今不是尽其妙也，已是谬甚也”。

第九画、瓦拉东母子：花样百出的巴黎画派、横跨野兽派和立体主义的安德烈•德朗、“瓦拉东是雷诺阿，德加等人的模特”、《出浴》等独有的女性视角的女人体画、“同时做到两件事，文化诱发和本能驱使”、“倔驴塞尚，疯子梵高，侏儒罗特列克，怪人高更。

讨生活的穷姑娘瓦拉东”、毕加索是西班牙式的魔性、“法兰西少男少女的鲁，代表电影:特吕弗《四百击》，路易马勒《再见孩子们》，帕维尔•丘赫莱伊《小偷》”、瓦拉东与安德鲁（她儿子的朋友）入画《亚当与夏娃》、郁特里罗（瓦拉东的儿子）的城市风景画、醉醺醺言道：“这是谁的展览？

”第十画、民国女画家：关于女性画家的政治正确、玛瑞娜•阿布拉莫维奇《艺术家在场》、“没有艺术史，只有艺术家”-贡布里希、赵孟頫的太太管道升《烟雨丛竹图卷》、文淑（文征明的玄孙女，嫁与赵灵均为妻）《萱石图》、民国的关紫兰下笔胆气十足、民国的大家闺秀与上流女性与绘画的气韵、中原绘画入骨的斯文与历史的大气、关良49年后由野兽派转而画戏曲人物、丘堤的静物画必俗而简静（温良恭俭让入了画）、丘堤的《窗外》与上海早已失去的表情（结尾的BGM特别好，不知其名）。

第十一画、徐扬的功德：徐扬等宫廷画家的《乾隆南巡图》和《康熙南巡图》、明清宫廷画的气势、歌川广重与梵高、中国的长卷画与散点透视、移步换景。

长卷画的旷观在古代好比当今的纪录片、中国绘画的写实主义、描写局部复杂到极致、“明清宫廷画比唐宋富丽，比元明雅驯”、“文明的承平期的绘画格调常会趋于烂俗，但未必不好”、“本期在乌镇录制，乌镇的修缮准则是修旧如旧，重温繁华江南旧梦”、谢谢那些为我们留下历史记忆的画家们。

（真是想知道片尾曲的名字，网上查了下好像是张亚东为视频专门作的曲）第十二画、讯息与景别：维托雷•卡帕奇奥绘画中的透视与闲笔的趣味（可惜网上找不到他的画，只能截陈丹青视频的图）、”“西洋画不用长卷而玩纵深，比如穹顶壁画，效果等于广角镜”、“意大利导演贝托鲁奇等导演的景别（eg:《一九零零》和《同流者》），费里尼的《八又二分之一》”、费里尼的《梦书》（一直想买）的绘画非常好看、人的观看本能以致理性管不住目光、《公民凯恩》里拍摄的变化带动了电影的发展、勃鲁盖尔俯瞰式的人物群像、“今天的媒材变了，我们不在需要南巡图和卡帕奇奥，但人的观看意志是不会变的”、（本期讲了很多电影名导，绘画和电影确实是有相通之处的，或者进一步讲，艺术总有相通之处）第十三画、俄罗斯冤案：（本期录于木心美术馆）“在欧洲我们是亚洲人，在亚洲我们是欧洲人—陀思妥耶夫斯基”（一语道出俄罗斯的尴尬处境）、美国的古典音乐差不多是斯拉夫人撑起来的、“俄罗斯文学和欧洲文学分庭而不抗礼，自成高峰，没有俄罗斯文学的欧洲文学是不可想象的”、“列宾的《查波罗什人写信给苏丹王》《伏尔加河上的纤夫》、苏里科夫的《女贵族莫洛佐娃》《攻克雪城》简直好透了，美术史好就好在一山总有二虎”、西方尤其是美国对苏俄的油画并不认同、“中国的先秦悲伤故事也有阳刚气，但到了《西厢记》就只剩哀怨了，可俄罗斯悲伤事也血气方刚”、“苏里科夫的画在回应东正教的传统，他是刻画事件中表情的天才，笨拙而极有力，组构在大场面的每一个人物都有血有肉”、“西方觉得俄罗斯的绘画是文学的附庸，那么西方的绘画又何尝不是圣经的附庸？

”、19世纪的俄罗斯像是中国的唐朝、“俄罗斯绘画的灵魂是苏里科夫而非列宾，俄罗斯文学的灵魂是陀思妥耶夫斯基而非托尔斯泰”、艺术最最要紧的到底是刻画美还是同情和善良（描绘苦难）、“俄罗斯艺术的固执和骄傲是一种过时的品德，她毫不在意世界的眼光。

