里夫金的电影节

7.3自命不凡，我其实也是，不是那种“我家里有的是钱所以不用看别人脸色替别人卖命”式的自命不凡，而是具体到每句话的表达方式，我这样表达才对，你说的都是不对的。

每个人都喜欢弗兰克·卡普拉，我不喜欢，里夫金不喜欢《生活多美好》。

海明威曾经说世界是美好的，值得我们为之奋斗，摩根弗里曼在《七宗罪》里只同意后半句，我只同意前半句。

对于我来说，最好的事情就是里夫金那本书永远没写出来，就过海德格尔的那种存在时间，认同脑海里自我世界。

伊萨克·伯格教授——如果你们还记得他是谁——是被排除在所有人际关系之外的人，里夫金也是。

我很小的时候看过《野草莓》，并没有感觉到其中趣味。

终于似乎有点明白了，伊萨克的生活是静态的，是死水，但里夫金生活在吵闹中，一种纽约中产的吵闹，又波澜不惊，唯一一次夫妇共同高潮是听到法官对离婚的宣判。

刚刚听医生夫妻吵架过后依然在问你最喜欢纽约中央公园的哪里，妙不可言，纵然以前一定在伍迪艾伦片中见过类似的感觉，还是妙不可言。

也有糟糕之处，当然，因为他是伍迪艾伦，所以又没那么糟糕。

如果要做梦，最好不要提醒大家这是梦，而是直接醒来，这也并不是说一定需要那个睁眼挺身的动作。

如果有旁白，最好不要让那位妻子单独在现实里与法国导演碰面，让法国导演抚摸她的脸，且不说这是谁看到的，这个瞬间的意义甚微，有种做单口喜剧时要把每份有一丁点儿联系的笑话都和盘托出的感觉。

