艺术家

很多时候，我们总是习惯性的认为自己当下从事的一些活动是理所当然的，而对过去久远的一些事物感觉到一丝无法接近的距离感，感觉它们是过去，自己必定无法理解和适应。

在电影领域，面对已经奔3D而去的影音趋势，那2D的，还黑白的，甚至还无声的默片，对大多数人来说，无疑是匪夷所思的形式。

怎么会有人能忍受没有对白的电影？

我过去也带着这样的感觉而与默片划清距离，直到偶然接触，感到兴趣，再更多欣赏，逐渐领略到了默片的魅力，以及那个时代的大师们的独特艺术气质。

对于喜欢默片，或者黑白老电影的观众来说，《艺术家》无疑是个惊喜，它不单形似，更神似的表现了老电影岁月的风采和荣光。

自从电影进入彩色时代以来，也时常有导演处于某种原因，采用黑白电影的方式复古拍摄一些影片，其中代表性的莫过于《辛德勒名单》那黑白色彩下的凝重与深沉，还有《鬼子来了》黑白写实最后从死者视角突然闪现的彩色画面的超现实色彩。

而真正复古到默片程度的导演就寥寥无几了，毕竟这太挑战观众极限了，最多如金基德做到台词极少已属于另类，这还被认为是“文艺片”。

倒是著名戏仿电影大师梅尔•布鲁克斯拍摄过一部神作《无声电影》，恶搞加致敬的来了一次无声电影，但是那毕竟是默片的现代化解构。

而《艺术家》的难能可贵在于，它不光简单的无声那么简单，从影片摄影、故事展开、人物神态、服装化妆、表演方式，甚至到配乐，都还原了老电影时代的味道，同时，也在其中不乏现代电影的演绎和阐释，这份对老电影细致入微的观察与还原就值得尊敬。

在那默片的时代，故事和人物都那么简单和单纯，好人就是好人，坏人就是坏人，悲伤就放肆大哭，高兴就夸张的大笑，不像现在追求角色所谓的“立体”和“复杂”。

影片故事的味道竟然让我感受到了卓别林电影的感觉，那种那个时代优秀电影“乐而不淫，哀而不伤”的气质。

在无声电影和有声电影转变的时刻，默片时代巨星乔治•瓦伦丁偶遇籍籍无名的女孩佩皮•米勒，然而，也正是这次相遇暗含时代变迁的轨迹。

因为在默片时代的巨大成就，瓦伦丁充满自信，对有声电影时代的到来不以为然，过去的成就常常就是一种思维方式的负担，他倔强的坚持默片，直到迎来票房灾难和自己的落魄。

而米勒是个除了自己，什么也不拥有的年轻女孩，只要有出头的可能，她乐于拥抱任何变化，于是，抓住了有声电影时代的那只命运之手，她成为了有声电影的第一代女星。

这是一个多么美国梦的故事，包含了励志，也有沉沦，故事的桥段，很有默片时代的味道，那种狂喜与神伤的表现都直接、夸张，说白了，就是真正地像“表演”。

老电影时代，总体趋向是真善美和大团圆的，所以，《艺术家》中落魄的瓦伦丁虽然一度风光无限，却没有那么桀骜骄狂和虚荣，反倒豪爽和平易近人；米勒成名后也没有得意忘形和世故，反倒低调而心地善良。

于是，米勒遇上了她的偶像瓦伦丁，看着他被时代抛弃，也努力走上星光大道，不变的是对瓦伦丁，以及随他而去的时代的尊重。

两人的故事单纯、美好，让本身模式化的故事有了另一层美丽。

事实上，默片时代的摄影和配乐也充满特色，黑白影像下，摄影对影片氛围和故事推动常常有着特别的助力，如瓦伦丁落寞和幻觉的场景，黑白对比度下的效果就很有感染力。

而在没有对白的默片时代，配乐的作用和评判标准绝非“好听”那么简单，它几乎就是演员的第二台词，要随着剧情节奏、桥段局面、角色感情不断变化，《艺术家》用各个经典电影配乐加上细心的加工，对老电影配乐的神韵还原的特别好，无疑也是奥斯卡最佳配乐有力的竞争者。

本片最现代化的展现方式，无疑是瓦伦丁的一段幻觉，突然，影片有了配乐以外的声音，瓦伦丁感受到了身边物品碰撞敲击的声音，将他仿佛置换出荧幕，与观众一起感受沉默中，点点滴滴日常生活的声音。

一个默片时代巨星，对有声电影内心的恐惧由此入木三分的刻画出来，即有声电影不只是一种技术，它是对电影行业，一代人的生活方式的改变，也是社会一个维度的巨大改变。

影片尾段，对此有着更绝妙的切入，沮丧的瓦伦丁在米勒的提醒下，终于发现自己还有踢踏舞这一强项，于是，影片结尾，巧妙的让瓦伦丁和米勒载歌载舞，将时代切入到伴随有声电影而来的歌舞片时代，而在末尾，他们终于发声，让影片以一种高雅的姿态迎来大团圆的结尾。

《艺术家》，是对老电影时代的致敬，对默片时代的致敬，它并没有批判或者嘲讽“冥顽不化”的瓦伦丁，甚至瓦伦丁失败的电影拍摄过程中，我们也可以感受到他认真的态度，正如他接受采访所说“我是艺术家，不是傀儡”。

这种看起来有些过激的对时代变化的反映，也表现着一代电影工作者令人尊敬的倔强，所以，哪怕影片早早就进入了有声电影时代，整部影片也以默片的方式呈现，甚至以此方式表现米勒的有声电影表演，有此可见主创人员的立场，那是值得尊重的年代，那是电影成长的岁月。

在电影日趋成熟，并很可能将进入另一轮技术驱动转变的今天，回首看看那些艺术家的岁月不只是一种复古，也是一种电影营养的再汲取。

1895年，法国的米埃尔兄弟以一组电影短片，标志着电影的诞生，接着在好莱坞，电影进入真正工业化和普及化的时代，所以，《艺术家》这部影片也是有趣的，由法国导演，以默片的方式，演绎一个美国好莱坞的故事。

而让•杜雅尔丹和贝热尼丝•贝乔两位法国演员的表演也确实出色，非常有好莱坞电影明星的味道，一招一式都是很古典的表演方式，出色的表演让他俩并未被片中那只惹眼神狗乌吉完全抢去风头，我们知道，在电影界，这是很不容易的事情。