”第十四画、圣马可教堂：新绘画三翘楚（3C）与新表现主义、“一幅好画的标准是你会不断愿意看下去，而且每次看都会有新的领悟”、“如果你到佛罗伦萨只有一天时间，哪都别去，就去圣马可教堂”、安吉里柯-圣马可教堂二楼的《受胎告知》《哀悼基督》、“在二楼的小禅房里，你会有专心修行的念头，哪怕只是片刻，只是一个幻觉。

看完以后下楼，你就变回俗人。

”、湿壁画的格局依照建筑自身的构造决定其宏伟程度（比如米开朗基罗在西斯廷教堂所绘的《创世纪》）、欧洲最最耐看的还是宗教画、“十三世纪前的画神性太多而人性太少，十五世纪后半叶则人性太多而神性太少”、在圣马可的小禅房你会看到文艺复兴的曙光、简朴静穆而神圣。

第十五画、巨人的战役：派格蒙祭坛的大理石雕刻、“一脸的冤枉，非常憋屈的样子，没有用的，你永远也看不完的，你无法说什么，只能闷闷的看”、高贵的单纯和静穆的伟大、“跟《巨人的战役》比，米开朗基罗简直是个小弟弟。

他要是看到了，汗毛竖立，他会自叹不如，远远不如。

”、“人不能两次踏进同一条河流-赫拉克利特”、艺术没有进步这件事情、“古希腊像是人类的儿童时代，但在雕塑上前无古人后无来者，元气淋漓”、“各民族，各文化之间的艺术不可以率尔比较”、“古巴比伦和古希腊及先秦的雕刻是坟墓的艺术，而古希腊是人的艺术”。

第十六画、杜尚的决定：马塞尔•杜尚与1912年断然放弃了绘画、杜尚和“达达主义”重新定义了艺术这个词、艺术的能指与19世纪相比已经无限扩大、 “你拒绝一件事和你接受一件事，其实是一回事”、“艺术早已声名狼藉，绘画的传播功能如今已经终结，我们活在一个不是绘画的时代”、“绘画已经不再光荣，所以我们现在是一个闲聊绘画的时候”、“不强求自己，也不强求人家”。