迷影致敬时常能看见翻江倒海的爱意，这几天看了关于卓别林的，关于梅里埃的，反而虚假，因为坏无非就是好过了头。

不过好像大致能明白文艺青年的伍迪艾伦情结从何而来了，也明白为何许多人会反感有这种伍迪艾伦情结的文艺青年了，我没什么伍迪艾伦情结，也没有反情结。

《安妮霍尔》《我心深处》《曼哈顿》《星尘往事》是伍迪艾伦导演上升期，《西力传》是目前观影感受最佳。

伍迪艾伦可能还能拍出了不起的作品，但这部是在说，就算拍不出也没关系，已经有足够多了。

是死亡逼着人们回顾生命，但和《第七封印》里的态度不同，里夫金和死神都在向前看，而非回头。

伯格曼想人们将当前信仰同过去生命的虚无和解，这部影片里是对于虚无的信仰与空虚的生活和解。

当年在《中央公园西路》里写的是“如果让我描述生活是什么，那就是无聊。

哲学家们称之为荒诞，但他们的真正意思是无聊”，而死亡催促下的伍迪艾伦已经开始区分无聊和无意义两种不同概念了。

下着棋慢慢被死神说服，还是别拍了，导演。

《午夜巴塞罗那》的时候还在说这一代人们已经不可能放弃自尊心，毫无保留，在圣塞巴斯蒂安竟然摆出这么一副认命姿态。

死神还真的在淡出，不忘回头叮嘱，那一瞬间还是很触动啊。

秘诀是多吃水果蔬菜，戒断饱和脂肪，一定要锻炼，强度不必很大，但频率要高，别吃加工食品，别忘了结肠镜检查。

他们身上明确有着相似的地方，不仅仅是爱好与志趣，也有对爱情那近乎自我惩罚式的忠诚与洁癖。

但个体的道德感已然无法对抗复杂的现实，莫测的末来不比严酷的当下更值得寄托。

人性无常，或许把握自我才是生活的超越之道。

里夫金的虚无主义，被死神的一些世俗建议击退了：放奔写作、安心教书，在无聊的爱情里寻找快乐，便是通往解脱的路径。

里夫金想到了被西西弗斯这一意象折磨的过去，他第一次认识到了，加缪于《西西弗斯神话》 中阐明的真正的智慧。

《里夫金的电影节》 讲的是两个电影节的故事。

浅层的是现实中的圣塞巴斯蒂安电影节，深层的则是里夫金自己，于潜意识层面建构起的“电影节”，前者浮夸、造作，后者诚实、深刻，两相对照，妙趣横生。

梦境中的电影展示迷影气质十足，致敬、戏仿片目的选择也是颇具巧思。

伍迪艾伦的电影一直都有一种复杂的特质，它明确承认幻想的诱惑，又在幻想后带我们回归现实；它毫不掩饰对于超越思维的向往，却又总用看似犬儒的现实逻辑消解崇高精神的光环。

前者是反好菜坞主流叙事，是彰显人性的艺术精神；后者是悲观的人生观念展露。

从这个意义上说，艺术明确为一种救赎方式，艺术创作便是西西弗斯的受罚过程，尽管无法动摇人类悲剧的本质，主动性与选择便能使意义得以呈现。

伍迪·艾伦自从1960年代末投身电影创作以来几乎从未间断，每年一部，除了1974和2018年。

《里夫金的电影节》(Rifkin’s Festival)是他作品名录中的最后一部，出自2020年，艾伦85岁的时候。

这部电影无法进入他几十部作品中的最佳之列，或许连平均水平也没达到，但就像厨艺大师用最后的边角余料做成的一道告别小菜，即使拍个黄瓜也仍有风骨，值得品尝。

艾伦电影中经常出现的环境与语境熟悉而亲切，一群不用为通胀和房贷发愁的人永远将时间花在琢磨性、爱与生命终结的意义上，以神经质中透着幽默的方式。

他们打心眼里着急的是通俗创作固然挣钱，可怎么也无法实现想象中的高雅追求，所以为写得好剧本但写不出小说而感到深刻的自卑，另外的主要苦恼往往来自模仿能力不错但总感觉原创性缺乏。

扮演主角的演员Wallace Shawn最早出现在艾伦电影中是1979年的《曼哈顿》(Manhattan)，身份为教授，40多年后的这部作品中他的身份仍为教授。

画家形象也常在艾伦电影中出现，当然其中没有任何一位能够抵抗住裸模的诱惑。

也跟伍迪·艾伦从前几乎所有的电影里一样，世界上没有幸福的婚姻，只有出轨的男女。

这部电影中的妻子建议丈夫引入一位英俊导演共同生活，她和导演睡床，丈夫睡沙发，巴黎左岸常见的样式。

丈夫听到后的反应跟问早餐煎两个还是三个鸡蛋一样，根本没有震怒，而是温和地问到，这个想法对于纽约布朗区长大的中产阶级犹太人来说是否有点过于波西米亚？

其实整部电影看下来一点也不惊喜，还是那个熟悉的伍迪•艾伦，但我就是乐意看到这样的伍迪•艾伦。

他的絮叨、戏谑调侃、小布尔乔亚情怀等我不再赘述，几乎每部他的电影里都能看到这些经典元素。

对于《第七封印》《祖与占》《公民凯恩》《八部半》等等这些电影的致敬我也不多分析，我看其他影评有把这一点讲得非常好的。

我更想谈的，是作为影迷、艺术迷的小老头儿，是怎么展现自己艺术情结的。

影片的故事很简单，就是一对夫妻在电影节上双双出轨的故事。

Sue比Mort小三十岁，当年嫁给他是因为爱上了他大脑里那些缤纷的东西——可要让夫妻生活和谐，光是欣赏对方的大脑可是远远不够，形而下的不和谐终会把那点爱意给磨没，出轨也就成了必然。