而接下来，在奥斯卡，希望《艺术家》能斩获丰硕成果，让这个团队在乌吉的领头下，光荣的走上红地毯和领奖台。

http://hi.baidu.com/doglovecat/blog/item/2fa30b08d5145bce63d986bc.html

今年的奥斯卡季有趣儿，竟有两部拼着比着向电影史致敬的作品。

好莱坞的老马丁（Martin Scorsese）用《雨果》（Hugo）向法国先驱电影艺术家乔治•梅里埃（George Méliès）致敬；法国导演迈克尔•哈扎纳维希乌斯（Michel Hazanavicius）则用《艺术家》（The Artist）向好莱坞片场与默片时代致敬。

这敬来敬去的，怎么也有一部该投奥斯卡的胃口，难怪双双提名。

我不喜欢《雨果》，因为它除了强大的技术效果和致敬心态外，在电影故事的构建与完成上却十分粗糙。

《艺术家》除了采取默片的视觉表现方式独树一帜外，情节本身说来也乏善可陈，但与《雨果》不同的是它在小细节小桥段上的巧思妙想，种种视觉小品时常看得人会心一笑。

比如仰慕默片明星乔治•瓦伦丁的女演员佩皮偷偷潜入乔治化妆室一节，佩皮抱着乔治挂在衣帽架上的西装外套花痴万分，干脆把一条胳膊伸进袖管假扮乔治抱住自己，左挑右逗，女丑形态毕露，引得全场哈哈大笑。

当然电影安排最巧妙的还是对声音的处理。

《艺术家》采取默片手法，除了背景音乐并无他音效。

但当默片明星乔治看不明影史的发展趋势落得末路潦倒时，苦闷中发梦，竟然声效突现，钟声、铃声、车声、人声、狗叫声，可就是没有乔治自己的声音。

乔治与妻子不合，所争执的关键问题就是乔治不肯同她讲话——这里“讲话”是个明显的双关语，一方面指明面上乔治冷落妻子不与其交流，另一方面则暗喻他拒绝拍摄有声电影的事业选择。

后来乔治寻死，以字幕插入的一声巨响既推进故事进程，又跟观众抖了个不大不小的包袱，下面的段落水到渠成。

这些与声音/声效有关的片段使声音脱离了一般电影的约定俗成，从一个理所当然的技术要素飞跃成为电影故事的重要角色之一，人围绕声音所作出的判断与电影工业所作出的选择彼此映照，最终不是声音为电影服务，倒是视效跟表演形式为声音的出现锦上添花了。

除了对声音效果的巧妙运用，《艺术家》对视觉效果的不吝开发也极为娴熟。

乔治独自看电影，投在屏幕上的影子弃他而去，这小花招虽耍得老套，但用在该情该景却正贴切。

乔治在片场遇见佩皮，第一次二人隔着布景斗舞，一里一外，一个俏皮一个大方，性格特色立现；第二次则一个下楼一个上楼，双方地位心态的变化被斜切画面的楼梯表现得清清楚楚。

正因为没有声音，视觉艺术的功用才更为重要，才必须调动一切画面要素与表演要素，充分渗透剧情，激发强烈的视觉表现力。

将电影技术元素与电影故事表现紧密结合是《艺术家》区别于《雨果》的成功之处。

无论是视觉效果、表演桥段还是声音元素，一切都融入《艺术家》的情节发展，彼此相互促进。

技术为电影故事提供亮点与依托，故事则为技术要素提供方向与目标。

在此之上，再加入一点爱情，一些怀旧的温柔，和很多自默片时代沿袭而来的幽默，一场声影传奇就此诞生，想不讨好莱坞电影工会大众的喜爱都难。

另外值得特别一提的是扮演乔治的法国演员让•杜雅尔丹（Jean Dujardin）。

我没看过杜雅尔丹的其他作品，可大屏幕上他留着两撇小胡子灿然一笑的滑稽样子真吸引人。

说实话乔治这个角色很不好演，尤其前半场他春风得意自信十足的戏，自负太过容易显得“二”，招人反感；而表现不足又不吻合他大明星的身份，会与接下来的剧情发展产生断层。

杜雅尔丹的自负有种“很傻很天真”的可爱劲在其中，十分难得。

不管是乔治与佩皮眉目传情还是穷途潦倒的悲苦自怜，他都把握得真挚诚恳，表情与肢体状态松弛自然，不做作，也不发力过猛。

除了最后一场的舞技不尽如人意之外，这一年还真难有能与他相媲美的最佳男主角了。

至于《艺术家》究竟算不算一部真正的默片，我觉得这根本算不上一个问题。

电影的发展是与电影技术的发展紧密相连的，纯粹出于致敬的目的故意历史倒退避而不用现时的摄影技术、机位安排、剪辑手段和音效，除了表达怀念之意外对作品的完整性并没多大意义。