那么，第二季再见吧。

每周一期，是为记。

PS:可惜豆瓣影评无法插图，就这样吧。

2015.9.29

看陈丹青录制的《局部》，从头至尾就一个感想：无可奈何。

艺术这玩意，真的是无可奈何的事情，你不懂审美，不会欣赏，不得其门而入，那就是一点办法也没有，学也学不会的。

艺术观赏，本是一项极端个体化，私密化的体验，这种体验发乎本能，出乎直觉，用语言文字是几乎无法表述与传递的，只能在自己心里憋着。

说马蒂斯毕加索好——好在哪里？

洋洋洒洒，长篇累牍地解释这二者的好处，舌敝唇焦，结果必是煞费苦心，听者读者仍是不明所以；同理，勋伯格的音乐，有些人奉若天籁，另一些人则视之为噪音。

在艺术面前，感官永远压制住了语言。

语言是苍白疲乏的，任何一种语言都无法精确描述出一件伟大的艺术品其究竟伟大在何处。

当然，学者们可以通过专业领域的考察来论证其历史，学术以及社会价值，但若从审美的角度出发，这一切则是不可言说的。

在适当的时候，在某个特殊的片刻，语言是可以被取缔的。

文学，哲学，科学都需要语言，但是艺术不需要。

当我们废置了语言，我们便进入了艺术。

“就是梵高这幅这么小的画，我觉得他好，可是我又说不出它为什么好。

我就想，观众可能会问：‘你等一等，你都不知道它怎么好，凭什么说他好？

’这个问题是对的。

我听到这种问题我就想跳河，就想跳楼、投河。

问题是你跳楼、投河，你也说不清这个道理。

我知道人喜欢有个答案，有了答案呢心里就安全，就放心。

可我的脾气是不在乎答案，我喜欢找问题。

“ 这段话的理解绝不应当是像热评中所说的那样鲁莽，试图通过权威对自我鉴赏能力的缺失进行洗白，这是到了一定专业境界后或是艺术感知力较强的人才能够讲的话。

只能说唯一很确定的是，这是一个习惯简化的，习惯提升又不喜欢卖弄的人习惯讲的话。

很客观的说，我多数时候也会有这种感觉，尤其是在阅片量偏低，并没有补充理论知识的前几年。

毕竟“看电影”这项运动，只占我目前为止人生的18分之2。

但学的越多之后发现好像蛮多东西都是有解的，即使记忆点和打动点却有时很不讲理。

我除非费尽心思去琢磨，为了答案而寻求答案，不然我还是讲不出来一句半句，甚至连感觉都无法描述。

我最自然的表达是像旁观者一般对我眼中所看到的这个作品，进行一番装作公平的评判。

这种答案，我一直认为假如可以再学习进展，将来会是极佳的。

听者也可以从里面，间接看出我的所谓三观和审美趣味。

可好像听我说话的人或比较权威，更多是比较懒。

他们没有细品的可能，只想你把最原始的东西、感情直接的呈现出来，且要适合听众的口味，还不能夸大做作。

我好像一直学不会这种做派，还是说我一直不想屈从于这种直给的“肤浅”。

既然生理基础决定人类有大脑会思考，那么为什么非要在某些场合进行退化，或是自我降级。

当我发觉了这种隔阂后，每当别人突击问我牵连到自我情感感受类的问题，我就会习惯躲闪，（立场问题不会，除非刻意隐瞒，或是实在不了解并不想鲁莽判断。

）因为众口难调，不能满足大部分人的答案，即使一再强调主观也是罪恶的。

或者说，我不想显得那么“自作多情”。

这不应该是个一边倒的问题，不应该过于绝对，这会直接牵扯到生活体验。

大家名人可以这样讲，但无名氏不能，这有些不公平，现状就是这样。

我已经饱受抑制情感表达习惯所带来的不公，以及任性随意所带来的后悔，我很想这么讲话。

所以眼下为了将来能够如此讲话，我亦开始找寻答案。

说实话，我不知道这算喜新厌旧吗。

纯感知事物在找到答案后，大几率魅力不再。

就像没有人会再复习1+1=2。

像听美术史一样听课，做笔记。

【第一期 千里江山图】中国山水画的发端比欧洲人所谓风景画早了上千年。

隋的展子虔（北周末隋初《游春图》），唐的李思训、李昭道父子。

台北故宫有李思训的《江山楼阁图》，虽然也可能是后人临摹的，但目前说就这么一张。

他还画过另外一幅画，是以大孤山小孤山作题材，苏东坡曾经拿李思训的画做过一首词。

现在只剩苏词，不剩李画了。

唐以后，短短的五代，出了董源（南唐，《潇湘图卷》）、巨然（南唐，《溪山兰若图》）、荆浩（后梁，《匡庐图》）、关仝，再过六百年，董其昌落笔提款，动不动就拿这几个前辈讲道理。

到了北宋的刘（刘松年）、李（李唐，北宋，《江山小景》）、马（马远，宋，《踏歌图》）、夏（夏圭，北宋，《溪山清远图》），山水画的气格越来越大，路数也越来越多。

【中国山水画的一场意外】这一期讲宋徽宗年代王希孟二十米长的手卷《千里江山图》。

隋唐五代，宋元明清，许多大师都有专门的研究，专门的本子，但是很少看见专门谈论王希孟的著作。

民国的一位叶恭绰（1881-1968）似乎写过一个画论，里头专门有一段文字写得非常精彩，是关于《千里江山图》的。

这幅画现在还在故宫。

王希孟在画的时候只有十八岁。

先看手卷终端的一篇题识：政和三年闰四月一日赐希孟年十八岁，昔在画学为生徒，召入禁中文书库数以画献，未甚工。

上知其性可教，遂诲谕之，亲授其法。

不踰半岁，乃以此图进，上嘉之，因以赐臣……【另一位少年天才委拉士开兹】委拉士开兹20岁被皇宫召进去做宫廷画家，给菲利普四世画了一辈子的像，差不多到了60岁才得到了公众主管的位置。

他在晚年著名的大画《宫娥》当中，特地穿上这件有爵位的衣服，腰里面别了一串钥匙，很郑重地把自己画出来。

【对“孩子”的概念古代和现在完全不同】尼尔·波兹曼（美）《童年的消失》今天，我们在一切领域只划定成人和儿童的区分。

而在农村，有些孩子叫父亲就直接叫名字，这在美国更普遍，跟兄弟一样。

【艺术史上的杰作多是年轻人做的】在一些工艺要求特别精密的手艺中，只招十四岁以下的小徒弟，过了十四岁心不静、不纯了。

过了十八岁，孩子就转向智力。

法国的兰波十九岁就不写诗了；莫扎特、圣桑，身体还没发育就已经开始作曲；米开朗琪罗雕刻《圣母和耶稣》时23岁，雕刻《大卫》时26岁；德拉克罗瓦23岁画《但丁小舟》；毕加索最迷人的玫瑰色时期也就是20岁上下。