但是伍迪显然无意于在传统婚姻爱情观的主题上去深挖，他只想借男主之口聊电影和艺术。

而以这样的故事为框架，一来是为了表明自己与传统美国导演在一定程度上的划清界限:他喜欢欧洲电影，向往法式浪漫，这样的爱情关系很明显是向《祖与占》致敬。

二来，这样的人物关系设定也更好展现男主的窝囊，从而方便伍迪戏谑人性。

理查德•耶茨在《十一种孤独》里提到，作家最难写作家。

同理，导演最难在电影里讲电影，再放到伍迪•艾伦身上，咱还可以加一条，他该如何展现自己对艺术、哲学的思考。

这些思考如果没讲好，就会让电影像一堂大学课。

致敬并不难，我们经常在电影里看到致敬的镜头，但很多作品都是以复刻经典来表达自己的喜爱，伍迪在喜爱之上对其有辩证的思考，所以你不光能看到复刻，还能看到他的创新，比如末尾对《第七封印》的解构可以说是非常像他做得出来的事了。

（这段真的超好笑）

有一段，当Mort陷入回忆，来到一场家庭饭局上，被要求推荐些电影时，Mort说了稻垣浩的《忠臣藏》和黑泽明的《影武者》，场面瞬间尴尬。

为什么？

或许是因为，他们期待Mort讲一些能在饭桌上供大家讨论的东西，而不是“乱七八糟的”的冷门电影。

所以从这里也可以看出，对于很多人来说，艺术不过是生活的点缀品，就像现在的电影节愈发失去它本身的意义而变成了名利场。

就像Sue所谓对Mort才华的欣赏，或许连她自己都不知道自己欣赏的是什么。

在Mort的世界里，艺术始终是高于一切的，真正思想上的伟大是他渴求的生活的全部，他要写小说，要向陀思妥耶夫斯基看齐，可是身边的人只会附庸风雅，晒晒太阳，在沙滩上偷情，过着小布尔乔亚的人生。

Mort愤恨吗？

或许一开始有吧，但是这点愤恨在他见到Jo医生的时候，就全部瓦解了，然后他也在爱情里盲目，变成了他自己讨厌的、世俗的样子。

由此可见，伍迪对于这些中产阶级的讽刺真是入木三分。

其实蛮佩服伍迪的一点，就是他真的做到了一辈子只拍一部电影。

（之前看到一句话忘了谁说的了，那句话说伟大的导演一辈子只拍一部电影。

）虽然说每个导演都有自己永恒的主题，比如王家卫总在展现痴男怨女的错过，但是咱也能看得到他在不断创新，《一代宗师》就是一部极具野心之作。

但伍迪的故事和角色，总是中产阶级的那点不咸不淡的日常，他从不拍史诗，也似乎没什么社会人文的关怀，对此，他自己在这部电影里对这个问题做出了回答:

就是这么个信奉存在主义的、幽默风趣的老头儿，在八十多岁推出的新作依然能看到他旺盛的活力。

我看过许多导演晚年的作品，大多会有一点对岁月的哀婉，或者想讲点什么人生道理，做个留下智慧的长辈。

但是伍迪真的无意于此——更不用提在这个年纪，丑闻重新被翻出来后对于他生活的影响。

不至于像波兰斯基拍《我控诉》一样，但总觉得他应该回应一点什么吧，或者“稳重”一些，不要继续做个“顽童”，但他都没有。

他似乎就从不在意这些，不在意非洲还有多少人吃不饱饭，不在意战争给人类文明带来的伤害，不在意社会上的运动和党派之间的相互倾轧，排除这些现实主义的“大”情绪，他有自己的“小”世界:在巴塞罗那、巴黎或者纽约的街头，一个没那么绅士的绅士遇上一个没那么淑女的淑女，在略显可笑的遭际中意乱情迷，酝酿着属于形而上的“伟大”。