《艺术家》所采取的默片时代流行片头、黑白色彩与无声手法，都与剧情发展相辅相成。

在这基础上运用超越默片的技术元素，反而独树一帜，别具一格。

怀旧但不守旧，这是《艺术家》的最聪明之处。

关于电影片名，有说它就不该叫《艺术家》（The Artist）。

就像今时今日，如果哪个国内电影明星被称作艺术家或者德艺双馨，那基本是调侃，再不然就是挖苦讽刺。

诚实来讲，影片要是改叫《演员》（The Actor）或《大明星》（The Big Star），似乎更符合故事内容。

台湾人更夸张，索性往前面加一个大，《大艺术家》。

多个大字，广告效果就来了，堪比大片、大电影。

那演员明星和艺术家之间到底有何区别？

我想，这就是《艺术家》的命门所在。

放当时来看，拍电影的恐怕都不是什么艺术家。

更何况，主人公乔治没落不谈，他还导了一部失败作品。

艺术的分门别类中，电影一直是位居最末。

原因不外诞生时间短，再者它融合了很多项艺术的表现手法，占了其他艺术的大便宜。

最早的电影是魔术杂耍，后面慢慢纳入商业放映，进而又形成了自己的一套艺术表现手法，比如剪辑、蒙太奇。

所以，《艺术家》把电影演员抬升为“艺术家”，那更多是站在了后世人的观点上。

别的不管，先就把致敬的旗杆杵在那了。

《艺术家》的故事发生在1927年到1932年间，那也是电影从默片（无声片）转向有声片的关键阶段。

1927年，有记录在案的第一部有声片《爵士歌王》诞生了，它以难以置信的速度把电影工业撕成两半。

如同电影诞生后三十年间的风风雨雨，推动这一次变革的原因仍是技术，音轨录制和电影拍摄可以分离开来。

很显然，有声片的成功不在默片大导演和大明星的预料当中。

就连默片败下阵来的速度，那也远比黑白电影败给彩色电影的速度要来得快。

不仅好莱坞如此，以当时另一电影大国德国为例，1928年有声片所占比例仅为7%，到了1929年，这一比例迅速上升到了86%。

有声片的出现不仅淘汰了一堆默片明星，就像《艺术家》里的乔治，当时连在戏院演奏的乐队和辩士（讲解电影剧情的人员）也失了业。

对于这一变革的惨烈，黑泽明在自传里就有提及：大批辩士冲入影院，捣毁导致他们失业的声音设备。

由于压力，他的哥哥（辩士组织的负责人）更是选择了自杀。

因而，如果有人认为乔治的落魄反应过于夸张，那么，他们当真不知道默片时代的薄暮之歌，更不理解这一改变曾经深深影响过那么多的人。

好在惨烈归惨烈，如果《艺术家》往惨烈的方向走，它一定会被奥斯卡打入冷宫。

导演哈扎纳维希乌斯擅拍喜剧，这一回借得默片的壳，套上一个通俗浪漫爱情剧的壳，弄得皆大欢喜满堂彩，当真是没啥难度。

电影主线是一个默片男星的没落，另一边是有声女星的崛起。

两人不断对位，内心情感的反差、地位境况的强调。

说到底了就跟跷跷板游戏一样，不管谁上谁下，他们玩的都是同一个游戏（电影）。

《艺术家》没有把他们的关系做成最俗气和大路货的男欢女爱，比如插段床戏。

更多时候，两人好像若即若离，却又被电影的魔力给吸引着。

好比在电影院里，她看他的电影，他看她的电影，互相欣赏。

好事者当然可以进一步阐释，这也是现代人眼中默片和有声片的依赖关系。

尽管取代了默片，但有声片一直“深爱”着默片，始终没有忘本。

除去明星光环和显而易见的影史关系，《艺术家》更是一部立足于电影本身的片子。

众多的戏中戏（乔治演的片子大多有出处）、片场拍摄（选角、NG和实拍）、幕后制片人（他们对金钱利益有着灵敏嗅觉）甚至是看电影的普通观众，他们都再三出现。

就单说乔治，导演在他身上安放了有趣的细节设置。

和妻子的感情有如死水，对方恳求他说话交流，结果他就是不说。

包括那个噩梦和打趣小狗，观众都开始纳闷，他为什么不说话。

或许，声音不好是一个原因，但对当时的大牌明星来说，要他们开口说话，那就有如小丑表演，损害了他们业已树立好的形象。

同时可以看到，默片时代的明星更重视肢体语言，略带浮夸更好。

饰演乔治的让·杜雅尔丹本是肌肉型男，他在片中的形象，静有克拉克·盖博的影子，动起来又沾染了吉恩·凯利的风采。

当然，后两者都是有声片时代的明星。

类似看上去很和谐，实际上却又跳脱的细节，《艺术家》里还有很多处。

它所引用和致敬的对象（包括电影配乐），经常不在1927年到1932年的时间范畴。

事情到最后就变得清晰起来了，《艺术家》真的不是一部默片，它只是拿默片说事。

好在，即便说了这么多，甭管搬用了《公民凯恩》还是影射了《一个明星的诞生》，它们都阻碍不了普通观众的理解，更不会影响他们的观赏体验。

因为即便《艺术家》致敬了一大堆的片子，它更像是丢给影评人和老先生看的，讨个巧罢了。

对多数人来说， 它只会被当做一部爱情片来看待——一部看上去有些不一样的爱情片。

已不多见、被等同为卓别林的黑白默片，字数长短不限、可以妙用的字幕卡，旧式画幅比和动作稍快的诙谐人物，当这些东西和一部爱情片发生关系，那么，《艺术家》至少是讨喜的，活跃气氛，不用商量。

对吧？

没有3D，不是飞机撞轮船的大场面。

这样的年头，已经很少见了。

去年奥斯卡推结巴国王，今年索性来个哑巴影帝，谁敢说不可能呢？

总而言之，面对《艺术家》，那绝没有凭吊默片般的肃穆沉痛，再者，它也没有承担讲述经典爱情故事的义务和必要。

围绕《艺术家》的争议都出在姿态高低上，如果你觉得哈扎纳维希乌斯摆出了高姿态，用糖衣炮弹去迷惑了美国人，那么《艺术家》恐怕会是变质的味道。

如果你熟知好莱坞和奥斯卡的游戏法则，那么再看法国人鼓捣的《艺术家》，或许它还是有可取之处的。

更何况，谁说入围奥斯卡拿了奖就名垂青史，其实未必。

不见戛纳时候，《艺术家》还是给竞赛单元打替补。

影史多少事，到最后，若能跟那条活泼有爱的小狗一样，都付笑谈中。

我想，这便足够了。

【国际先驱导报】

1、迄今最佳影片9部提名作品看过6部，无疑，作为韦恩斯坦片，本片在最佳影片上赢面最大。

然则这货根本不是一部默片。

怎么说呢，每一个镜头，构图、机位、角度、用光，都跟真正的20年代电影差那么一点点，更不提运动了，累积起来差的就不是一点半点了。

举一个我比较熟悉的例子，影片结尾两人模仿金姬罗杰斯和弗莱德阿斯泰尔那一段，按照Mark Sandrich的拍法，绝对不可能有那个升降镜头，另外，如果一段舞中间要换镜头，绝对是同机位的全景跳接，景别稍有变化而已。

这个例子不甚合适，是有声片段落的，默片的比较就要看截图党了。

所以我觉得，伍迪艾伦或者索德伯格看到这部片子一定会笑的。

前者是戏仿高手（虽然没拍过默片，但是在[变色龙]和[开罗紫玫瑰]里模仿30年代电影惟妙惟肖），后者是技术狂人，且看[德国好人]，完全照40年代电影的工业标准来做，包括背景放映、录音技术等等。

不是说你夸张一点，不说话，打字幕就是默片了。

2、但是[艺术家]确实有优异之处，这种后台故事本身就讨巧，而默片向有声片转换这个历史时段，[雨中曲]作为所有大学的入门级电影，已经普及了这个后台故事以及其中人物的位置可能，所以不存在任何的观影障碍。