绘画是手艺，手艺第一，手艺之上，眼光第一。

眼光分两层，一是观察之眼，一是一边画一边判断自己的画，是经验范畴。

观察之眼不可学不可教，也就是天份。

【十八岁好比崭新的电影】十八岁的感知是全息的。

整体地看隋唐的绘画（李昭道，唐，《明皇幸蜀图》）加上东晋顾恺之（《洛神赋图》）画的山水画，是中国山水画的胚胎和萌芽，是童年期。

早期文艺复兴（桑德罗·波提切利《春》）的意思非常像隋唐的画，一股子少年人的稚气、秀气、灵气和英气。

五代北宋的山水画（李成，五代宋初，《晴峦萧寺图》）格局扩大，气势雄浑（董源，五代南唐，《龙宿郊民图》），用墨慢慢老熟，但是宫廷仍然热衷青绿山水画。

当时的青绿山水也是一种歌功颂德，是主旋律题材。

《千里江山图》的野心远远超过隋唐的展子虔和李思训，王希孟沿袭的全景观是五代北宋开拓的图式，犹有过之。

《千里江山图》开阔得非常具体，每个局部都是一幅画。

通常成年的老熟的大师喜欢做减法，也即取舍和概括；十八岁的王希孟忙着做加法，通篇贵气，清秀逼人。

十八岁干事其实是不自知的，好也好在不自知。

【《清明上河图》vs《千里江山图》】《清明上河图》是世事繁华的史诗，《千里江山图》是锦绣河山的颂唱。

元代王振鹏又有《江山揽胜图》，论画品、气格，到底远不及《千里江山图》。

明清文人画确立了山水画中的老人符号，晚清民初的黄宾虹（《溪山草堂》）、齐白石、张大千又坐实了这类符号的单一想象。

《千里江山图》中则是十八岁的美少年，长几岁、小几岁，都不会有这幅画。

他好像知道，过几年就死了。

（记于2020.2.5）【第二期 死亡的胜利】【无知的好处】意大利比萨斜塔旁边有个圣墓园。

15世纪的戈佐里，佛罗伦萨美第奇宫小告解室《博士来拜》，是整个文艺复兴壁画的一个符号。

木心：“元气就是孩子气。

”【陈丹青发现壁画新大陆】14世纪，博纳米科·布法马可《死亡的胜利》《地狱》，活跃于乔托晚期（对应中国明早期，对照文人画，文征明《携琴访友图》，沈周《三棵梓树图轴》，唐寅《松溪访隐图》）西方艺术史有两三万年，绘画史有两三千年，但是西方绘画史回溯到文艺复兴，也就是13世纪开始讲。

（相当于我们讲到魏晋唐宋这般古老）【油画不是欧洲最伟大的画】欧洲最好看的是湿壁画（原意是“新鲜”，先将研磨好的干粉颜料掺入清水再将颜料涂在刚抹在墙壁表面的湿灰泥上，干燥之后，图案便永久保存于墙壁表面）对应于中国魏晋唐宋的工笔重彩，但是工笔重彩画传世太少；湿壁画在意大利太多了。