他也明了，人生到底不全是虚无，身体的病痛、现实的情欲都会让一个存在主义的忠实信徒暂时忘掉那些理论，把自己变成啼笑皆非的男女追逐戏里的“丑角”。

所以这或许也是伍迪面对经典电影时的困境:在迷影的局外人和局内人之间摇摆不定，既希望自己只做个小粉丝，又想做个伟大的导演。

出生太晚的人，看到前人的杰作，都会觉得自己像在等待戈多的傻子，或许新的艺术高度会在自己手里到来，或许它永远不会来。

但不论到来与否，自己在前人面前都该羞愧，为自己天赋的迟钝道歉。

伍迪当了五十多年的导演，他没有因为年岁的增长而变成一个忧郁深沉的“前辈”或“族长”，他始终在焦虑，哪怕主角变成一个老头儿，他也没有让这老头儿好过，Mort的窝囊也许就是伍迪对很多像自己一样的同辈人的感觉。

伍迪的电影很适合在一家小酒馆或者咖啡屋，搞个专场放映，中产阶级们听着爵士乐聊着天，有一搭没一搭地看他的电影，听这老头儿小嘴叭叭，以戏谑的方式揭下这群知识分子西装革履下虚伪丑陋的一面——不过这一点也不会让人生气，因为人生本就有很多无可奈何的荒诞。

加缪《西西弗神话》【如果说加缪一生创作和思考的两大主题就是“荒诞”和“反抗”的话，那么哲理随笔《西西弗神话》就是加缪对于荒诞哲理最深入和集中的考察以及最透彻和清晰的阐释。

】

他总是喜欢以一种轻松戏谑的语调讲述我们生活中无法接受的挫折

不过也是，毕竟人生没什么过不去的坎，也没必要一直与自己较劲

人生的虚无感或许来自于再无追求与渴望

若有所追求 即使辛苦也是有意义的电影是在胶片上的梦，梦里有巴黎的雨景，梦里有贝果配上巧克力，梦里的伏特加放柠檬，梦里丢下抛锚的车 在盘山路上吹风前行……不完全统计:(后期二刷时继续统计被cue电影）《公民凯恩》《八部半》《祖与占》《一个男人和一个女人》 《精疲力尽》《假面》《野草莓》《泯灭天使》《第七封印》

#2021年上海国际电影节# 6月18日 UME影城（上海新天地店）四星。

非常临时地帮朋友和自己收到了周五晚上的《里夫金的电影节》。

第一轮抢票它就在我的清单里，奈何它火速售罄。

17号，因为临时被告知周五下午要在市区办公，就很紧急地在豆瓣和微信小程序收了票。

没想到周五下午意外加班，只能在暴雨里赶场，地铁站里狂奔，再次重演上周六的生死时速。

说到收票也是挺神奇。

从豆瓣一个哥们儿手里收了张票，因为已经取票了，时间又不太够，只能约好面交。

结果因为我加班，出票的哥们儿赶场，来不及等我，就把票留在了一家久久丫。

这两年出票、收票也不少，第一次通过这种有点“原始”的方式拿到票，觉得很奇妙。

说回电影，其实没有太多需要评价的地方。

伍迪·艾伦对于我来说很陌生，影片里致敬的那些经典电影画面就更陌生了。

不了解他的一贯风格，可能观影体验的确会有折损。

但是抛开这些不谈，这部电影的结构精巧，轻松明快，在一个加班后的周五雨夜看，体验还是十分愉快的。

影片里随时都在自嘲和调侃，我觉得特别有趣的一个点是，影片里是电影节，影片外也是电影节，电影里电影外大家都在热闹赶场，节日气氛十分浓郁了。

又一年的Woody Allen，边看边嘲笑他卖老梗掉书袋，就像他在电影里借主角一直孜孜不倦地黑自己那样。

但结局又有点出人意料，这一次这个Woody Allen avatar没有像其他任何一部老头的电影里最后那样撩得美人归，而是思考起了自己是否真的已经老去不再妙趣横生，”maybe I was a little too rigid in my approach."18年那些事对他还是有影响。