本片略带感伤的小情怀还是蛮戳人的，从最内里的情感线讲，本片拍得是“怀旧”，新与旧，发展主义，会成功地唤起观众（尤其是奥奖评委们）的年龄危机（饭店采访那一段）。

然后包裹在一个爱情故事之中，再包裹在一个自指式的电影故事之中。

而在这个年代拍这样一部电影是需要极大的勇气的，已经足以让人脱帽致敬。

3、极为精彩的戏有两场：其一，瓦伦丁做的那个梦，对声音的处理真是妙极。

问题在于，这货到底是不能说话还是不愿说话——这也是影片最大的问题所在。

如果它不是顶着一张默片的脸，我只好认为瓦伦丁是哑巴，或者声带有问题。

这个故事本身是不适合用默片拍摄的（尼玛，最后不还是有声音了么，这个梦不还是有声音了么！

你要怎么用默片形式表现有声片啊），而更合适的是用比如30年代电影来做。

这个梦拍得极好，正凸显了影片的这一矛盾之处。

其二，瓦伦丁在家中独自看电影那一场，银幕上自己的影子忽然消失了。

显然，用一点麦茨，银幕作为镜子，瓦伦丁观看自己的影片显然是照镜子，自恋也罢，但他是可以看见，或者照见自己的；而影子消失，正是“在镜子中照不见自己”，所谓无法被询唤，新的电影秩序之中，已经不再有默片演员的容身之处。

4、大萧条和金融海啸无疑有一种互文关系，这也是片中瓦伦丁自导自演的[Tears of Love]票房惨败的直接原因（有趣的是影片极大地淡化了资本运营层面的内容，即制片人的角色），尼玛经济都这样了，你丫还敢拍悲剧给我们看啊。

这是隐含的文本，所谓电影的功能，在那么个或者这么个时代，抚慰是第一位的。

即使你有奇观，有异国风情，是大制作。

进一步来看，这个故事还有一个很有趣的读法，这一次是女人拯救男人，而且不仅是报恩，而且是迷恋。

这一条线写的也有问题，瓦伦丁的老婆除了cos公民凯恩里的苏珊，说两句“talk”的双关语之外简直就是个活动人偶，而米勒妹子对瓦伦丁的感情也铺陈不足，基本是戏一过半豁然就对他爱的死去活来。

所以这个故事呈现为一个女演员以一种变通的方法（歌舞片）拯救了一个男明星，一个女人拯救了在金融危机中落魄的男人，换喻则是拯救了电影（电影艺术？

），或者父权结构。

问题在于，瓦伦丁真的可以代表“伟大的电影艺术”么？

显然不是。

从一开始到最后，所有的片中片都是再通俗不过的商业电影。

“艺术家”看起来简直是讽刺。

从这个角度看简直在说“过时的就是艺术”。

如今谈古典好莱坞，谈到的那些都是最优秀的电影。

这里面还有个命名机制的问题。

而如瓦伦汀这样的演员，不知有几部能名列其中。

5、而联系颁奖季其他几部影片就很有趣了。

[后裔]是一个单亲家庭，父女之家关系修复的故事，母亲，或女人，为自己的出轨付出了生命的代价。

很有意味的是，当她成为骨灰之后，竟然难得地拥有了视点（克鲁尼扮演的马特在船上捧着骨灰的那个反打镜头，以及水下的镜头）。

与[盗梦空间]和[在云端]类似，如果这是美国的主流价值，[艺术家]显然与之有别。

而magasa谈到的那个有趣的观点，[午夜巴黎]和[雨果]都是美国大导演跑到欧洲去歌颂“欧洲传统”（尽管我以为[午夜巴黎]根本不是欧洲传统，但起码是一个表象上的欧洲），[艺术家]反而是法国人来为古典好莱坞唱赞歌，这个悖反实在太有趣了。

三部影片都主打怀旧牌，而且无一例外，选择的都是冷战之前的年代。

这似乎说明了某些问题。

如我前文指出，[艺术家]显然联系着金融海啸之后的世界状况，我想真正说明问题的是戛纳的奖项归属：更为美国主流价值（修复的是经历六十年代的父子关系）的[生命之树]拿了大奖，不管是不是主席票，但它说明某种法国或者欧洲内部的“美国情结”，更何况这确乎是部艺术片，戛纳也向来喜欢表彰好莱坞体制内的“他者”；[艺术家]则仅仅收获影帝，而它在美国的好评度甚至可以说是始料未及的，尽管它与美国主流叙事仍有这样那样的微妙差异。

所以我想，最终起作用的还是强大的怀旧力量，即使观众们没有看过什么默片，但是他们可以去想象默片，正如[午夜巴黎]去想象20年代。

而这部影片实在太过讨巧，甚至可以说是乖巧，一如其中那只小狗（其实cos的不是丁丁而是1905年的默片[义犬救主]啦）。

默片确实是个很好的噱头，不过应该只此一次，不可模仿。

但愿[艺术家]拿下最佳影片的同时，把最佳导演和影帝都让出来吧。

允许学院评委们怀一下旧（我真想看[雨果]啊），不过适可而止吧。

鉴于国内上映后又是一波高贵冷艳默片逼开始进攻，自视逼格甚高的，敬仰并深度怀念默片的资深艺术家粉请去围观那些满分评论。

链接一篇技术流友邻分析帖http://movie.douban.com/review/5278799/=================不喜点叉走好不送分割线==================================确定要看？

真的要看？

那好吧=============今天早上心血来潮早期看直播啊，看得我叫一个义愤填膺。

果然马屁片得逞了，评委们觉得人家这马屁拍得很诚恳很受用啊。

一堆之前就开始叫嚣的影评人又开心了，什么实至名归之类的。

昨天看到朝廷六套介绍这部片子啊，我觉得非常到位非常欢乐：这是一部黑白默片，在法国本土票房惨淡，导演改变了荧幕比例，导致很多观众以为放映出了事故，甚至有观众愤然离场要求退票……所以很多电影院会善意提醒：您将观看的是一部黑白默片。

这说明什么，说明这部冲着让奥斯卡评委身心舒畅去的片子完全脱离了群众。

看看小胡子拿影帝时说了什么：I love this country。

为什么，因为本土的凯撒奖就没给他，法国佬自己都不待见这片子。

半个月前我就下了这片子，看了一半实在是看不下去了，这故事哪里讲得好了，前40多分钟我刷了十几次微博才勉强忍下来。

今天看完直播切了一下午的西瓜才平复下心情，接着把后半段看完。

这片子除了用老手法老套路新演员新技术讲了一个努力伪装成的老故事以外，我还真看不出哪里好的。

不说别的，俩主角气质就都不对，就不是那个味儿非要装出那个范儿，累不累。

且不论男主那猥琐小胡子，女主那妖艳轻浮的样子，哪里像默片时代的好莱坞女星了，也不像法国女星，人是拉美人，有办法么？

我要是说我没觉得这故事哪里讲得好了，估计又有一堆逼犯说你太浮躁，你不懂经典，你不配说它不好。

可事实就摆在那儿，就是一个普通得不能再普通的故事，讲也讲得平淡无奇，索然无味。

越喜欢装逼的人越要说这片好啊，为什么，因为它显老啊。

很多年前，大概是从金庸剧翻拍潮开始的时候，就有一堆人抱着老版的大腿不放，根本没看过翻拍版就开始在那儿装出一副资深业内人士的姿态对翻拍版嗤之以鼻，更可恶的是那些新版老版都没看过就跟着瞎起哄的，说老版怎么怎么经典，怎么怎么无法超越。