湿壁画：《报佳音》，弗拉·安杰利科，圣马克修道院；《圣像》，圣彼德·保罗教堂；《最后的审判》，西斯廷教堂。

意大利：乔托，安吉利科，马萨乔，弗朗切斯卡，利皮，戈佐里，基尔兰达约（拉斐尔的老师）。

到15世纪中叶，文艺复兴盛期出了文艺复兴三杰。

布法马可的画是轰炸后的碎片修复的。

二战中达芬奇《最后的晚餐》壁画屹立于战火，没有损毁。

《死亡的胜利》上面画着棺材、死人堆，画着贵族的男女在游冶、在宴饮、在树林中，上端是天使。

布法马可画完几十年，欧洲发生黑死病，过后庆生时在画旁狂欢。

薄伽丘《十日谈》几次提到布法马可，说他是调皮鬼。

《地狱》画着油锅、毒蛇、巨兽在吞吃下地狱的人，还有大群的圣徒、判官、军队，杀头和将要杀头的，妇女纠结成一团十分恐惧。

【早期艺术的独特魅力】斯宾格勒《西方的没落》：各文明各种文化都有春夏秋冬，生老病死，每个画家、每个画派也都有自己的早期、中期、盛期、晚期然后没落死亡。

早期作品要面对两个历史任务或者说历史机会。

一个是新的主题。

素材一样，但主题不一样，尤其是形式不一样。

所以早期作品再幼稚，它有原创力。

一个是新的工具。

湿壁画到乔托这儿有个新阶段。

新主题新工具互为因果。

到布法马可这儿湿壁画非常壮观。

早期作品都很简单但是生猛，都很幼稚但是天真，都难免粗糙但是精力饱满，即“元气淋漓”。

中国敦煌壁画，唐宋的敦煌壁画最好看、成就最高，如果要论元气淋漓、动人、想象力、生猛，我们会喜欢北魏的壁画。

——龙门石窟（唐）与云冈石窟（北魏）艺术最要紧的是直觉、本能、最新鲜的感受力、可贵的无知。

贡布里希：美感是需要导引和学习的。

【中欧文化的巨大差异】尸体、棺材、屠杀，西方各种艺术一再出现的主题。

罗兰巴特：尸体作为尸体是活生生的。

中国的传统是《千里江山图》而不是《死亡的胜利》。

（记于2020.7.18）

so just like 木心 and 陈丹青 have already pointed many times, the ancient Greece art productions are so much unbelievable and amazing.There are any good points about this art production, for example, the Marcel Duchamp gave up his painting career at the ending of his life because he believe that the classical art time has already past.Additionally, the ancient Greek statuary once have colours on its appearance which shocked me a lot.Anyway, now the point is nowadays what kind of arts do we still need?the beginning of the western culture is for exploring and expressing. The life is complexed and mystery, so art can help us to fight with this boing world, and help us to have a overview of the human being.for the future, we may are in the middle/ gap of two big civilizations, we shouldn’t forget about that.

千里江山图十八岁少年王希孟 艺术与年龄无关，少年的雄心与朝气赋予作品生气勃勃。

年少的未知，探索中的创造力，在创作中做加法，无限的表达和欣喜的尝试，发现大惊喜大惊讶，成就经典。

保留珍贵的孩子气。

死亡的胜利欧洲湿壁画 魏晋唐宋的工笔重彩画 早期作品的元气淋漓，原创力。

早期作品面对的两个历史任务，新主题新工具。

13-14世纪意大利画家：乔托、安杰利科、马萨乔、弗朗切斯卡、利皮、戈佐里《博士来拜》、拉斐尔老师基尔兰达约、布法马可《死亡的胜利》《地狱》 尸体、棺材、屠杀是西方艺术一再出现的主题。

卡拉瓦乔《埋葬耶稣》，大卫《马拉之死》北魏云岗石窟：作品的单纯、雄大气魄 唐代龙门石窟 可是艺术顶顶要紧的，不是知识，不是熟练，不是咱们现在说的所谓文化教养，而是直觉，而是本能，而是那种最最新鲜的感受力，甚至是一种可贵的无知。