他再一次深陷风波，遭到抵制，写了一本“500多页的无聊玩意，全是前戏没有高潮”的自传为自己辩白，转战欧洲资本但此电影也反响平平。

Woody Allen尽管一直善于拿自己的snobby和neurosis自黑，但一直以来还是那么自傲不凡，会安排电影里男主泡到比自己小很多的妹子。

中年婚姻老婆出轨怎么办，没关系，我能找到比老婆更年轻的出轨对象，而且还懂存在主义。

自己已经80多岁不再年轻怎么办，也没关系，我可以找甜茶当男主，让他变成年轻版的我来泡年轻妹子。

伍迪艾伦10年之后一系列电影，除了Blue Jasmine之外无不是在做这样的主题拓展。

他的power of sexuality一直随着黑知识分子、大学教师、电影从业者、明星的段子而活跃有力。

只有蓝色茉莉，看出了他一点疲惫，而在Rifkin里则看到他已经开始在反思：我是不是已经没法逗人开心了，我是不是已经失去了魔力？

当然他不可能退休，老头子早就说了他要拍电影到死，这次借着《第七封印》的死神也透露了点他的养生秘诀，不抽烟，多吃水果蔬菜，“lay off the saturated fat, make sure to exercise, no processed food, and don't foget the colonoscopy." 听到这样的lines，我本该会觉得很开心很好笑的，但此刻却止不住地感到迟暮一般的抱歉难过。

电影里一段段的迷影桥段是给喜欢伯格曼、布努埃尔和特吕弗的点缀小樱桃，让人短暂开心了一下，但这整块蛋糕却显得有些苦涩。

一方面，你觉得梗都已经听过一万遍了，再好笑也经不过兜兜转转那么些肤浅之词；另一方面，无论是导演还是你，都在反思这段旅程是否该继续，是不是非常遗憾呢。

最后还是很喜欢电影里一些出彩的小台词，这是伍迪艾伦电影里现在最让人感到熟悉又安心的符号了。

“Do you have any ideas of how to use one of those automoble jack?" -"No, but I can type."”Maybe your life is not empty, it's meaningless. Don't confuse the two."如此黑intellectual，全世界可能也只有Woody Allen了。

到现在，看伍迪艾伦的电影也十几年了，从汉娜姐妹，奇异博士，到后来的赛末点，午夜系列，再到近期的咖啡公社和摩天轮，我也想不起来有哪位导演每年会定时定量的来和我见面了，看他的片已经从观影本身这个行为变成了一个诡异的一期一会的行为。