我擦，你们看过么？

看过再来说好么。

老版那画面服装化妆背景我是真心忍受无能啊，管你剧情再忠于原著，演技再超凡脱俗，看不下去就是看不下去，新版有那么差么？

起码人家在投资上做足了诚意。

其实对他们来说，不可战胜的是记忆，他们觉得小时候看的就是沧海了，以后见到太平洋都觉得像小溪。

可是对我们来说，新版才是沧海。

这导演就是吃准了小金人评委们的软肋，想着这帮老家伙一定都怀念着以前，怀念着小时候看的黑白默片，怀念着那种叙事拍摄方式，就像《午夜巴黎》里总是那么多人觉得上一个时代才是美好时代。

老家伙们一个个都到了油尽灯枯的年纪，面对着一轮轮高科技，新思想对电影的侵蚀，让他们对自己原本最熟悉的行业渐渐不熟悉了。

你说一个手机只会拨号打电话的人让他怎么接受3D，挨拍的拿来只能照镜子的人让他怎么理解机器人可以画画，所以《雨果》悲剧了嘛。

所以下次再让我看到有人对《艺术家》给予“向伟大的黑白默片致敬之作”、“真正的艺术家不需要多余的言语”、“经典默片的剪辑，两处画龙点睛的音效处理，杜雅尔丹精彩绝伦的表演，还有好莱坞默片时代的神韵”、“温情美好，笑中带泪”、“反讽与暗喻，对默片时代的感怀，对现代电影的反思”“用无声奏出了这个时代的最强音”之类的给马屁片拍马屁的评论直接拖黑不解释。

之前看到有人说那些讲英雄迟暮，老来凄凉的片子都能成功戳中小金人评委们的泪点，这他妈狗爹还不够凄凉么。

人家看着自己镜头里的样子都忍不住哀叹：I used to be Sid Vicious。

从堕落颓废朋克青年癫到各种反派各种魔头，癫到老骨头都快散架了，学院派老古董就商量着，我们要不要刺激这个老头一下，给他提个名吓唬吓唬他。

然后人家就揣上两颗救心丸带着像女儿一样的老婆来了啊。

然后结果就是眼睁睁看着被法国猥琐小胡子抢尽了风头啊，可以想象老奸巨猾的评委躲在幕后看着狗爹着急找水吞药的样子就乐呵啊，这个老家伙，目中无人一辈子还不是向我们低了头哈哈哈哈哈。

（带药那段纯属个人YY请无视。

）所以还是话痨伍迪英明吧，小金人？

你爱给不给，我就是不来。

老奸巨猾老谋深算的评委们其实想要通过这部马屁片向我们传达一种信息：在我们有生之年，你们想要获得专业的认可，还是要讨好我们的。

我们就是标准，就是法则。

我们伟大的国师张看到这里就要angry了，擦，老子不也是挖空心思按着你们的套路讨你们欢心么？

大制作，风尘东方妞，二战题材，美帝明星，你们给我奖了么？

提名都没有！

别怪我们肿菊不给你们配额，想要配额先给我颁奖！

要是黑白默片，老故事老叙事方法才是真正的好片，那电影这些年他妈的就都白发展了。

经典可以留着去怀念，人总是要向前看的。

世界是你们的也是我们的，但终究是我们的哼！

╭(╯^╰)╮听说小李子看完这届小金人，决定接下来的一年全部改接黑白默片了。

《艺术家》是一部让很多好莱坞巨匠脸红或者诡笑的电影，从默片到有声，从2D到3D，从手绘到CG，从柔焦到高清，电影的每一次重大变革都从这座电影城开始这是一个情怀至上的年代兴许，这是一个情怀至上的年代吧。

我们热衷于细数童年的各种回忆，那时儿的玩意，那时儿的歌谣，那时儿的所有特别是在电影界热衷于追逐音画声效的今天，法国人用无声的形体语言颠覆奥斯卡是一件很有想象力和令人意外的事情

这部2011年拍出来的默片描绘了一个影史的一个转型阶段，从无声片到有声片的转型。

其选取的题材和拍摄方式的特殊性赋予了其影史上的意义，从某种意义上讲《艺术家》似乎可以与比利怀尔德的《日落大道》形成描绘好莱坞这一转型阶段的一组对写。

《日落大道》是怀着一股哀怆心绪的注视，一曲哀歌。

而《艺术家》则是怀着怀恋之情，写下的一曲爱歌。

同时也以一种独特的方式让我们意识到了默片之魅力何在，除了怀旧还多了一份重释与反思。

在影片的中段有一处华彩的段落，George Valentin 悒郁颓丧地坐在梳妆台前，放下手中杯子的时候他听到了杯子的响声，突然惊恐万分，随后周围的一切声音开始出现，他近乎崩溃，随后醒来时才发现这是一场噩梦。

在那个时刻我几乎感受到了男主人公一样的恐惧，因为先前我们太过沉浸于这个默片营造的世界当中，我们感受到了和那些如此眷恋默片时代的人一样的沉浸以及有声片介入后一样的恐惧，这不仅仅是现实中失业的恐惧，而是仿佛一个“世界”消亡的恐惧，默片用一种柔化现实的影像观创造了一个悬离于现实之上的世界，这个世界如此迷人以至于让我们离开的时刻会感受到那么深刻的恐惧。