艺术史有两三万面，绘画史包括古希腊罗马有两千年。

西方绘画史通常从文艺复兴开始。

人们总是关注成熟鼎盛时期的作品，固然这些作品的完整性技巧性艺术性高超，但早期作品的原创力、生气和表现力更加宏大而震撼。

最初的创造和探索是珍贵的，突破性的。

一路走来，从初创到成熟，是艺术家不断尝试、更新、融合的结果。

人民的胜利蒋兆和《流民图》 毕加索《格尔尼卡》 徐悲鸿 王式廓《血衣》描绘苦难是艺术永恒的主题，苦难往往比幸福更能打动人。

作品中的真挚、血泪，感染着每一个欣赏作品的人。

沉重的笔触，细腻的质感，饱满的感情，各种姿态各种情绪中的人群。

每一个人都会面临生活中的磨难，在痛苦中挣扎、煎熬着，只要精神独立，心灵沉着，我们就不是精神的流民。

初习的作品梵高1853-1890 荷兰时期：下层人民素描 憨，大巧若拙。

法国时期：油画。

后印象派三大画家：塞尚、高更、梵高关注所有画家所有时期的画，会发现不同的惊喜。

早期的作品稚嫩的笔触，不需要高深的技巧，复杂的构思，一笔一笔憨傻地画出来，表现出人和事物本来的特征。

创作的生命力，艺术的作品，在创作者执着的探索和尝试中，以最原始生猛的模样呈现出来。

忆起《月亮和六便士》中斯特里克兰的疯狂和执着，无人理解的对梦想的炙热，完成了自我和艺术的融合。

巴黎的青年塞纳河畔北岸卢浮宫，南岸奥塞美术馆。

最佳状态就是在作品原来的氛围的环绕中看到这副画。

每一种艺术都有它诞生的时刻，都有它生长、生成的那么一个阶段性的灵光，你可以叫那个是文化土壤，你也可以叫那个是时代的气氛，但是这个灵光一闪过后，一去不复返。

印象派：画自己的生活。

早期：马奈、塞尚、德加 后期期：莫奈、雷诺阿、巴齐耶。

梵高 巴齐耶29岁死于普法战争。

他是一个早熟的天才，很年轻就具有马奈和德加那样坚实的造型，同时又有雷诺阿和莫奈那样把握丰富色彩和微妙光影的能力，还有画场面性群像的能力，看上去不费劲、不着痕迹。

《画室》它就像一个早晨，像一个日子，像我们所有人都有过的一个青春的记忆。

《家庭团聚》《夏日》马奈潇洒和丰润，毕沙罗朴厚，德加神经质、穿透力和敏感度、杰出的造型能力，莫奈变化无穷，虽然已经有革命性的变化，仍然在前期浪漫主义的影响下，相对风格化，各有各激情的出口。

只有巴齐耶比较理性中性，兼有科学和诗意。

艺术和其诞生的环境是融为一体的，一旦离开最初的环境，艺术品的文化气息就会被破坏。

灵感总是在生活中的某个微妙时刻迸发出来，能够将其记录下来是一种运气。

青春，灵感，和那些美妙的时刻终将一去不复返。

我们在这些绘画作品中感受一点温情和希望，仿佛抓住了稍纵即逝的美好时光和那黄昏时刻的最后一缕阳光。

谁养艺术家十九世纪之前的绘画基本是订件。

委拉士开兹《侏儒系列》 伦勃朗《夜巡》 工业革命之后，需求变了，绘画的风格主题也就变了，艺术的功能变了。

到了十九世纪中期，不再是订件，而是独立的自由职业艺术家，自己决定绘画的内容和形式。

未完成的画画家：巫师—奴隶—画匠—宫廷画家/同业协会画家—自由职业画家。

宗教画、历史画、风景画、风俗画、肖像画、文人画从订件时代到自由画家，艺术家的创作天分和灵感得到解放。

从满足需求，到对绘画的自我追求，是个人意志的一种解放。

人们在变得越来越自由的过程中，展现出不同的风格，表达出独特的自我，呈现出丰富的作品和创造力。

同样，在自由的年代也无法出现委拉士开兹和提香那样的宫廷画家和其饱满精美的美术作品，也不会有教堂回廊上拉斐尔和戈佐里宏大的湿壁画。

不同的时代造就了不同的艺术，不同的艺术也表现出不同的时代特征。

绘画的放纵巴比松画派：柯罗、米勒 马奈《莫里索肖像》莫奈《日出.印象》 艺术趣味确立起来改变蛮难得，十七八世纪的普桑、达维特、安格尔已经使当时的绘画画到非常精细，无以复加，所以公众看不惯印象派的画。