伍迪艾伦仿佛家里的一个远房话唠舅舅。

每年过年见面都有到你家跟你逼逼一两个小时，话多的你根本插不上嘴。

初时会觉着烦人，但时间长了，这似乎成了习惯，居然会开始期待他过年的时候来家里，这回又要跟你逼逼哪些他的所见所闻。

也许每次听完都记不住他说了些啥，但听的过程本身是愉悦的，这个舅舅也放弃那些知识分子的身段，越来越会讲故事了。

伍迪艾伦的电影也在潜移默化中构成了我脑海中对“纽约”这个未经之地的的一部分概念。

看《里夫金电影节》的两个小时，几乎是我近期最开心的两个小时了，从“八部半”的段落开始，谢耳朵的准外公把新浪潮的导演们挨个调戏了一边。

包括我最爱的《占与祖》。

片子看完，我怀着无比愉快的心情在豆瓣上给电影打了个三星，然后把《占与祖》和《随心所欲》翻出来看了一遍。

心里想着，的确，就像伍迪艾伦自己说的，他永远也成不了一个电影艺术家。

不知道是不是年纪长了，看电影，看剧的时候已经没有那么在乎电影本身带给我的能量和共鸣，而是越发感谢他们每次陪伴我度过的那几个小时。

两年前的《爱尔兰人》就是如此，看着德尼罗颤颤巍巍的身躯演一个三十岁的壮年小伙，看着老马还在坚持着用老学校的办法来讲求一个故事，我的同情一下就跳到了电影之外。

就像看着一个曾经叱诧江湖的老炮，还在独身面对这个已经不讲武德的江湖，行将就木之前手中还紧握着兵器。

而我就无所适从的站在一旁，一丁点儿办法都没有。

《生活大爆炸》完结的时候，我缓了好长一段时间才回过神来，如同一位每礼拜都见面的好友告诉你他要出国了一样。

你只能强装镇定的，说上一句一路顺风。

所以啊，祝福上述的两个犹太小老头还有那些从未谋面但，陪伴过我的导演和作者们长命百岁，死性不改。

让我们在想起还有欠债和一堆破工作的时候有地方可以逃避

如果说伍迪·艾伦上一部作品是写给纽约的情书，那么这部新片《里夫金的电影节》就是一封写给电影的情书。

伍迪·艾伦并不是第一次用自己的创作向影坛大师致敬，他早在80年代的《我心深处》就已经向偶像伯格曼导演精彩地致敬过，不过在新片中如此密集地向各位大师“献媚”，表露其忠诚的迷影身份实属罕见。

考虑到导演年届八旬的年龄，影片越看越有一丝黯然神伤的意味，也许这就是电影大师的共性，他们到了创作晚年总免不了要怀旧一把，在昔日的辉煌岁月里找回安慰感。

影片故事发生在电影节举行期间，一对美国夫妇去参加电影节，中途却双双出轨：妻子和一个有才华的法国导演发生婚外情，丈夫爱上了一个漂亮的当地女子。

片中穿插了影史经典作品的标志性段落，从《野草莓》《八部半》到《祖与占》《筋疲力尽》再到《第七封印》等等不一而足，充满戏谑和幽默的意味，比如男主角在梦中看到两位女演员用瑞典语重现《假面》的一幕，或者是《第七封印》里的死神劝诫男主角多注意养生的建议。

对这些大师经典作品了如指掌的资深影迷来看，艾伦这些妙想天开的致敬场景想必迷人而惊喜，而对于不熟悉的朋友来说，应该和片中餐桌旁的宾客听到陌生的日本演员名字后的反应无异。

这个偷情出轨的故事和艾伦过往的作品相差无几，人物和主题还是老一套，其中女医生和她丈夫的情节像是10多年前的《午夜巴塞罗那》的粗糙复制品。

也许是拍摄场地和时间的关系，剧本看起来有点紧促。

偷情出轨的故事哪里都会有，而发生在国际电影节上的出轨事件，显然多了一点讽刺电影圈的味道。

在这部半命题的作品里，艾伦透过人物的嘴巴说出私人的感情观，又在角色身上投射自己的形象，算是交足了功课。

不过，这种精英自嘲的视角没太多新鲜感而言，在婚姻感情的话题上也没有深入精辟的分析见解。

到了艾伦这个年纪，他的创作更加随心所欲，不再着眼于社会热点和历史政治，这种云淡风轻的创作姿态再加上近几年的性侵事件，令他在美国备受冷遇。

幸好，他终归在欧洲找到知音，在晚年的创作中延续他对爵士乐的钟情，以及对无意义人生的思考。

《里夫金的电影节》看得我是相当开心。

感觉瞬间又回到了大学的迷影时光，疯狂看片，肆意畅快，无比享受。

当《公民凯恩》《八部半》，《祖与占》的戏谑片段对我狂轰乱炸之后，我尚且还能微笑置之，但《一个男人和一个女人》经典音乐突然响起时，真是我心雀跃啊，这几乎是我最爱的法国电影！