本文想谈论一下默片如何营造出了这样的一种影像世界的感觉，为何默片是一种柔化的影像观，以此对这位对默片时代怀着乡愁的导演表示致意。

低帧——一种“非现实”的影像电影诞生之初，其帧率仅有16-18帧，与之后的24帧的影响不同，低帧率的影像在视觉呈现上有一种与现实相比较快的感受。

然而这种在视觉速度上异轨于现实时间感受的影像，天然地具有一种“非严肃”的倾向，“非严肃”是一种不一定滑向幽默，滑稽但是却脱离了“严肃”的性质。

当然，升格和降格这两种影像处理方式在现代电影当中都可以被我们用来处理幽默、喜剧性的效果，但是要注意的是，默片时代的低帧率并非作为一种正常影像时空叙事的“例外”存在， 而是他本身就是那时候影像叙事的时空，因此那个时代的人几乎别无选择的内嵌于这种影像的叙事当中，可以说这样与现实相异轨的影像时空是那个时代的影像“认识论”，因此他们的创作也天然地受其影响。

在大多数影史的叙事中，公认的第一部影片是《火车进站》其次是《水浇园丁》，《水浇园丁》也被称为最早的喜剧片。

我们会发现在电影脱离了对物的直接记录之后第一次转向对人的表现的影片，便是一个喜剧片。

我相信这并非一种偶然，我们也可以看到在好莱坞的二十年代，那个时代的默片最盛产的类型片便是喜剧类型，而许多著名的喜剧大师也在那个时代出现，如卓别林、恩斯特刘别谦、巴斯特基顿。

默片时代喜剧的如此成就其实也根植于这种影像观所形成的创作思路。

法国电影理论家让.米特里在《电影美学与心理学》当中谈到，无声片有一种“非现实”的性质。

这是无声片时代的无声片影像所暗含的内在本质，所以在电影《艺术家》中，导演对无声片时代的模仿并没有只局限于声音的消失和演员的表演中，而是复原了那个年代的影像速率，这是根植于默片深处的本质。

默片中的语言——一种表意的流动当我们在观看默片的时候，默片的演员并不是“silent”，我们看着他们在影像中对话，我们不知道他们具体说什么，但是我们却明白其表意。

这说明，在默片中语言并不是缺位的，而是以另一种方式存在。

打个粗略的比方，像是雨滴与水流，现实境况下的语言像是雨滴一般粒粒分明，但是语言说出来了之后，表达过了之后便如降落到地上的雨滴一般汇入了一个语义的河流，我们的大脑记住的是其意思，但并不一定能够具体地回溯每一个字，这时候“语言”便成了“表意”。

而在默片中，语言便是以这种方式流动的，它掠过语言的能指直接迎向其所指。

我们看到演员的嘴巴在开合，我们通过他们的神态、动作、所处在的情境、彼此的互动关系想象出他们的“表意”，这与阅读时候的状态恰好相反，阅读一本书一本小说的时候我们看得到的是语言，在脑海中的却是情境、形象等等，但在“阅读”默片影像的时候我们看到的是影像而想象的却是语言的表意。

小说是无形的但是模糊的形象却在观众的脑海中流动，默片是无声的但是表意却在观众的脑海中流动。

同时，这种语言、声音在影像世界的模糊性也为默片创作中有着趣味的运用，在《艺术家》结尾的那一声“BANG”所秀出的花招是只有在默片中才可能实现的一个悬念，在文本所提示的声音中，这个文本重叠了我们对声音的两种想象从而形成一种“欺骗”，这在有声片的时代是不可行的，毕竟车撞到大树的声音与一声枪响之间还是有着很大的区别。

音乐 ——内心情绪与时间感的营造在默片当中，音乐的存在是“必要”的，否则我们则无法达成对影像时空的沉浸。

让我们想象一下在默片时代的影院中，若是没有音乐而寂静无声，那对观影感受简直是致命的冲击。

因为此时对观众来说，“寂静”这一幽冥的声音将响彻云霄，音乐对于那个时代的默片来说不仅仅是一种氛围的营造，音乐同时也在创造一种寂静，如让.爱浦斯坦所说音乐“使观众摆脱寂静无声的重压”。

这近似一种催眠的作用，创造一种能够让观众摆脱寂静的重压从而进入影像的氛围是这个时代电影音乐的第一要义。

其次，这个时代的电影配乐同时也是一种对时间感的营造。

在前文中我们阐述过默片的影像时空是一种“非现实”的影像时空，因此默片的影像时空在没有音乐的情况下其实与观众之间是有一定距离的，毕竟默片中影像流动的速率与现实时空并不相同，那个世界与我们的这个世界并不完全地相同。

因此让.米特里说“无声片因其‘非现实’性质而无法让观众对持续时间有真实感受。

剧中人物经历的时间，镜头段落的时间关系，这一切是完全可知的，但是它是‘被理解的’而不是 ‘被感觉到的’ ”正因为默片的低帧影像时空与我们的距离，因此我们只能去理解，而并非如那种与现实时空统一的电影一般感知，观看蔡明亮的电影的时候我们能够沉浸地面对影片中人物的无言、沉默，静静地凝视他便知道其内心的情绪波动，因为那个时空现实的时空的流速相同。

而在默片当中我们则与那个时空有着隔阂，我们需要一种东西引领我们找到默片的影像的节拍。

电影（指无声片）缺少一个能够说明节奏和节律的尺度，音乐给电影带来这种尺度…使观众感觉到实际经历的持续时间。

这种持续时间与剧情时间相结合，可以使人认识到(默片中的)时间的表意价值。

默片时代通过配乐让我们把握那个默片世界里的时间，同时配乐也以其变化的音符与影片中人物的心绪共振，也形成了一种通常所说的内心情绪的外化。

而这种外化的情绪-音乐，时时刻刻参与着影像的世界，也正因此默片更加脱离了现实的地表，而具有掺合了丰沛的主观色彩，这也使其对现实的描绘进一步地柔化了。

姿态与神情的优先性——电影的“旧语法”因为没有语言，姿态和神情变得尤为重要。

我们会看到在《艺术家》中许多的关键交流，影片都通过动作或神情加以达成。

男女主人公在片场第一次见面的时候，他们就是用被映着天空白云的景片遮挡着的舞步交流，这是他们情感关系的开始同时也作为结尾的伏笔。

在小狗跑去通知警察来救男主人公的时候也正是通过动作的表演让路人和警察明白大致发生了什么样紧急的事情。

语言是一种思维的产物，而动作似乎更接近人与人之间彼此的直感。

同时，人被没收了语言之后，神情的表意功能也被放大，然而同样由于默片的“非现实”性 ，我们无法像凝视蔡明亮电影中的小康那样静静地凝视默片中的一个演员，低帧率的影像同样也让我们略过了现实表情中丰沛的情绪变化，因此默片的演员需要在神情上增加强度，以使其影响观者的内心。