绘画的规矩一旦破了，一个问题出现了，一幅画怎样才算画完。

毕沙罗注意到物象的无穷的变化，颜料一遍遍覆盖，他给了美术史一个命题，一幅画可以无穷无尽地画下去。

毕沙罗是塞尚的老师，在蓬杜瓦斯的作品。

塞尚有一个古典的理想，要回到普桑的均衡，可实现到他的画上是他注意物体的边缘，当中经常不画。

打开的作品，你可以在塞尚的每幅画中看到他画到一半的样子。

二十世纪的现代主义大师们从塞尚未完成的、拆散的各个绘画的角落，个人取一端，就慢慢出现了立体派，乃至影响到后来的抽象画。

一幅画可以不画完，可以无穷无尽地画下去。

艺术的形式多种多样，欣赏艺术的眼光也应当是包容的丰富的。

不管是普桑和安格尔精细到无以复加的作品，还是马奈和塞尚打开的作品，或是马蒂斯和毕加索的立体主义，都是经典的作品。

未完成的作品中包含着开放性和无穷无尽的意味，没有结束，可以反复琢磨，将此后每个时刻的灵感都融入到最初的绘画中。

从不同的角度观察、欣赏和创作，无论艺术或生活。

非正式魅力宋末元初 赵孟頫、钱选 卢西安.弗洛伊德：具像画家 希腊人、罗马人、文艺复兴人都有一个规则在那画画，可是到了梵高开始，每个人必须做自己的太阳。

一幅画框起来，挂上墙就死了。

——毕加索文人画家确立的绘画态度：绘画中的一切都是假的，画这副画的心情要比这副画重要，无所谓画完不画完。

这样的态度和意识欧洲到十九世纪印象派时期才醒过来。

音乐的印象派：德彪西 波德莱尔、马拉美：调理字和词中国古代当官的画家。

他不是为了卖，更不是为了订件，而是为了消遣，一种寄托，是一种自我给予的更雅的身份，在交际中有重要作用。

中国画的所谓传神，所谓尽其妙也。

文人画水墨画的核心价值观就是神啊妙啊，无所谓画完不画完。

隶泛指书法，书画同源。

天才的未完成的作品是一种神韵与意味无穷。

艺术是对自我的表达，不是为了完成，恰到好处之时停下来，才能物尽传神。

中国画的写意传神，西洋画从早期的精美完整发展到印象派和现代主义的变幻无穷，是人们对自我表达的解放。

艺术不必追求完美，而是恰到好处。

1⃣️0⃣️ 《民国女画家》陈丹青先生说起民国女画家的时候，嘴角带着一抹温情的微笑，然后缓缓地、缓缓地说着话，话语如同暖阳之光，不同于之前的冷寂静谧，它从窗外洋洋洒洒、正大光明地浸入我们的躯体与思想。

原创|小孙字典没输字民国时代可以说是女性崛起的年代，从林徽因、宋氏三姐妹、陆小曼和杨绛等等，这些女人从外貌亦或是智慧都独具韵味，这些女性追求平等、渴望成功的欲望很强烈。

我们也能感悟到她们的倔强，感悟到她们如何义无反顾地创造生命，仿佛为当初战争年代的灰暗里加添了希望。

原创|小孙字典没输字这次提到两位中国女画家，一位是上海女子关紫兰先生，明艳的长相养出来一团静气，这团静气在画笔中也得以晕染开来，下笔颇有胆气，画笔纵横涂抹表现出娴静艳丽的欢愉气息。

而关紫兰的后半生大隐隐于市却也不掩她侠情柔骨的另一面，她施以援手资助恩师的孩子上学，鼎力相助恩师的家人归国，那层美丽的外表下流淌着人类的高尚品德。

人至暮年的她成了穿行上海弄堂间的妇人，偶尔爱去铜仁路喝咖啡，每月会去理发店修饰自己，嘱咐子女在她去世后洒骨灰到西湖，这样可以每年到西湖旅游，正是这样淡泊的态度成全她与世界一次坦诚的相知相惜。

原创|小孙字典没输字曾经名噪一时的关紫兰先生这一生也给我们启示，女人到了一定的年纪，即使是独一无二的也需向统一退让，即使是自由的也需向规则妥协，即使有着孤独的魂魄也需亲近群体，这才是能延续自己的生命。

原创|小孙字典没输字另一位民国女性画家丘堤先生，她不同留学日本的关紫兰先生那东洋路数，而是典型的法国路数，受到法国留学的丈夫影响，她掌握了温和的“立体主义”架构，画作有一种素简的气息，旧日的温良恭俭入了画魂，笔者偏爱她的《栀子花》，浓淡恰到好处，不温不火的风格使得物体有一种通透感。

看着《静物之二》光线洒在物体上面，让我们卸下生活的铠甲为《静物之二》里的物件和阳光停下来，感受到了一股佛的慈心。

原创|小孙字典没输字这期视频是最喜欢的，她们带着积淀时光的风雅碎步，轻轻叩响笔者的心门，相信这期视频会给你沉淀浮躁的内心，让你看到另一端日子的艰难与温情。

1⃣️1⃣️《徐杨的功德》世人皆知《清明上河图》，当我们的目光被它吸引的时候，再去看还有一副画也存在着重大的意义，这就是徐杨所绘的《乾隆南巡图》，每一个笔触都铿锵有力，那些风光、壮观的画面，不过因为是宫廷画师徐杨们在我们看不见的时候，流下了想象不到的汗水。