伍迪艾伦用迷影戏法帮我找回了爱上电影的初衷：瞬间的影像激起我片刻的欢愉，那种滋味就好像打了肾上腺素一样，激动，美妙，迫切的想与人诉说。

在电影一开始我就相信里夫金去参加电影节就是一场《野草莓》：往事已成空，还如一梦中。

所以里夫金脑子里总是出现那些经典电影的回眸，于是我们看到了《泯灭天使》《假面》《第七封印》那些经典大师之作。

它们本身的厚重感被小老头儿的幽默感所解构，他将现实中的苦恼，矫情，难为情，儿女情长的纠葛嫁接到了经典影像中，所起到效果自然是不言而喻的：啼笑皆非。

年迈的里夫金不停的做梦，甚至大白天还要游神一阵，他构建了自己的电影节，在他脑子里循环播放。

他在爱和现实中徘徊，他甚至还要被迫在‘约会’和看《筋疲力尽》之间做抉择。

我在银幕外就看着里夫金，我同样面对过这样的困境，我太好奇他的抉择了。

他的意向最终还是选择了恋爱！

可不是嘛！

恋爱可太重要了！

和女孩约会可比看电影有意思多了！

反正（在某些时候）我是这么想的！

特别有意思的是，尴尬的现实竟然还是将他拉入了《筋疲力尽》的片场中，在戈达尔的跳切中，他化身男主，一脸随意又迷茫，妻子只关心汤姆·哈迪，瑞恩高斯林还有那些明星八卦，完全和他不在一个频道，他所做的只有钻进白色床单里，逃避这该死的一切。

不打紧。

接着做梦，接着恋爱，再接着做梦。

这是里夫金在电影节的日常。

他就像是刚入行的小演员，不停的去赶片场。

一场接一场。

面对妻子的出轨，他没什么脾气，他无可奈何，年龄和工作消磨了他的激情。

直到他遇见一个女人，一个西班牙医生。

两人都在纽约待过，都喜欢欧洲电影，对所谓的伪艺术片都嗤之以鼻。

里夫金一见钟情，以各种理由约她相见。

过程真是美妙的。

划船，逛市场，压马路不亦乐乎。

但事实上，电影节结束了，他们的关系也就结束了。

在这期间，里夫金也不断的在思考，他以前是位老师，教欧洲艺术电影，对欧洲电影大师如数家珍，他可真是爱极了！

当身边的人都在谈票房，商业价值的时候，自命不凡的他甚至有些鄙视，以至于和他们格格不入。

电影有一段餐桌对谈戏进一步佐证了里夫金的电影品味：妻子和路易·加瑞尔饰演的导演在讨论商业电影，另一边里夫金不识趣的接过话茬，大加赞美法国新浪潮。

他们之间就像是两段平行对谈一样，没有交集，讽刺有趣。

这让我想起伍迪艾伦的电影，剧本精妙风趣抖机灵，但似乎还是缺少商业类型片那样的戏剧张力和视觉冲击，论艺术性却好像又不够严肃。

那种标志性的自嘲俏皮感又让人感觉不够深刻。

但这种游离在两者之间的闲适和幽默，神经兮兮又絮絮叨叨的嘲讽，却让伍迪艾伦成为影迷心中最有趣的作者导演之一。

在电影中，里夫金梦想成为陀氏那样的伟大作家，他甚至抛弃自己为之所爱的教电影职业，转而投向作家行业，他想努把力，写出惊天动地的作品来，以此名垂青史。

结果是，他什么都没写出来，反而还消磨了他的精力。

电影结尾时，他已经在考虑是否要重新回归电影行业了。

伍迪艾伦正是借里夫金之口来表达自己的想法：他不想成为伟大的导演，他只想拍他的电影，只想义无反顾单纯的去爱电影。

或许对电影的爱就是不停的去看电影，不停的去拍电影。

作为影迷最大的享受莫过于每年都能看到伍迪艾伦的电影。

我曾经也梦想着在写作和电影中干一番事业，但里夫金的经历让我意识到，我可能一生终究是个平庸之辈，但只要能从平凡之中践行着自己所欢喜的，乐在其中，不忘初心，那就不枉此生了。

托翁那句话怎么说来着：幸福的日子还在后面呢，来日方长呐。