姿态也是一样，流速更快的影像也需要放大动作的幅度和作用来完成本身通过语言完成的表意，因此我们会在《日落大道》里看到诺玛的表情如此怪异，除了她本身的病态之外，她也深深地陷入了默片世界为她塑造出来的姿态与神情的表达方式中。

然而这样一种略微的夸张，也带来一种“非严肃”性，它过滤了生活中的诸多细节，形成了一个在现实之上的影像，在此处也对现实形成了又一层的柔化，夸张并不放大生活中的痛苦悲痛，相反它消解了其真实感，对其进行了柔化，因此默片总是会拍摄一些富于“梦幻”的喜剧与悲剧，这也是因其柔化现实的影像观所致。

同时这种柔化也创造了一些优美的表达，当女主人公穿过男主人公的衣服拥抱表演着男主人公拥抱自己的时刻，影片用这样的动作传达了女主人公的爱恋，是如此梦幻而迷人。

正因为默片是一种柔化现实的影像，它创造出了一个柔化的影像世界，因而才变得令那么多的人对其怀有着乡愁和眷恋，深陷其中无法自拔。

所以令George Valentin在不仅仅在电影上是“默”，同时在影像的内部世界里导演也通过妻子暗示他不“说话”，这是一种不现实的深情的沉溺。

也正是这份深沉的沉溺唤起了观众的情感，能够带领着我们进入那个他们所乡愁的，已然逝去的默片时代。

不做影評，只談個人感受。

看完片我得到了兩個詞，一個是“情懷”，一個是“懷舊”。

所有的藝術工種都是需要強大的心靈支撐的，不只是耐得住寂寞和與時俱進，是keep walking；更不是孤芳和沉溺，是面對質疑和衝擊的堅韌和泰然。

感同身受是一個很客氣的詞，happy ending是普羅大眾的美好嚮往，如果是真的，多半的人還是選擇吞槍自盡的，如果人人是勇者，那就不存在掌聲這回事了。

散場后，大半的觀眾還留在座位上。

有感動，但不是因為感動，懷舊跟感動是兩碼事。

懷舊是形式，而感動是內心的。

懷舊是現在過去式，是一種心靈告慰，是對過往美好的留戀，而當時，我們並不感動。

這種情緒需要出口，需要被表達，甚至宣洩，但不是消費和重塑。

就觀感而言，敘事簡單完整，畫面精准流暢，音樂恰到好處有感染力……原因很簡單，複刻經典終不會讓你失分，通篇的致敬情懷猶如一曲經典串燒，看著過癮，卻留不下絲毫。

告慰經典並不能使其成為經典，百分之百的高仿，終究不是真品。

我們喜歡舊貨和有時光洗刷痕跡的老東西，是它給我們留下的回憶和共同經歷，而絕不單單只是樣子本身。

討巧的原因是杜雅爾丹說的“與眾不同”，跟我們現在看到的大多數影片不同，至少是形式上的不同。

這一度讓我想起了《阿凡達》，而《阿凡達》是向前看，《The Artist》卻帶不來那樣的工業進步。

10/10 第84届奥斯卡最佳影片+最佳导演+最佳男主角 当电影褪去了华丽的色彩，优美的声音之后会变成什么样？

答：别有幽愁暗恨生，此时无声胜有声。

一封写给电影的情书，导演带着观众穿越回了那个默片时代，而观众也穿越到了那个曾经的童贞的电影迷，电影里外的一切都会到了最初的美好～这才是真正的艺术家，是有操守，有追求，有艺术性的，尤其在从默片时代到有声时代急剧变化之中，依旧保有对艺术的信仰，这正是不忘初心，正如当年的卓别林一般，但艺术自身也是会不断发展的，不忘初心方得浴火涅槃，最后成为真正的Artist。

感谢这个时代还能有如此伟大的默片演员，还能还我一个最初的电影梦，不枉我在观影中途多次落泪，这样的感觉太好了。

配乐也是神了，通过音乐表达文字的典范，小狗也是拼了。

时代的交替，不可逆转的变更。

由沉默到欢脱， 一切都塑造得如此完美，完美再现了好莱坞古典主义时期的电影叙事手法，对当年的那些来到好莱坞发展的欧洲导演， 对好莱坞经典叙事，对黑白“无声”电影，几乎都是一次的完美的致敬！

坐在电影里仿佛自己完成了一次时空穿越，I love it

那个时候应当是我特别爱钻电影院的时候，以至于现在回想起来，这部电影仍是目前为止在电影院看过次数最多的一部。

朋友对我当时的行为嗤之以鼻，觉得如此无聊的电影我居然可以一个星期之内去看了四次。

所以，我并没有告诉她，当影片拿了奥斯卡重返影院后，我又去看了第五次。

我和朋友都是那种喜欢看轻松影片的人，文艺片伦理片宗教片我更喜欢躺在家里看，安安静静自己一个人，想很多，停停看看。

所以在影院一般都是看动作和动画。

一个字的目标：爽。

然而这一部是个例外。

其实我并不否认朋友说的烂俗。

因为如果我把这部电影用“女粉丝恋慕男神，误打误撞成为大明星后拯救落魄男神，最终抱得帅哥归”这样一句话概括出来的时候，我自己都会相信这是一个彻头彻尾的三流娱乐圈文。

故事其实很圆满而且不乏逗乐的段子，梗概也真的如此简单。

爱情事业皆大欢喜，丑小鸭变成白天鹅还拯救了曾经高高在上的男神。

这样的结局换做谁都会开心一笑，一部满足平凡忙碌生活中遐想与憧憬的电影，无论它的故事多么的老套与荒诞观众都永远愿意买账，就像炎热的夏天，冰棍永远不过时一样。

但我想我从来没有把它看做一部爱情＆喜剧片。

就像如果有人对我说魂断蓝桥是爱情经典时，我一定会说：我以为那是一部反战片。

所以，这部电影不叫一颗美人痣引发的爱情，而叫艺术家。

所以魂断蓝桥终究只是魂断。

同样我也从来不认为它是一部喜剧，因为每一次看过，我都是挂着眼泪出影厅的，而我后边的大叔哭的比我还要凶。

虽然影片的海报格局看上去特别像我挚爱的乱世佳人，极富张力的表现着男女之间的情感与抗衡。

但是我依然认为，这只是男主人公一个人的故事。

而他的故事，曾经发生在我们每个人身上，或大或小，或已经过去或正在经历。

他在这个默然无声的故事中时而如风时而蹒跚的走过的每一步，就像是荧幕下面每个观众心灵的分身，带着过往带着记忆带着希冀，随着他趟过一遍人生。

走过希望，走过平稳，体味过幸福的麻木，也领略过不经意的芬芳。

遭遇着不可抗拒的时代，冲击着最后一点点的希望。

从最辉煌的巅峰，走向最绝望的深渊，在无法回头和面对的岁月里，或消亡，或重生。

100分钟过去，像是经历了一场入定状态下的旅程。

在喜剧而喧闹的场面中开始，随着男主人公的枪响结束，最后，在男女主真真实实传来的笑声中苏醒，归位。

于是这一刻，无论是依旧沉浸在里面的眼泪，还是被主人公感染了的笑声，至少，都应该庆幸这只是一部电影，它有一个俗套而完美的结局，让我们可以在旅程的最后得到回归的救赎。