原创|小孙字典没输字这副画全凭画家的高超记忆力和精湛技术，描绘乾隆十六年乾隆皇帝第一次南巡的情景，让当时的“人间天堂，盛世繁华”的苏州城盛况出现在世人眼里，这是一件非常有历史价值的作品，真实反应当时社会风貌的纪实风格画卷。

中国拥有千年悠久的历史文化，我们作为炎黄子孙在历史的长河中寻找到一份情感的寄托，这样的画卷给后世遗留下了令人惊叹的历史。

嘿！

从室内到户外，换地盘了！

哈哈哈！

豁然开朗！

1⃣️2⃣️《讯息与景别》话说陈丹青老师提到画家卡帕奇奥眼睛不安分的时候，笔者不由得联想到疫情前那个无比快乐看着各路无名帅哥的自己，不安分的眼神也是捕捉美的眼睛，画下神明赐予世界的丑陋与美丽，即使是猖獗的丑陋，经过画家的神来之笔在观众眼中也只有满纸诉无尽的美丽，如火如荼地怒放，跃然纸上的智慧与美丽让后人的眼眸触及心灵并且重读信仰。

原创|小孙字典没输字卡帕齐奥的透视法，永远设定观众在现场，从观众的位置看出去，远远望去有很多人游荡。

而说到透视法，中国的长卷画与散点透视、移步换景相关，其“旷观”视角在古代好比纪录片的写实角度，然而这样“旷观”的角度就此止步于徐扬和王希孟，这样的美术史秘密就永远遗失了，去世的艺术家就此永远沉默了。

原创|小孙字典没输字不知为啥陈丹青先生在乌镇老宅前莫名流露出一种羞涩的感觉，乌镇也是很喜爱的古镇，尤其是晚上的乌镇夜色很迷人，暖黄色的灯光，那种暖色让人驻足留恋，早上那么多人瞬间消隐在低垂的夜景里，乌镇，按照旷观角度东栅的原生态文化底蕴、西栅的繁华喧嚣，如果是卡帕齐奥的透视法那就是亦或是泛舟在迷离的水乡上，遇颇有雅兴的船家即兴哼唱，亦或是找家有热气腾腾的小饭馆儿，惬意的吃着美味佳肴（记得光盘！

），亦或是石桥上看着灯火辉煌的建筑。

原创|小孙字典没输字以眼画美景，以笔写美景，以心记美景，这个场景从未离开过。

感谢当下在高晓松之后终于有人想起了他以前我都是看央10《人物》他在里面牛逼炸但是并不了解又极端渴望接近他我觉得很多是非假象在这节目之后就烟消云散了吧老师真的很严谨他说的每句话是那么的实在真善美过目不忘假丑恶灰飞烟灭高晓松如果不搞笑扯皮收视率会很惨老师那隔着镜片后面真知的眼神也许有人不爱看但是不打紧因为他的话很难让人忘记我想这个时代更需要他卖嘴皮与传道授业高下立判当然看了高晓松这三年不能提裤不认账只是要是我孩子大了我希望他先接触到的是陈丹青老师---与同学聊起来说到艺术了 立马觉得逼格搞高了不好聊他顿了顿说 并不是做饭是艺术 带孩子也是艺术把事儿整美了 都是艺术浅泛而谈 大抵如此只是躺在夜里会想如何真正的接近艺术如何去画一张美丽的画有时很难寻找答案幸而老师说了一些话告知了一些可改变也告知了一些不可能倍感欣慰！

我们活的很被动在真正的学校里没有几个好老师被挤牙膏一样一点儿点儿推出了校园出了校园没有了考核的压力一下子就卸掉了本不爱并不属于我们的知识脱下沉重的枷锁之后才看见了本身真正喜爱的东西却发现没有老师教无从上手又发现市面上可供学习的书总云里雾里这时候就能感受到这个时代多么需要陈丹青老师---夸赞的话收住说几句别的感言首先 这部片子里的审美观基本上坐实了现在综艺节目最高逼格场景简单 什么也没有标榜却有浓烈的艺术气息其次 动画的配置上及到位不管是名画的动态图还是搭配语言的装饰效果都有着极高审美并不是现在泛滥的飞碟说风格肯定是老师自己把关过的吧讲解中一些稍微生涩的东西都会加以备注 老师自己也会解释老少咸宜其中有一些话我觉得适用于父母对子女的教育由此可见老师是真的棒-老师是有点老了真的没那么愤青了带着眼镜就是慈祥的长辈望节目长久可看做老师的学生乐此不疲！！！