毕竟，不是每一颗开向过去的子弹都能戏剧化的被女主留住。

也不是每一个人都可以有男主人公那样的幸运，重新来过。

整部影片中，没有声音的表情与动作，就像是男主人公拼尽全力想要证明和守护的过去。

愈是愤然愈是投入，却愈是在一片寂静中被赤裸裸的遗弃。

仿佛一种打不破的格局。

黑白的色调下，在无声到有声这样的时代变革中，男主人公一张张雪片般签出的支票，一次次赌博似的投入与演出，却像是飞蛾扑火。

当变革来临时，就仿佛是从黎明前的纯黑一瞬间跳到满是光明的世界，快速的不给任何人一点余地。

那些曾经在黑暗里骄傲着的火焰与希望，带给人快乐和温暖的火种，在耀眼的日光下被遗弃的如此惨烈，却无声无息。

Jean du Jardin精湛的演技尽情的在荧幕里释放着，灵魂在嘶吼，心脏疯狂的躁动，那看似就要破茧而出的挣扎与不甘，绝望与愤怒，碰撞着，涌动着。

然而，却只能被压抑在神情的淡然之下。

被残忍而无声的抚平在现实中。

诚然，不是每一个人都有勇气去彻底的毁灭过去，更不是每一个人都有勇气舍掉自己的辉煌。

于是，有多少人就把一口气堵在这份不甘上，输的一败涂地。

有人说，天才和疯子只是一步之遥；善与恶也不过一念之间。

而事实上，从来没有任何一个人可以在故事的最开始做出任何的定义。

坚持是一种精神，可倘若这精神偏差了那么一点点角度，就变成了足以毁灭自我的固执。

每一个或称赞或敬佩的人，每一个或惋惜或鄙夷的句子。

都只出现在尘埃落定的那一刻。

不到那一刻没有天才也没有疯子。

可是，却没有谁有那个勇气赌到最后。

所以，在现实的世界中，绝大多数的人，都选择了妥协与放弃。

因为，无论是天才还是疯子，都没有谁可以轻易承担起一场做给自己的献祭，极致的成败下，无论是成是败，都是一场毁灭。

影片中印象最深刻的，就是男主人公站在衣帽店橱窗外的那一段镜头。

反着光的橱窗玻璃，在镜头的艺术下折射着主人公的曾经与当下，强烈而滑稽的捉弄着他最后脆弱的心理，用最直接的方式把他按到现实面前。

主人公身边一张张虚无的开合着的嘴，鄙夷的，好奇的，劝说的，或者干脆不知道在做什么的，都仿佛成了命运嘲弄的笑声。

那短短的一段驻足，仿佛就是一生，主人公的精神世界在那一刻彻底的反转，仅存的坚持被彻底的摧垮。

而往往极端固执的疯狂与瞬间的崩溃彻底的放纵也不过只有一线之隔。

影片的节奏在这里达到了真正意义上的高潮。

主人公内心彻底的激化，在这无声的环境中，成为最尖利入耳的鸣响。

把观影者的情绪也推向了一个极致。

如果影片在这里戛然而止，那么这将是一个残次品。

如果主人公的精神走向了彻底的毁灭这就是一部压抑的文艺片，如果主人公原地满血复活这就是一部英雄主义片，如果有忽然的外星人降临替主人公完成故事这就是科幻片。

如果有一个女子感念曾经报恩而来完满了男主的结局，那么这就是一出田螺姑娘式的爱情喜剧。

于是，在文章开篇提过的烂俗桥段就快快乐乐的出现了，女主偷偷买下了男主曾经变卖的所有收藏，女主一直默默的守候男主等待他的恢复，女主用自己的地位要挟制片人和导演如果不同意男主和自己一起出节目就罢工等等等等。

终于，忙忙碌碌，皆大欢喜。

导演很聪明的在故事的外衣上绣满了一切可供观众瞬间缓解的治愈（做梦）元素。

这是一个关于救赎的故事。

一个曾经拥有太多自信与力量的人，留下了一点希望和充满斗志的火种，救了日后一无所有的自己。

朋友说，女主人公的存在简直就是为了配合男主命运节奏而全套定制的。

我想，她说的没错，因为无论是故事中的主人公，还是现实中的观众，其实最后真正救赎他们的都是那个或许曾经或许未来的自己。

而戏剧化的幸运从来都是一个好的结尾。

就像观众普遍都喜欢大团圆一样，哪怕这中间有多少的逻辑漏洞，对于开心的观众而言都是无所谓的。

同样，从开始到结束这其中的万般苦与痛，挣与扎，都将在结局的欢天喜地中被彻底的忘却。

这，是好事。

===================================================此外，很想谈谈关于这部影片的表现方式。

影片中男主人公在无声的状态下，利用表情表演，肢体动作将他的内心展现的淋漓尽致，观众跟随着他，清晰的感受着他内心深处每一个脉络的律动。

然而倘若这一切，激动的，狂喜的，快乐的，悲伤的，绝望的，一切跳动着的情绪变成声音从荧幕中溢出，那么这一切的叙述就成了一个最普通的故事。

这部影片，恰恰是用无声的效果，让那些原本外化的演绎转变成了一种内心情绪的传递。

可以说，默片的形式，从一开始就为观众营造了一个足够的外界大环境，在演员与观众之间搭了一座桥，用默然的方式传递着主人公的心声，引起观众的心底共鸣。

不是在看一场表演，不是在看一个故事，而是被带入，被牵引到与主人公一起，仿佛进入了他的世界。

他有无数的情绪起伏，人生感慨，他不曾说出，而是就这样掩盖在荧幕里，赤裸裸却静悄悄的向观众表达着。

你甚至可以感觉到他的声音在你心中响起，仿佛那从来就是自己的心声。

这种独特的，营造受众环境的方式，想来也是这部影片取得巨大成功的一个重要因素。